EXPOSITIONS / EXHIBITIONS
FORTHCOMING : An Exhibition Happening Everywhere, At All Times, With Everyone, MoMA - NY, 17-19/04/2013 // An Exhibition as a Mental Mandala, MUAC Mexico City, opening 18/08/2013 // 'Suite pour Exposition(s) et Publication(s)', Musée du Jeu de Paume, Paris, February 2013 - February 2014…
PUBLICATIONS
FORTHCOMING : ‘Chorégraphier une Exposition / Choreographing an Exhibition’, Novembre 2013. ‘Gustav Metzger – Writings, Letters, Conferences, Interviews… 1952 – 2012’, 2013. ‘Gustav Metzger – Auto-Creative Art', out now. ‘PROCURATION SUBORDONNÉE À UNE CONDITION SUSPENSIVE', out now.
An Exhibition Happening Everywhere, At All Times, with Everyone
A Lecture by Mathieu Copeland
Wednesday, April 17, 2013, 6:00 p.m.
Theater 3 (The Celeste Bartos Theater), mezzanine, The Lewis B. and Dorothy Cullman Education and Research Building
Artists Experiment is a new initiative in the Department of Education that brings together contemporary artists in dialogue with MoMA educators to conceptualize ideas for developing innovative and experimental public interactions.
Curator Mathieu Copeland discusses the poetics of interstitial, neutral and otherwise overlooked off-spaces—and off-times—of museums and galleries. He envisages how they can be activated and seen anew through a variety of perspectives, and thus subvert the traditional role of exhibitions and renew the way they are perceived.
An Exhibition to Hear Read
On April 17, 18 and 19, look out for an exhibition of the words in the interstitial spaces of the museum, an art whose cohesion is not so much spatial, but mental, as Textual artworks written by Vito Acconci, Robert Barry, Delphine Coindet, Keren Cytter, Gilles Furtwängler, Nicolas Garait, Goldin + Senneby, Kenneth Goldsmith, Karl Holmqvist, Bethan Huws, Alison Knowles, Benoît Maire, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Charlotte Moth, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Falke Pisano, Aki Sasamoto, Yann Sérandour, Benjamin Seror, Cally Spooner, Irena Tomain, and Sue Tompkins, are read from the series of Exhibitions to Hear Read curated by Mathieu Copeland by three readers (Ceel Mogami de Haas, Anne Hildbrand and Daphné Roulin, from the Geneva University of Art and Design HEAD—Genève).
Activating the "non-spaces," and offering to Museum visitors the opportunity to experience artworks through the voice, an exhibition to hear read proposes the notion of speech as material gesture, in which both the texture of the word and its spoken quality are inscribed in space and time through the act of reading. The vocal interpretation of these artworks constructs an abstract and ephemeral reality that can be said to sculpt the spaces in which it occurs. This ongoing investigation into the materiality of artwork as a question of word and speech is crystallized through a series of publications that act as both score and memory.
April 17, 5–6 p.m.: Cullman mezzanine, 4 W. 54 Street
April 18, 3–5 p.m.: Bauhaus Lounge, third floor and MoMA Sculpture Garden
April 19, 12:30–1:30 p.m. and 3–4 p.m.: Bauhaus Lounge, third floor and MoMA Sculpture Garden
UNE EXPOSITION SANS TEXTES, Maison d'Art Bernard Anthonioz, Nogent sur Marne -FR, 21/03 - 19/05/2013
Une exposition sans textes
Suite pour exposition(s) et publication(s),
deuxième mouvement.
Satellite 6.
Avec Vito Acconci, Francis Baudevin, Stefan Brüggemann, Delphine Coindet, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Giandomenico Tonatiuh Pellizzi, Claude Rutault, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner, Amikam Toren, Jacques Villeglé, Gil Joseph Wolman… Et pour la publication, franck leibovici.
Une exposition de Mathieu Copeland.
Maison d’Art Bernard Anthonioz, Nogent-sur-Marne
du 21 mars au 19 mai 2013
Deuxième mouvement de la suite pour exposition(s) et publication(s) proposée par Mathieu Copeland, « Une exposition sans textes» s’offre en écho direct et simultané a « Une exposition parlée », premier mouvement présente au Jeu de Paume à Paris. Si cette dernière questionne la place du mot et de la lecture dans l’exposition, ce deuxième mouvement en prend le contrepoint pour aborder ce moment où le texte fait image, ou l’écriture (dans sa plus large acception) s’efface, générant ainsi une image abstraite et affirmant la disparition du sens au profit d’une autre lecture.
Une exposition n’est pas l’illustration d’un texte. Tout comme les œuvres qui la compose et sans lesquelles elle ne pourrait être, elle n’appelle pas un paratexte ni ne découle d’un format impose. Sa forme n’est pas prédéfinie en fonction d’une mise en espace pour un temps donne.
Envisageant la superposition et l’accumulation au travers d’œuvres de Stefan Bruggemann, Matt Golden et Idris Khan, l’effacement, la déchirure et une cryptographie du réel, mises en jeu par Jacques Villegle, la re-peinture et l’obstruction chez Francis Baudevin, Giandomenico Tonatiuh Pellizzi, Claude Rutault ou encore l’oblitération et la défiguration avec Amikam Toren et Gil Joseph Wolman, « Une expositions sans textes» s’articule autour de la volonté affirmée d’annuler tout texte ou toute image. Cette approche de l’exposition dans ce qu’elle peut avoir de plus formel insiste sur l’existence de l’œuvre à travers la représentation que l’on s’en fait ou et les mots que l’on projette.
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An Exhibition Without Texts
Suite for Exhibition(s) and Publication(s),
second movement.
With Vito Acconci, Francis Baudevin, Stefan Brüggemann, Delphine Coindet, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Giandomenico Tonatiuh Pellizzi, Claude Rutault, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner, Amikam Toren, Jacques Villeglé, Gil Joseph Wolman… And for the publication, franck leibovici.
The second movement of the “Suite for Exhibition(s) and Publication(s)” by Mathieu Copeland, “An Exhibition Without Texts” is a direct, simultaneous echo of the first movement, “A Spoken Word Exhibition,” presented at the Jeu de Paume. Whereas the latter questioned the role of words and reading in the exhibition, the second movement provides a counterpoint by addressing the moment when the text becomes image, when writing (in its widest sense) disappears, thereby generating an abstract image and affirming the disappearance of meaning in favour of a different reading.
An exhibition is not the illustration of a text. Like the works that compose it and without which it could not exist, it does not call on a paratext and it does not derive from an imposed format. Its form is neither predetermined nor dictated by a presentational text and by its creation in space at a given time.
Une exposition parlée
Suite pour exposition(s) et publication(s),
premier mouvement.
Satellite 6.
Avec Vito Acconci, Delphine Coindet, Yona Friedman, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Kenneth Goldsmith, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner...
Une exposition de Mathieu Copeland
du 26 février au 12 mai 2013
La première exposition conçue par Mathieu Copeland dans le cadre de la programmation Satellite du Jeu de Paume envisage l’exposition du mot et la diffusion d’une œuvre dans sa globalité par l’oral. Entre écriture et image mentale, lecture et écoute, celle-ci interroge l’unicité de la lecture et de la parole, la place du mot dans l’exposition, la question de l’exposition et du catalogue – ou plutôt de l’exposition du catalogue…
Le texte – lu – permet son interprétation, et en devient ainsi autant sa partition que sa mémoire. "Une exposition à être lue" génère des figures à être dites, l’abstraction du langage permettant à une forme d’être et, naturellement, une fois dite, de se dissoudre. Parallèlement à cette exposition par le livre est présentée une série de "rétrospectives parlées". Gustav Metzger, qui fait de la destruction et de l’impermanence des motifs de son œuvre, David Medalla, au travers de l’éphémère et de l’impromptu, et d’autres sont invités à enregistrer par leur voix une rétrospective idéale de leur œuvre, soit leurs vies. Un engagement dont le motif et la matérialité ne peuvent exister — survivre — que par l’exposition non documentaire d’une œuvre radicale et qui échappe autant que possible à la présentation de la rétrospective classique. Chaque rétrospective n’existe qu’au travers des mots dits par les artistes — par la mémoire de ceux qui ont créé —, générant ainsi l’image mentale d’une exposition du temps (temps d’une œuvre dont la disparition affirme son existence, temps d’une vie passée) dans l’esprit de ceux qui écoutent.
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A Spoken Word Exhibition
Suite for Exhibition(s) and Publication(s),
first movement.
With Vito Acconci, Delphine Coindet, Yona Friedman, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Kenneth Goldsmith, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner...
An exhibition by Mathieu Copeland.
from 26 February 2013 until 12 May 2013
The first exhibition conceived by Mathieu Copeland as part of the Jeu de Paume’s Satellite program envisages the exhibition of the word and the diffusion of an entire work orally.
Combining writing and mental image, reading and listening, it questions the uniqueness of reading and speech, the place of the word in the exhibition, the question of the exhibition and the catalogue – or rather of the exhibition of the catalogue...
The – read – text makes possible its interpretation, thus becoming its score as well as its memory. “An Exhibition to Hear Read” generates figures to be said, the abstraction of language enabling a form to come into being and, naturally, once uttered, to dissolve. In parallel with this exhibition through the book a series of “spoken retrospectives” is presented. Gustav Metzger, who uses destruction and impermanence as motifs in his work, David Medalla, through the ephemeral and the impromptu, and others are invited to record with their voices an ideal retrospective of their work, or their lives. The motive and materiality of this undertaking can only exist – survive – through the non-documentary exhibition of a radical work, one that avoids as far as is possible the classic presentation of the retrospective. Each retrospective exists only through the words spoken by artists – through the memory of those who have created – thus generating the mental image of an exhibition of time (time of a work whose disappearance affirms its existence, time of a past life) in the minds of those who are listening.
SUPPORTIVE, 1966 - 2011 - auto-creative art by Gustav Metzger
une exposition de Mathieu Copeland au Musée d'art contemporain de Lyon
14.02.2013 – 14.04.2013
L’art auto-créatif est indissolublement lié à ce qui fut son corollaire, l’art auto-destructif, que Gustav Metzger définit dès novembre 1959 dans son premier manifeste auto-publié. Si son œuvre est souvent envisagé à travers le prisme prépondérant de l'auto-destruction, il nous apparaît aujourd’hui nécessaire de considérer l’envers de toute destruction : l’auto-création.
Metzger associe dès ses débuts le développement d'une pensée théorique et philosophique radicale à une expérimentation artistique constante. Ce sont ces deux dimensions que l'exposition met en œuvre. S'y trouvent réunis pour la première fois, les cinq manifestes « historiques » publiés par l'artiste entre 1959 et 1964, ainsi qu’un ensemble de documents reflétant sa pensée et son engagement pour un art auto-créatif. Gustav Metzger le définit ainsi en 1962 : « Avec cette forme d’art comme avec l’art auto-destructif, le temps, l’espace, le mouvement, la métamorphose et le son jouent un rôle à la fois différent et beaucoup plus important dans la conception, la construction et l’appréciation de l’œuvre […] ». Ces documents inédits sont présentés avec Supportive, 1966-2011, une œuvre récemment acquise par le Musée. Cet environnement monumental fait de cristaux liquides incarne l’auto-création, principe élaboré dès 1959, dans sa plus vaste mise en œuvre réalisée à ce jour.
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Auto-creative art is inseparably linked to its corollary, auto-destructive art, which Gustav Metzger defined in November 1959 in his first self-published manifesto. His work is mainly considered through the prism of auto-destruction, yet it appears as necessary to now envisage the opposite of destruction, auto-creation.
From the very beginning, Metzger combined the development of theoretical thought and radical philosophy with constant artistic experiment. These two dimensions are the core of the exhibition, which, for the first time, brings together the five “historic” manifestoes published by the artist between 1959 and 1964, as well as a set of documents reflecting his ideas and his commitment to auto-creative art, which he described as follows in 1962: “In this art form, as in Auto-Destructive Art, time, space, motion, metamorphosis and sound have a different far more important role in the conception, construction and appreciation of the work […].” Never previously exhibited, these documents are presented alongside Supportive, 1966-2011, a work recently acquired by the Museum. This monumental environment made of liquid crystals is the embodiment of auto-creation, as it was elaborated by Metzger from 1959 onwards. It is the most immersive implementation of these principles to date.
NOTHIN' BUT WORKING - Phill Niblock, une retrospective ; Circuit & Musee de l'Elysee de Lausanne - CH, 30/01 - 12/05 2013
NOTHIN' BUT WORKING - Phill Niblock, une retrospective
30.01.2013 – 14.05.2013
Nothin’ but Working
Phill Niblock, une rétrospective
une exposition de Mathieu Copeland présentée conjointement à Circuit, centre d’art contemporain et au Musée de l’Elysée
Né en 1933, Phill Niblock propose depuis plus de 50 ans au travers d’un « Art Intermedia » une oeuvre pluridisciplinaire. Associant musique minimaliste, art conceptuel, cinéma structurel, art systématique ou encore politique, Niblock s’active à transformer notre perception et notre expérience du temps.
Sur une proposition de Circuit, les photographies, films, installations et l’intégralité de sa musique enregistrée sont réunis au sein de cette première exposition rétrospective consacrée à l’entier de l’oeuvre de Phill Niblock. Cette exposition de Mathieu Copeland est présentée conjointement à Circuit, centre d’art contemporain et au Musée de l’Elysée à Lausanne.
Reconnu comme l’un des grands compositeurs expérimentaux de notre époque, Phill Niblock débute sa carrière artistique comme photographe. Originaire d’Indianapolis, passionné de jazz, il s’installe à New York en 1958. Niblock débute la photographie en 1960 et pendant quatre ans se spécialise dans les portraits des musiciens de jazz tels que Charles Mingus, Billy Strayhorn et Duke Ellington, qu’il accompagne fréquemment en enregistrement et en concert. Au milieu des années 1960, il passe de la photographie au film et, au contact de la chorégraphe et fondatrice d’Experimental Intermedia, Elaine Summers, devient caméraman pour les danseurs et chorégraphes du Judson Church Theater, dont Yvonne Rainer et Meredith Monk. À partir de 1968, Niblock se consacre à la musique et compose ses premières pièces qui doivent — comme le précise l’artiste — être écoutées à fort volume pour en explorer les surharmoniques (overtones).
Depuis le milieu des années 1960, son oeuvre photographique réalisée en argentique dépeint l’architecture et l’urbanisme new-yorkais. La séquence et l’agencement des vues proposent
une cartographie du lieu et de l’objet photographiés, tels que les édifices abandonnés de Welfare Island (aujourd’hui Roosevelet Island) en 1966, le quartier désaffecté au sud du Bronx en 1979 ou les façades du district de SoHo Broadway en 1988. A partir de 1966, Niblock s’engage dans une réflexion sur la production d’images en mouvement au travers de séries de films et suites de diapositives. Produit entre 1966 et 1969, Six Films, une suite de courts métrages sonores réalisés en 16 mm, annonce sa démarche expérimentale au travers de portraits d’artistes et musiciens, dont Sun Ra et Max Neuhaus.
Dès 1968, l’artiste expérimente l’association de ses productions visuelles à son oeuvre musicale pour créer des compositions architecturales et environnementales. La série des Environments, recréée au Musée de l’Elysée par l’artiste pour la première fois depuis sa dernière présentation en 1972, extrait, par l’image, la réalité de plusieurs environnements, tout en créant un environnement temporaire dense et intense d’images projetées, de musique et de mouvements dans l’espace du musée.
L’exposition à Circuit
Présentée pour la première fois dans son intégralité, rééditée et remasterisée par l’artiste pour la rétrospective, la série de films The Movement of People Working (Le mouvement des gens
qui travaillent) dépeint le travail humain dans sa forme la plus élémentaire. Filmé entre 1973 et 1991 en 16 mm couleur, puis en vidéo, dans des lieux comme le Pérou, le Mexique, la Hongrie, Hong-Kong, l’Arctique, le Brésil, le Lesotho, le Portugal, Sumatra, la Chine et le Japon — avec plus de 25 heures de film en tout, The Movement of People Working se concentre sur le travail pris comme une chorégraphie de mouvements et de gestes, sublimant la répétition mécanique et pourtant naturelle des actions des travailleurs. Phill Niblock explique avoir commencé The Movement of People Working « par nécessité, car ma musique s’accompagnait de danse simultanée, et c’était trop laborieux et trop onéreux de tourner avec tout ce monde. Alors j’ai fait ces films, que je pouvais projeter pendant que je jouais. »
Les films sont accompagnés par la collection de lentes compositions musicales évolutives de Niblock, à l’harmonie si minimaliste, composées entre 1968 et 2012. Le volume sonore utilisé lors de la diffusion de ces longs drones en offre une expérience viscérale, et vient animer les harmoniques toutes scintillantes, palpitantes. Ses partitions, présentées dans l’exposition sous forme de photostats réalisés pour son exposition personnelle à l’ICA de Londres en 1982, sont les instructions de mixage du compositeur – celles-ci ne sont pas utilisées par le musicien lors de la performance, il joue avec les enregistrements, se déplaçant dans l’espace, en créant parfois des correspondances de tonalités sur l’enregistrement ou alors en créant des dissonances. Il en résulte un mouvement constant de rythme/pulsation battement, et des harmoniques changeantes en continu lors de ses déplacements dans l’espace. La superposition des tons vient faire écho à la répétitivité de l’activité des ouvriers ; sur chaque écran, la succession des films (qui changent tout au long de la journée), combinée avec un programme aléatoire qui choisit au hasard différentes compositions musicales, résultent en un renouveau permanent des formes, proposant sans cesse de nouvelles juxtapositions de son et d’images.
The Movement of People Working tient un propos fort, politique et social, que le titre met bien en évidence et qui se manifeste par la proximité avec les travailleurs. En cela, cette série de films peut faire écho au travail de certains cinéastes comme Jean-Luc Godard et Chris Marker qui, dès 1967, donnèrent la caméra aux ouvriers en leur expliquant les rudiments techniques du cinéma afin qu’ils puissent réaliser leurs propres films. Dans un fascinant retournement de la situation, plutôt que de faire de la fiction ou du pur documentaire, certains ouvriers formèrent les groupes Medvedkine et décidèrent de se filmer en train de travailler.
-- TEXT IN ENGLISH --
Born in 1933, Phill Niblock has produced, for over more than fifty years, a multidisciplinary work. His “Intermedia Art” features a combination of minimalist music, conceptual art, structural cinema, systematic or even political art, and has actively contributed to transform our perception and experience of time.
Upon a proposal by Circuit, the photographs, films, installations and all his recorded music are brought together for the first time in a retrospective exhibition dedicated to Phill Niblock’s entire artistic endeavour. This exhibition by Mathieu Copeland is presented simultaneously at the Contemporary Art Center Circuit and at the Musée de l’Elysée in Lausanne.
Admittedly one of the greatest experimental composers of our time, Phill Niblock initiated his career as a photographer and film director. Born in Indianapolis, a jazz afficionado, he moved to New York in 1958 where he started photography in 1960, specializing in portraits of jazz musicians such as Charles Mingus, Billy Strayhorn and Duke Ellington, that he frequently accompanies in studio and during concerts. In the middle of the 60s, he shifts from photography to film: encouraged by Elaine Summers, the choreographer and founder of the Experimental Intermedia, he becomes the cameraman for the dancers and choreographers of the Judson Church Theatre, such as Yvonne Rainer and Meredith Monk. From 1968 on, Niblock focused on music and composed his first pieces, which, according to the artist, should be listened to at loud volume in order to explore their overtones.
Since the mid-60s, his analogue photographic work explores New York’s architecture and urban planning. The sequencing and layout of his images offer a mapping of the location and object photographed, such as the abandoned buildings of Welfare Island (today Roosevelt Island) in 1966, the disused district of South Bronx in 1979, or the facades of SoHo Broadway district in 1988. From 1966, Niblock undertakes a thorough consideration on the production of moving images through his series of films and slideshows. Produced between 1966 and 1969, Six Films, a series of short films with sound realized with 16 mm film, heralds his experimental method through portraits of artists and musicians such as Sun Ra and Max Neuhaus.
In 1968, the artist began experimenting a combination of his visual productions with his musical scores in order to create architectural and environmental sound compositions. Recreated by the artist for the first time since its last presentation in 1972 for the retrospective, the Environments series extracts the reality of different surroundings through images, all the while generating a dense and intense temporary environment of projected images, music and movements throughout the museum’s space.
Exhibition at the Contemporary
Art Center Circuit
Presented for the first time in its entirety, re-edited and remastered by the artist for the retrospective, the series of films The Movement of People Working portray human labour in its most elementary form. Filmed on 16mm colour film, and later on video, in locations including Peru, Mexico, Hungary, Hong Kong, the Arctic, Brazil, Lesotho, Portugal, Sumatra, China and Japan – with more than 25 hours of film footage, The Movement of People Working focuses on work as a choreography of movements and gestures, dignifying the mechanical yet natural repetition of labourers’ actions. Phill Niblock said of these that The Movement of People Working «came out of necessity because I was doing music performances with live dancers, and it was too cumbersome and expensive to tour with so many people. So I started doing those films that I could project when performing».
These films are accompanied by the whole corpus of Niblock’s slowly evolving, harmonically minimalist music, realised between 1968 and 2011. The sound level of these compositions offers a visceral experience of the long drones and inhabits the ringing, beating overtones. These scores, presented in the exhibition as photostats realized for his personal exhibition at London’s ICA in 1982, are the composer’s mixing instructions and are not used by the musician during the performance. While moving through space, he plays with the recorded material, sometimes creating tonalities that coincide with the recording or, on the contrary, that produce dissonances. The result is a constant movement of beat, rhythm and pulsation, as well as changing and continuous harmonics during his own motion through space. The layering of tones echoes the repetitions of the workers’ actions; the evolution of the films on each screen (changing throughout the day), combined with a program that randomly plays back different music pieces, results in a constant renewal of forms, continuously offering an exhibition of new juxtapositions of sound and image.
The Movement of People Working offers a strong social and political comment, as highlighted by the title and represented by the closeness with the workers. In this, the series of film echoes the work of several filmmakers including Jean Luc Godard or Chris Marker who as from 1967 gave workers the cameras and informed them of cinematic techniques so that they could actually make their own films. In a fascinating turn of events, rather than doing fictional or pure documentary film, some workers formed the Groupes Medvekine and decided to film themselves working.
50 PARTITIONS
14.12.2012 – 26.01.2013
Avec
John M Armleder, George Brecht, John Cage, David Cunningham, Philippe Decrauzat, Jimmie Durham, Robert Fillliou, Henry Flynt, Ken Friedmann, Gilles Furtwängler, Alois Godinat, Jean-Christophe Huguenin, Alison Knowles, Laurent Kropf, George Maciunas, Gustav Metzger, Phill Niblock, Yoko Ono, Mai Thu Perret, Michael Portnoy, Lili Reynaud Dewar, Thomas Schmit, Mieko Shiomi, Ben Vautier, Alan Vega, La Monte Young…
et
Louise Bailat, Thomas Baud, Johana Blanc, Mathias Brugger, Timothee Calame, Martine Gingras, Harold Jefferies, Tayeb Kendouci, Lamya Moussa, Virginie Portier, Magalie Tracqui, Gaia Vincensini, étudiant-e-s à la Head – Genève
Une exposition de Mathieu Copeland et Yann Chateigné
Mise en mots par Karl Holmqvist
Une exposition par le mot, à lire et à interpréter.
Une exposition fragmentée de 50 partitions pour 50 jours par 50 artistes, mais aussi pour 50 ans.
Il est aussi malaisé de cerner avec précision la date de naissance officielle du mouvement Fluxus que de dessiner les contours précis de la constellation d’artistes qui y participe. Par définition, ce groupe d’artistes qui, influencé autant par John Cage, la philosophie orientale que Dada, se rassemble, au début des années 1960, autour des notions de flux et de mouvement, d’interprétation et de circulation.
Aujourd’hui, Fluxus se refuse encore aux cadres établis de l’historiographie y préférant l’intelligence partagée de la création collective et de l’interprétation continue d’un répertoire commun. Prenant comme prétexte la date du «Fluxus-Festspiele Neuester Musik» organisé à Wiesbaden en septembre 1962 par George Maciunas, cette exposition célèbre alors un « non-anniversaire », en posant un regard non pas rétrospectif mais prospectif, sur cette expérience.
Cinquante « partitions » (events, textes, définitions, poèmes, instructions, pièces) sont réunies avec la complicité de John M Armleder, acteur essentiel de la scène genevoise, et dont le groupe ECART, à la fin des années 1960, peut être considéré comme un écho immédiat de Fluxus en Suisse. Durant cinquante jours, celles-ci sont offertes à l’interprétation de cinquante artistes, qu’ils soient liés au groupe ou directement influencés par Fluxus, qu’ils soient des héritiers possibles de cette famille artistique ou dont le travail entre en résonance avec celui des artistes du mouvement, qu’ils soient en formation dans le cadre de l’école.
La forme exposée de ces cinquante partitions est confiée à l’artiste suédois Karl Holmqvist. Le poète et performeur a dessiné une police de caractère basée sur sa propre écriture, mettant ainsi indirectement par écrit ces mots dans l’espace. Sur cette écriture typographiée, il intervient ensuite à la main au travers de notes, textes et dessins, à même les murs de la galerie. Base continue de l’exposition, à partir de laquelle elle s’anime continûment, cette intervention fait écho aux dimensions conceptuelles, performatives, mentales mais aussi musicales, théâtrales, poétiques et vivantes des oeuvres Fluxus. Ce projet active ainsi, en la (re)jouant, une archive potentielle, dont le lieu devient dès lors la chambre d’échos. Cet hommage choral, pris en charge par un réseau d’artistes, accueille en son coeur un groupe d’étudiant-e-s de la Head – Genève, impliqué à divers niveaux du projet: conceptuel, artistique et curatorial. Car ce qui importe ici n’est pas de revivre le passé, mais bien de prolonger cette expérience, voire de la projeter, aujourd’hui, dans le futur.
Vernissage & Performances
Jeudi 13.12.2012 dès 18 h
Rencontre
John M Armleder et Raimundas Malakauskas
Mercredi 19.12.2012 dès 19 h
Suite à un ennui de santé, John Armleder ne sera pas présent pour cette rencontre qui aura tout de même lieu entre Raimundas Malakauskas et Mathieu Copeland et qui sera suivie d’une projection des films ECART, de la collection du FMAC.
Concert
Douze heures de musique en trois actes :
Le répertoire Fluxus et au-delà, interprété et abusé par des artistes aujourd’hui.
Mercredi 16.01.2013 de 12h à 00h
LiveInYourHead, Institut curatorial de la Head – Genève, rue du Beulet 4, 1203 Genève
MARRAKECH PRESS - (les halles) espace d'art contemporain, Porrentruy - CH, 01/12/2012 - 20/01 2013 // Vernissage le Samedi 1er Decembre à Partir de 18h00
MARRAKECH PRESS
Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat
Du 2 décembre au 20 janvier 2013
Vernissage samedi 1er décembre à 18h00
Rencontre avec Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat dimanche 2 décembre à 13h30.
Heures d’ouverture :
jeudi : de 17h00 à 19h00
samedi : de 10h00 à 12h00 et de 13h30 à 17h30
dimanche : de 13h30 à 17h30
0u sur rendez-vous 032 420 84 02
Marrakech Press
Marrakech Press est un label de production et d’expérimentation cofondé par le curateur indépendant franco-britannique Mathieu Copeland et l’artiste suisse Philippe Decrauzat. Actif depuis le 1er Janvier 2011, son champ d’action s’étend à l’édition, les expositions, la publication, les manifestes et les films.
L’exposition à l’espace d’art contemporain (les halles), à Porrentruy, s’envisage comme une exposition de peintures, des screenings des deux premiers films produits et réalisés par Marrakech Press, un dessin de Gustav Metzger, et la présentation d’une série de manifestes publiés et distribués à cette occasion.
FILMS
Deux courts-métrages s’articulent et se développent autour du désir de filmer le son et de travailler la superposition et la fragmentation de l’image. Filmés et montés en 16mm, ils suivent à chaque fois la même partition : La surimpression de deux situations dont la première est systématiquement un musicien filmé au moment même où il produit la bande sonore du film. La deuxième, non prédéfinie, est choisie selon les logiques de la dérive et du collage.
Filmé dans le loft new-yorkais du musicien minimaliste Phill Niblock (et enregistré par ce dernier) et à Marrakech dans l’imprimerie régionale, ce premier film rend compte de la surimpression des images du musicien expérimental, le guitariste américain d’avant-garde Alan Licht et des presses de Marrakech, engagées pour l’occasion à faire tourner leur machine, pour ne rien imprimer sur des papiers de format A4 et vierge. Ces mêmes machines ont été utilisées par la suite pour l’impression des manifestes distribués dans l’exposition.
Le second film a été tourné à la frontière Austro-Allemande et dans les montagnes du haut Atlas marocain. Il présente le musicien et percussionniste Allemand F.M Einheit (ex-Einstürzende Neubaten – groupe phare de la musique industrielle post punk créée à Berlin en 1980) au travail chez lui, dans son garage, détruisant briques et miroirs, jouant du son des pierres et du sable sur une large plaque en métal amplifiée. F.M Einheit compose et crée une architecture de ruine abstraite et temporaire, qui se voit superposées à des vues de paysages du Sahara et de l’Atlas.
Ces films sont projetés sur des monochromes noirs de format identique, rythmant l’espace, ces deux peintures-écran s’offrent en écho à un troisième tableau – une composition abstraite de l’artiste Suisse Francis Baudevin repeint en noir pour devenir le tableau test, ici recouvrant sa réalité de ‘peinture’.
MANIFESTES
Bruce McClure, Delphine Coindet, David Cunningham, Peter Downsbrough, Gilles Furtwängler, Kenneth Goldsmith, Lionnel Gras, Scott King, François Kohler, MR Lucy, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Loreto Martinez Troncoso, Diego Santomé, Nick Thurston, et Dan Walsh ont tous été invités à composer et rédiger un manifeste publiés par Marrakech Press, et offert à la lecture dans le cadre de l’exposition.
Tous ces manifestes suivent le même mode de réalisation : Les artistes, curateurs, écrivains, ou encore musiciens ont composé un manifeste, sur le recto d’un format A4. Cette page est ainsi donnée directement aux presses de Marrakech qui les interprète tels une partition et les mettent en page de manière typographique. Ils sont ensuite distribués aux visiteurs de l’exposition.
Finalement, et pour revenir au début, un dessin de Gustav Metzger est présenté dans l’exposition. Réalisé pour la couverture de l’ouvrage ‘Partons de zéro’, première publication de Marrakech Press etprésenté ici en parallèle à son original, ce dessin annonce autant un programme à venir que le contenu d’un livre à considérer comme la partition d’une exposition.
Une édition sera produite dans le cadre de l’exposition.
LE CONFORT MODERNE - Le Confort Moderne, Poitiers, du 16 Mai au 19 Août 2012 // Vernissage le Mercredi 16 Mai à Partir de 18h30
LE CONFORT MODERNE
Une exposition avec Francis Baudevin / Stefan Brüggemann / Henry Codax / Philippe Decrauzat & Alan Licht / Gaylen Gerber / Kenneth Goldsmith / Marc Hurtado & Sébastien Vitré / Martina Klein / Jutta Koether / Sadie Laska / Franck Leibovici / Olivier Mosset / Charlotte Moth / Mai-Thu Perret & Ik ue Mori / Stephen Prina / Florian & Michael Quistrebert / Claude Rutault / Giorgio Sadotti / Hugo Schüwer-Boss / Susan Stenger & F.M. Einheit / Alan Vega / Jacques Villeglé
Commissaire associé : Mathieu Copeland
"Le Confort Moderne" au Confort Moderne parle de soi(lui)-même. Une exposition dont l’intitulé porte l’appellation même de l’espace (autant scène musicale mythique que centre d’art contemporain) ne peut que nous ramener à ses enjeux, ces enjeux, nos enjeux!
Mathieu Copeland
L’exposition est née d’une rencontre avec Mathieu Copeland et la lecture ou plutôt l’écoute commune d’un lieu : Le Confort Moderne. A la fois salle de concerts pionnière et centre d’art depuis plus de vingt ans, le lieu agit comme matrice de l’exposition. L’exposition opère un glissement d’objets picturaux ou conceptuels vers des objets praticables ou réceptacles. L’exposition s’organise en cinq sections : les actions, les partitions, les films, les concerts et la peinture. Les peintures deviennent écran, les concerts activent les oeuvres, les films sont réalisés en collaboration entre artistes et musiciens.
Travaillant une pensée de l’exposition et son rapport entre le "praticable" et "l’objet" (le praxis et l’objekt) – l’oeuvre et l’action de l’oeuvre – "Le Confort Moderne" affirme cette compréhension de l’activation du lieu par les oeuvres, et son corollaire du lieu donnant autant la forme que le contenu. En somme, plus qu’une exposition offrant un confort de l’objet, celle-ci insiste sur le présent de l’action et sa constante modernité.
L’exposition fait dialoguer les oeuvres de près de trente artistes internationaux, de la scène au salon de peinture, de la partition au live, du jardin au cinéma pour la construction d’une oeuvre totale.
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"Le Confort Moderne" at Le Confort Moderne speaks for itself : an exhibition named after the venue where it takes place (both a mythic music venue and art center) can only bring us back to these issues, its issues, our issues!
Mathieu Copeland
The exhibition arose from a meeting with Mathieu Copeland and from the common feel, or rather the common listening, of the place. Le Confort Moderne has been a music venue and art centre for over 20 years, and its space acts as a matrix of Le Confort Moderne. These modern comforts slides between pictorial or conceptual, through practical objects or receptacles, and is organized into five parts: actions, scores, films, concerts and a painting salon. Paintings become screens, the concerts activate the pieces, the films were made in collaboration between artists and musicians.
Envisaging the exhibition and its link between the 'practicable' and the 'object' (the praxis and the objekt) - the art work and the action of the art work - Le Confort Moderne asserts a reading of a gallery activated by the works within it, while the corollary of the gallery provides the content as much as the form. So to say, more than an exhibition showing comfortable objects, Le Confort Moderne explores the topicality of the action and its continuous modernity. From the stage to the salon de peinture; from the score to the live performance, and from the garden to the cinema, a total work is constructed.
Du 16 mai au 19 août 2012
Entrepôt-galerie du Confort Moderne
Du mercredi au dimanche de 14h00 à 19h00 et les soirs de concerts
Vernissage mercredi 16 mai à partir de 18h30
Performances & Concerts / Susan Stenger & F.M. Einheit / Laetitia Sadier / Rhys Chatham / Nico Vascellari / Martin Rev / James Chance
An Exhibition to Hear Read
Hear ICA’s interstitial spaces shaped by a polyphony of voices. This spring the Institute of Contemporary Art (ICA) at the University of Pennsylvania will host a unique performative event. Penn students will collaborate with students from HEAD - Geneva to continuously read a selection of textual artworks every day for a week in February.
An exhibition to hear read proposes the notion of speech as material gesture, in which both the texture of the word and its spoken quality are inscribed in space and time through the act of reading. The vocal interpretation of these artworks constructs an abstract and ephemeral reality that can be said to sculpt the spaces in which it occurs. This ongoing investigation into the materiality of artwork as a question of word and speech is crystallized through a series of publications that act as both score and memory.
This event at the ICA will be the fourth in a series of “volumes,” each presented at a different venue. An exhibition to hear read is curated Mathieu Copeland and is realized in partnership with Kenneth Goldsmith, Penn’s Center for Programs in Contemporary Writing, HEAD (Haute école d’art et de design Genève / Geneva University of Art and Design), and the Cultural Services of the French Embassy in the USA. This fourth volume, hosted by the ICA, is the first to be presented in the United States. The first volume was commissioned by the contemporary art center La Synagogue de Delme in France, a second in Geneva by HEAD’s curatorial institute Live In Your Head, and a third by the David Roberts Art Foundation in London.
An exhibition to hear read will be performed by students from the yearlong seminar Writing Through Art and Culture at Penn and from the WORK.MASTER at Geneva University of Art and Design. It features textual works by the following Penn students: Yolanda Carney, Ana Maria Gomez Lopez, Alexander Hovnanian, Staci Kaplan, Ellie Levitt, Christina Lisk, Isabel Oliveres, Sarah Richter, Alexander Schwartz, and Naomi Shavin. It also features written works by artists including: Marí Alessandrini, Robert Barry, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Keren Cytter, Chloé Delarue, Amélie Dubois, Jarrod FowlerNicolas Garait, Goldin + Senneby, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Karl Holmqvist, Jean-Christophe Huguenin, Bethan Huws, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Benoît Maire, David Medalla, Charlotte Moth, Falke Pisano, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Yann Sérandour, Cally Spooner, Irena Tomažin, Sue Tompkins, Anne Le Troter, and Martina-Sofie Wildberger.
Timed to coincide with Penn’s conference on abstraction (co-sponsored by ICA and the Department of the History of Art), An exhibition to hear read commences on February 10 and runs through February 19.
A Conversation with Mathieu Copeland at the University of Pennsylvania - Kelly Writers House (3805 Locust Walk - Philadelphia, PA 19104) - 02/16/2012 @ 6pm
Mathieu Copeland talks at The Curatorial Hub at ICI (401 Broadway, Suite 1620 ; New York, NY 10013) on February 21st @ 7pm
Reprise #1 - Studies for a catalogue / a study for an exhibition on violence in contemporary art (reprise 1964/2011) - Flat Time House, London - Friday 24 June - Sunday 31 July
Closing Bbq & Publication Launch - Sunday 31 July, 2-6pm
Reprise #1
Studies for a Catalogue: a Study for an Exhibition of Violence in Contemporary Art (Reprise 1964/2011)
with Karel APPEL – Jean ARP – Francis BACON – Enrico BAJ – Elena BAJO – Giacomo BALLA – Davide BALULA – BALTHUS – Erica BAUM – Max BECKMANN – Tom BENSON – Hans BELLMER – George BELLOWS – Emma BJORNESPARR – Peter BLAKE – Umberto BOCCIONI – Frank BOWLING – Georges BRAQUE – Victor BRAUNER – Stefan BRÜGGEMANN – Edward BURRA – Alberto BURRI – Reg BUTLER – Alexander CALDER – Guiseppe CAPOGROSSI – Carlo CARRA – CESAR – Paul CEZANNE – Lynn CHADWICK – DADO – Salvador DALI – Alan DAVIE – Giorgio DE CHIRICO – Willem DE KOONING – Niki DE SAINT–PHALLE – Philippe DECRAUZAT – André DERAIN – Otto DIX – Jean DUBUFFET – Marcel DUCHAMP – James ENSOR – Max ERNST – Peter FILLINGHAM & Charlotte MOTH – Lucio FONTANA – Sam FRANCIS – Alberto GIACOMETTI – Juan GRIS – Arshile GORKY – Georg GROSZ – Renato GUTTUSO – Richard HAMILTON – Raoul HAUSMANN – Rudolph HAUSNER – John HEARTFIELD – Erich HECKEL – Anne-Sylvie HENCHOZ – Camille HENROT – Maurice HENRY – Roger HILTON – David HOCKNEY – Hans HOFMANN – Allen JONES – Asger JORN – Frida KAHLO DE RIVERA – Wassily KANDINSKY – Ellsworth KELLY – R.B. KITAJ – Paul KLEE – Oskar KOKOSCHKA – Alfred KUBIN – KUKRYNSKI – Felix LABISSE – Wilfredo LAM – John LATHAM – Fernand LEGER – Pablo LEON DE LA BARRA – Wyndham LEWIS – Roy LICHTENSTEIN – Max LINDNER – Jacques LIPSCHITZ – LUCEBERT – René MAGRITTE – André MASSON – Umberto MASTROIANNI – Georges MATHIEU – Henri MATISSE – Mark MCGOWAN – MATTA – F.E. McWILLIAM – Henri MICHAUX – Manolo MILLARES – Joan MIRO – Piet MONDRIAN – Henry MOORE – Edvard MÜNCH – Antonio MUSIC – R. MUTT (Marcel Duchamp) – Paul NASH – Warren NEIDICH – Sidney NOLAN – José Clemente OROZCO – Eduardo PAOLOZZI – Peter PHILLIPS – Francis PICABIA – Pablo PICASSO – Edouard PIGNON – John PIPER – Philomene PIRECKI – Jackson POLLOCK – POSADA – Mel RAMOS – Man RAY – Odilon REDON – RICHARDS – Germaine RICHIER – Bridget RILEY – Diego RIVERA – RODIN – Theodore ROSZAK – Georges ROUAULT – Henri ROUSSEAU – Antonio SAURA – Giorgio SADOTTI – Gerald SCARFE – Karl SCHMIDT–ROTLUFF – SCHROEDER-SONNENSTERN – Kurt SCHWITTERS – Gino SEVERINI – Ben SHAHN – SINE – David Alfaro – SIQUEIROS – Richard SMITH – Chaim SOUTINE – Saul STEINBERG – Graham SUTHERLAND – Rufino TAMAYO – Yves TANGUY – Dorothea TANNING – Jean TINGUELY – Henri de TOULOUSE-LAUTREC – Clovis TROUILLE – Fritz VAN DEM BERGHE – Victor Vincent VAN GOGH – VASARELY – Renzo VESPIGNANI – Andy WARHOL – Neal WHITE – WOLS and Ossip ZADKINE.
An Exhibition by Mathieu COPELAND.
Reprise /ri’pri:z/ n. & v. : n. 1 A repeated passage in music. 2. A repeated item in a musical programme. v.tr. repeat (a performance, song, etc.); restage, rewrite. [French, fem. past part. of reprendre]
What remains of an exhibition, once it has run its course, is crystallised in its catalogue, the materials it generated, and the memories of those who experienced it. Yet the exhibition that once was is also a material – equal to any other – and as such can be reprised weeks, months or years later, and in different contexts.
A catalogue generally makes available the details of the works that were included in an exhibition. It ‘reproduces’ images of the artefacts that made it be and/or views of the exhibition itself. Catalogues are at best the memory of an exhibition, at worst its checklist. To reprise an exhibition can be seen as an attempt to envisage its memory, to re-insert it in reality, by using its catalogue as a score for another exhibition to be.
Past realities are revisited and appropriated by the presentation of an entire ‘bootleg’ of an exhibition. To do so is to curate an exhibition without choosing any of the works. The original artworks are copied, their reproductions insisting on their equivalence to the original. From the catalogue's checklist, an approximation of all the artworks is gathered and united in a format that only has to be printed in order to generate another bootleg ; a distant echo of the original, an exhibition evolving from what once was and in constant expansion.
Mathieu Copeland, July 2011
Studies for an Exhibition, David Roberts Art Foundation - London 07/04 - 11/06 2011
Opening: 06/04 @ 18.30
curators’ series # 4
Studies for an Exhibition
07.04.2011 -11.06.2011.
please join us for the opening: 06.04. 2011 from 6.30
With Elena Bajo, Robert Barry, Emma Bjornesparr, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Gustav Metzger, Roman Opalka, Julia Rometti & Victor Costales, Karin Sander, Yann Sérandour, Cally Spooner, Sue Tompkins, and Niele Toroni.
an exhibition by Mathieu Copeland.
Mathieu Copeland is the fourth guest curator invited by The David Roberts Art Foundation to be part of the Curators’ Series. Studies for an Exhibition, explores how exhibitions are to be envisaged in regard to transient thoughts – an art that reveals itself through time, as movements of transitions, as possible studies giving the feeling of what is, and what can be.
Following a desire to not fix in form an exhibition to be, Studies for an Exhibition brings together practices that explore the possibilities of immateriality and the temporal nature of an art object. The question of time and accumulation is adamant to an exhibition that considers a recycling of our current reality as the means to generate transitory new forms.
Moments of history are revisited, as with the recreation of Gustav Metzger’s 1956 display/appropriation of the posters advertising the seminal show at the Whitechapel Gallery This Is Tomorrow, which he used to cover the entire shop windows of his then second hand shop/exhibition space 30Queens in Kings Lynn. A means to advertise what was tomorrow then, the posters can be read in parallel to the altered exhibition posters by Niele Toroni, who painted over posters advertising his own exhibitions, thereby blurring the moment of the original shows and when these are painted, and shown. Past realities are again revisited and appropriated when confronted with the entire ‘bootleg’ of a 1964 ICA exhibition entitled Study for an exhibition of violence in contemporary art.
In relation to these works of past and present readings, the ‘mailed paintings’ by Karin Sander create in the space of the gallery an unstable hanging as these are being mailed back and forth to the artist in Berlin for the duration of the exhibition. The paintings capture their own reality by acquiring marks as they travel unprotected from one place to the next. As an echo to this reality in motion for an exhibition to be, Emma Bjornesparr addresses the location of the gallery and the habits of consumption. Through a temporary sculpture that frames the entire time of an exhibition in saving the accumulated waste, the artist creates the inversed portrait of the host institution.
Since 1972 Roman Opalka marks time through the progressive inscription of numbers painted from one to infinity. The constant evolution of these paintings is accompanied by a tape recording of his own voice saying the numbers out loud as he writes them. By disseminating these recordings in the space of the gallery we are projected into an ephemeral experience of time.
Accumulation of knowledge is the focus of Julia Rometti and Victor Costales’ work. Exotismo Ordinario Internacional Neotropical is an archive based on their ongoing research into plants from the neotropical region. As part of this continuous study, a series of booklets will be handed out. Elena Bajo’s commission is to be dreamt, forgotten, drawn on a wall or indeed erased. Showing the process of becoming, it is a piece that is all of its studies, changes and potentialities, echoing the exhibition in becoming a study for all that it can and could be.
And as yet another possible study discussing the form of an exhibition, Mathieu Copeland has edited a new publication, the third volume of his series entitled An Exhibition to Hear Read/Une Exposition à être lue. The book will be read out at 2pm every day for the duration of the exhibition. This publication features text based artworks by Robert Barry, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Yann Sérandour, Cally Spooner, and Sue Tompkins. These contributions consider the relation between a text as an art piece to be and its spoken realisation, questioning the ‘performativity’ of the act of reading from a book.
The exhibition is supported by the National Lottery through Arts Council England, the French Institute, London, Swedish Embassy in London and Accion Cultural Espanola, London.
the DAVID ROBERTS ART FOUNDATION -FITZROVIA
111 GREAT TITCHFIELD STRET , LONDON W1W 6RY
TEL : +44 20 7637 0868, WWW.DAVIDROBERTSARTFOUNDATION.COM
OPENING HOURS : TUESDAY -FRIDAY 10AM - 6PM , SATURDAYS 11AM - 4PM
Une Chorégraphie Polyphonique & Une exposition à être lue (volume 2), LiveInYourHEAD Genève 13/01/2011 - 29/01/2011
VERNISSAGE: 13/01/2011 @ 18.00
UNE CHOREGRAPHIE POLYPHONIQUE & UNE EXPOSITION A ETRE LUE (VOLUME 2)
Avec Marí Alessandrini, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Chloé Delarue, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Jean-Christophe Huguenin, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Cally Spooner, Irena Tomažin, Anne Le Troter et Martina-Sofie Wildberger
Une exposition de Mathieu Copeland
Vernissage le jeudi 13 janvier à 18 heures
Exposition du 14 au 29 janvier 2011
Du jeudi au samedi de 14 à 19 heures
LiveInYourHead
Institut curatorial de la Head – Genève
Rue du Beulet 4, 1203 Genève
Une Chorégraphie Polyphonique & Une Exposition à Etre Lue (Volume2) est la première d’une série de lab.zones (ateliers) conçues par Mathieu Copeland au sein du programme work.master de la Head – Genève, en collaboration avec un groupe d’étudiant-e-s-artistes et avec les contributions de différentes figures invitées.
L’exposition s’articule autour de la question du mot, des mots imprimés dans un livre à être lu aux mots lus dans un mouvement à trois voix, pour former une Chorégraphie Polyphonique. Le pouvoir évocateur des trois mouvements est interprété par la voix, que ce soit à l’unisson, dans la simultanéité, la répétition, ou encore la succession et le geste. L’exposition est uniquement composée d’oeuvres textuelles, écrites par les artistes et conçues pour être lues à trois voix en permanence durant les horaires d’ouverture de l’espace LiveInYourHead. L’exposition est envisagée comme une forme vivante, minimale, continue, vocale autant que mentale, intellectuelle autant que corporelle.
Sa réalité textuelle, la texture du mot et sa qualité lue posent les questions de la gestuelle de la parole, du mouvement des mots et celle de l’inscription du geste de lire dans l’espace d’exposition lui-même. L’interprétation des oeuvres écrites révèle autant l’architecture sensible de l’espace qu’une réalité abstraite et éphémère, portée par la voix, une polyphonie constructive et destructive du contenu intelligible, dans l’espace et le temps.
Approchant l’oeuvre par sa matérialité, et envisageant par là même la matérialité de l’exposition au travers du mot et de la parole, cette Exposition à être lue se cristallise au sein d’une publication. Celle-ci regroupe des oeuvres – écrites par les étudiant-e-s-artistes et les artistes, musiciens ou encore poètes internationaux invités pour l’occasion – qui constituent autant sa partition que sa mémoire.
Plus d'informations - http://head.hesge.ch/IMG/pdf/LIYH_Mathieu_Copeland-2.pdf
An exhibition of the word(s) on UbuWeb - August 2010
AN EXHIBITION OF THE WORD(S)
A. Dziga Vertov Group - Letter to Jane
B. Michael Snow - So this is
C. Franck Leibovici - 9+11 [PDF]
D. Karl Holmqvist - Rockland
E. Meredith Monk - As if it came from an oral tradition from Chicago '82: A Dip in the Lake
F. James Lee Byars - Pronounce perfect until it appears, 1979, 0'03" from Happy New Ear
G. Salvador Dali - La Méthode Paranoïaque Critique from Je Suis Fou De Dalí!
H. Gilbert and George - Ten Commandments for Gilbert and George
I. Keren Cytter - Der Spiegel
J. Bob Cobbing - Performing Concrete Poetry [here] and [here]
K. Erica Baum - Body Language [PDF]
L. Bern Porter - The Last Acts of St. Fuck You [PDF]
An exhibition of the word(s), Featured Resources for August 2010 selected by Mathieu Copeland for UbuWeb
UNE EXPOSITION (DU) SENSIBLE
Avec/With, par ordre d'apparition/in order of appearance, Gustav Metzger, Cildo Meireles, Dexter & Sinister, Franck Leibovici, Kenneth Goldsmith, Cesare Pietroiusti, Benoit Maire, Goldin + Senneby, Keren Cytter, Amélie Dubois, Charlotte Moth, Cally Spooner, Falke Pisano
Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland
La synagogue de Delme
Mathieu Copeland s’est précédemment illustré dans la conception d’expositions renégociant le rapport du spectateur aux œuvres, et des œuvres aux lieux censés les rendre visibles. Vides, une rétrospective, au Centre Pompidou à Paris rassemblait ainsi neuf expositions « vides » de l’histoire de l’art. Une Exposition Chorégraphiée, au Centre d’art de la Ferme du Buisson présentait des œuvres conçues pour être dansées par trois performeurs, selon une partition d’enchaînements écrite par le commissaire. Dans Une Exposition Parlée, elles étaient lues et activées par l’équipe du centre d’art Baltic de Newcastle upon Tyne. Évoquons enfin Soundtrack for an exhibition au Musée d’Art Contemporain de Lyon, immense partition musicale étirée sur plusieurs mois, où la musique devenait l’exposition à proprement parler. D’exposition en exposition, Mathieu Copeland dessine une manière de faire et de pousser la forme artistique tout comme l’institution dans leurs retranchements. Qu’elles soient musicales, parlées, chorégraphiées, les œuvres placent le spectateur en position de jouer à son tour sa partie, tout du moins de dépasser le vide apparent pour écouter, se mouvoir, capter de tous ses sens l’air et la réalité qui l’entoure.
Partant d’une conversation avec l’artiste Gustav Metzger, pionnier de l’Art Autodestructif depuis 1959, Mathieu Copeland réaffirme avec lui qu’il ne s’agit pas d’utiliser l’exposition pour montrer des objets dans un espace physique déterminé, mais de réaliser ces objets, envisageant alors la synagogue de Delme comme le lieu d’où l’on part, et non plus comme une fi n en soi ni un point d’arrivée. Plutôt un passage...
Les œuvres produites s’affranchissent des limites habituelles de l’exposition pour s’insérer dans la vie et l’économie d’un territoire. Les réseaux locaux, qu’il s’agisse de médias, d’évènements ou de services, deviennent tout à la fois le support et le lieu d’apparition des œuvres. C’est le cas du film de Franck Leibovici projeté tout l’été en première partie des films de cinéma itinérant en Lorraine, de la pièce radiophonique de Kenneth Goldsmith diffusée chaque jour via des radios locales, des interventions hebdomadaires de Cesare Pietroiusti dans le journal, sous forme de « pensées non fonctionnelles », ou encore du Bulletin Municipal 2010 de la commune de Delme, revisité par le duo Dexter & Sinister et à partir duquel sont déclinés les supports de communication pour Une exposition (du) sensible. Le titre renvoie à l’ancrage de tout le projet dans une réalité sensible, qu’elle soit entre les quatre murs blancs du centre d’art ou dans les boîtes aux lettres des habitants de Delme, qui ont reçu chez eux le fameux Bulletin.
Si le centre d’art devient la caisse de résonnance d’œuvres qui ont lieu ailleurs, il est aussi une structure vivante, qui rassemble des objets mouvants, activés et activables : l’œuvre que Cildo Meireles a conçu en 1970, intitulée Insertions dans des circuits idéologiques, consiste à « enregistrer des informations et des opinions critiques sur des billets de banque et les remettre en circulation ». L’artiste s’employait alors à tamponner les billets, avec ce titre et cette phrase, assortis de messages militants, avant de les réinjecter dans le flux des échanges bancaires. L’œuvre est ainsi réactivée dans le cadre d’Une exposition (du) sensible. Si le texte, le langage, la lecture et la parole sont conviés au fil des œuvres de multiples manières, le livre édité spécialement pour l’exposition, intitulé Une exposition à être lue, condense tout particulièrement cette dimension. Il rassemble les contributions de Keren Cytter, Amélie Dubois, Goldin+Senneby, Benoît Maire, Charlotte Moth, Falke Pisano et Cally Spooner : narrations, descriptions d’espaces imaginaires, protocoles de lecture, scripts d’œuvres filmiques renvoient à la matière textuelle au cœur du travail de ces artistes, fascinés par le langage et sa puissance d’évocation. La lecture des œuvres écrites révèle autant l’architecture sensible d’un espace, celui de la synagogue, mais pas seulement : une réalité sensible et éphémère, portée par la voix. Une exposition (du) sensible déjoue les cadres spatiaux et temporels dans lesquels on circonscrit les œuvres, ainsi que le fonctionnement lissé des institutions, une sorte de science aigüe du glissement et de la dissémination des formes. Certaines œuvres ont déjà eu lieu, d’autres auront lieu après-coup, comme c’est le cas de l’intervention de Gustav Metzger dans la presse locale en octobre. Le centre d’art se fait articulation, de temps et de lieux, mais aussi de mots et de phrases, qu’elles soient écrites, lues ou parlées.
Marie Cozette
Engaging with a practice that often considers immateriality, Mathieu Copeland proposes exhibitions that renegotiate the relationship between the spectators and the works, and between the works and the venues supposed to give them visibility. “Voids, a Retrospective” at the Centre Pompidou in Paris brought together nine historical “empty” exhibitions; “A Choreographed Exhibition” at the Ferme du Buisson Contemporary Art Centre presented artworks as gestures and movements that were danced by a trio, written in time by the curator; in “A Spoken Word Exhibition” the works were read aloud by the staff of Baltic, Newcastle upon Tyne’s contemporary art centre; or again with “Soundtrack for an Exhibition”, a seemingly timeless score stretched out over several months at the Museum of Contemporary Art in Lyon, the music actually becoming the exhibition.
From one venture to the next, Mathieu Copeland has outlined a way of working that subjects artistic forms and institutions to radical challenges. May these be of sound, to be spoken or danced, the works place the viewer in the situation of having to play his own part in turn – or at the very least of having to transcend a seeming void so as to listen, move about and tune in sensorially to an atmosphere and its surrounding reality.
Referencing a conversation with Gustav Metzger, the seminal activist and pioneer of auto destructive art, Copeland joins the artist in reaffi rming that the exhibition should serve not to show things in a predefifi ned physical space, but to realise them; the Synagogue de Delme is thus taken as a point of departure, and not as an end in itself nor a destination. More a transient place.
Breaking out of the usual exhibition boundaries, the works inhabits the specifi c life and economy of a given territory. Local networks – media, events, services – become simultaneously the medium and the venue for the works. Such is the case for Franck Leibovici’s fi lm, shown before all the features that will be shown this summer as part of the itinerant cinemas circuit in Lorraine; Kenneth Goldsmith’s daily piece on local radios; Cesare Pietroiusti’s weekly “non-functional thoughts” in the press; and the Municipality of Delme’s Bulletin for 2010, revisited by the duo Dexter & Sinister and serving as the publicity basis accompanying “Une Exposition (du) Sensible”. The title, that could be translated as “A Sensibility Exhibition” or “An Exhibition of the Sensible”, refers us to the project’s roots in a perceptible reality, may this be within the art centre’s four white walls or through the letter boxes of Delme, as every inhabitant of the town received a copy of the Bulletin.
While the art centre thus becomes a resonance chamber for works happening elsewhere, it is also a living structure, an assembly point for mobile objects both activated and activatable: Cildo Meireles’ Insertions into Ideological Circuits from 1970 which involves “recording information and critical opinions on banknotes and reintroducing them into circulation”. At the time the artist stamped the notes with this title, as a call to the addition of political messages, before reintroducing them into the fl ow of the banking system. This work, is, once again, reinserted for the time of the exhibition.
If text, language, reading and speech appear to be the basis of the works composing this exhibition, the book specially published for the exhibition and titled An Exhibition To Hear Read provides a singular condensation in the form of contributions by Keren Cytter, Amélie Dubois, Goldin+Senneby, Benoît Maire, Charlotte Moth, Falke Pisano and Cally Spooner: narratives, descriptions of imaginary spaces, reading protocols and fi lm scripts (...) all reference the textual matter central to the work of these artists fascinated by language and its powers of evocation. A reading of the written works reveals not only the perceptible architecture of any given space – that of the synagogue – but also a perceptible and ephemeral reality channelled through the voice.
“Une Exposition (du) Sensible” thwarts both the circumscribing of works by spatial and temporal frameworks and the bland functioning of art institutions, that highly developed pseudo-science of displacement and dissemination of forms. Some of the works have already taken place, others will happen at a later stage: Gustav Metzger’s contribution via the local press is scheduled for October. The art centre thus functions as a point of articulation for times and places, but also for words and phrases, whether written, read or spoken.
Marie Cozette
AUTOUR DE L’EXPOSITION
Visite commentée avec Mathieu Copeland : dimanche 12 septembre à 16h
Visites commentées avec Laurène Macé, chargée des publics : tous les dimanches à 16h
INFORMATIONS PRATIQUES
Vernissage de l’exposition vendredi 11 juin à partir de 18h30,
en présence des artistes et de Mathieu Copeland.
Exposition ouverte du 11 juin au 19 septembre 2010.
Mercredi-samedi : 14-18h & dimanche : 11-18h. Entrée libre et gratuite.
Le centre d’art sera ouvert le 14 juillet et le 15 août.
POUR SE RENDRE À LA SYNAGOGUE DE DELME
ACCÈS DEPUIS PARIS (1h30):
TGV Est, arrivée Metz ou Nancy
ACCÈS DEPUIS METZ (1/2h):
D955, ancienne route de Strasbourg
ACCÈS DEPUIS NANCY (1/2h):
N74 direction Château-Salins
puis D955 vers Metz
Visuels disponibles sur demande
Contact presse: Agathe Borgne communication@cac-synagoguedelme.org / +33(0)3 87014342
"... avant il n'y avait rien, après on va pouvoir faire mieux.", une exposition de motifs et desseins à Circuit, Lausanne 18/06 - 04/09 2010
VERNISSAGE: 18/06 @ 18.30
CIRCUIT
Centre d’art contemporain
Av. de Montchoisi 9, accès quai Jurigoz
case postale 303, CH - 1001 Lausanne
+41 21 601 41 70
www.circuit.li
Une exposition de motifs et desseins d’Alan Vega et Antonin Artaud, Kurt Seligmann, Ad Reinhardt, Paul Sharits, Emma Kunz, Glenn Branca, Gustav Metzger, Wallace Berman, Phoebe Unwin, Claude Parent, Jon Savage, Unica Zürn, Madelon Vriesendrop, Charles Burns, Judy Chicago, Brion Gysin, Amélie Dubois, Savage Pencil, Hans Hartung, Asger Jorn, André Masson, Max Kohler, Henri Michaux, Mel Bochner, Steve Albini, Dinos Chapman, Jake Chapman, Jean Tinguely, Max Ernst, Gerhard Rühm, Tadeusz Kantor, NPA, Bruce Conner, Marty Rev, Bob Cobbing, Linder Sterling, Frank Kozik, George Maciunas, Leonora Carrington, Henry Flint, Henri Chopin, Georges Brecht, Le Freistilmuseum, Loulou Picasso, Yoko Ono, Scott King, Rudolph Grey, A.R. Penck, Michael Snow, J.G. Ballard, Salvador Dali, Paul “Cool P” Liebegott, Wyndham Lewis, Jacques Villeglé, Karl Holmqvist, Jacques Bonnard, Ric Ocasek, Marian Zazeela, Delphine Coindet, Genesis Breyer P-Orridge, Warren Neidich, Hans Bellmer, Natacha Anderes, Peter Fischli, Roland Topor, Virginia Overton, Andrea Merkx, W. C. Westermann, Fabrice Stroun et tant d’autres.
un inventaire partiel de Mathieu Copeland et Circuit
* Préambule d’Henri Michaux à son film “Images du monde visionnaire” de 1964
Le dessin, dans toute sa complexité et sa diversité, existe peut-être et avant tout par son apparente économie. La simplicité possible d’une feuille et d’une technique, un moment pris, une surface remplie. Envisageant le motif et son dessein, l’exposition offre une ouverture nécessaire sur l’écriture et l’art imprimé au travers du dessin et de ces formes possibles de diffusion.
Cette exposition s’offre au regard d’une large sélection d’œuvres dessinées et imprimées d’Alan Vega (né en 1938 à Brooklyn), et accompagnant la sortie de l’ouvrage rétrospectif sur l’œuvre de cette figure mythique de la scène alternative artistique New Yorkaise et pionner du rock électronique minimal en tant que cofondateur avec Martin Rev du groupe culte Suicide. Sur plus de 40 ans de création et d’intensité, Alan Vega s’est affirmé comme l’un des artistes et musiciens les plus influents, faisant du Punk le manifeste d’une raison de vivre.
Cofondateur en 1969 de MUSEUM A Project of Living Artists à New York, un des premiers lieux alternatifs « artist-run spaces » new-yorkais et ouvert 24h/24, MUSEUM était dédié à toutes les formes d’art, aussi bien visuelles que musicales et cinématographiques, devenant rapidement un tremplin pour un grand nombre d’artistes et de musiciens. Vega écrit alors les « Requêtes du Front de Libération du MUSEUM », une série d’injonctions nécessaires et tellement actuelles incluant par exemple ce cri pour que « les systèmes d’exposition, y compris les sélections pour les expositions collectives, soient abolis. » ou encore donnant « le droit à n’importe quel artiste de retirer une œuvre, de modifier une œuvre, de détruire une œuvre de n’importe quel autre artiste présentant son travail dans l’espace » - un texte signé par un Artiste Américain Anonyme du 20e siècle- qui accueille aujourd’hui les visiteurs entrant à CIRCUIT.
À la fin des années 50, Alan Vega étudie notamment avec Ad Reinhardt et Kurt Seligmann au Brooklyn College, et se concentre dans un premier temps sur la peinture, puis le dessin. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière : il crée ses premières « light sculptures », des sculptures lumineuses faites d’assemblage d’objets divers composées d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs. Anti-esthétique, antiforme, le pendant d’un Arte Povera « Made in USA », son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il vit.
L’exposition se concentre principalement autour de son œuvre graphique. Vega insiste comment « pour (lui), le dessin a toujours été un devoir, (et) la peinture une douleur ». Dessinant quasi uniquement des visages, il déclare avoir toujours « aimé dessiner des personnes âgées. Elles ont l’image de la vie gravée sur leur visage ». Activité parallèle et nécessaire à son travail musical, Vega ne peut écrire sans dessiner : « Tout comme l’écriture, dessiner constitue une obsession quotidienne. Comme pour l’écriture, faire un dessin surgit subitement. Avec le dessin, il faut partir ailleurs, quelque part où je n’en ai rien à foutre. Je m’assois, l’esprit absent et en paix (…). C’est une manière de mettre à plat
des idées ».
L’exposition se propose ainsi comme un écho suicidaire au désir d’une exposition qui n’est autre qu’un inventaire morcelé et subjectif.
Son agencement reflète le système d’écriture possible d’une exposition entendue comme le manifeste concrétisé d’une poésie qui se montre. Le chant de mille voix entamant un anthem ou le dessin est l’égale de sa reproduction. Envisageant l’ensemble des œuvres présentes ou suggérées comme un environnement sensible, toutes s’écrivent dans l’espace comme une partition à lire abstraitement.
Oscillation sensée de pièces ultra-figuratives qui (se) composent de nouvelles figures et identités poétiques, au contrepoids composé d’une large sélection d’œuvre abstraite, toutes s’offrent à être lues comme la « carte mentale d’une exposition ». Cette phrase devient à son tour le titre de l’ouvrage photocopié mis à disposition au public, un recueil ou se retrouve mis au même niveau toutes les œuvres constituant cette exposition.
Les rapports, cohésions ou rejections qui s’opèrent entre chacune des parties constituantes de se regroupement temporaire insistent sur la base qui les unies toutes - le dessin, et ses modes possibles de diffusion. D’un médium à l’autre s’affirme une équivalence sur la valeur nécessaire des œuvres présentées.
Hasard arrangé par la géométrie, hors d’une utopie moderne, cet agencement éphémère offre un va-et-vient d’objets référencés, et reproduits… Et si ce qui au départ s’offrait comme un vide premier laissant toutes formes de futures possible, permettons nous de conclure avec une autre phrase d’Henri Michaux, une phrase autant tiré de son magnifique ouvrage de 1948 ‘Meidosems’
qu’extraite – pour l’instant – de l’exposition :
« Ils ont abouti ici. Et il n’y a rien à ajouter ».
Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat
NEWS : SWISS EXHIBITION AWARD 2010 to "…avant il n’y avait rien, après on va pouvoir faire mieux…"
L'exposition Continue
Des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault.
Une exposition de Mathieu Copeland.
Du 09/02 au 18/04 2010
Inauguration dimanche 07/02 de 14h à 18h
Navette gratuite Place du Châtelet 13h30
cneai =
tél : 01 39 52 45 35, fax : 01 39 52 43 78,
cneai@cneai.com, île des impressionnistes, 78400 chatou, france
"L’exposition présente des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault .
S’offrant comme une réflexion sur ce qu’est la peinture, l’exposition se fragmente en plusieures expositions concomitantes. En premier lieu, une exposition classique de peintures de différents artistes ; peintures qui sont, suivant le principe fondamental de l’œuvre de Claude Rutault initié en 1972, repeintes de la même couleur que le mur, affirmant ainsi une deuxième exposition. En écho s’offre une troisième exposition fantôme, des toiles monochromes de Claude Rutault au format identique aux peintures repeintes insérées au sein même de l’architecture du Cneai. Une exposition en miroir (et en échange), qui s’inscrit ainsi comme un écho vide du présent des œuvres."
Mathieu Copeland
Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse
Paintings painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault.
" The exhibition shows paintings by Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault.
Thought out as a reflexion on the nature of painting, the exhibition is fragmented in a couple of echoing exhibitions. To begin with, there is a classical exhibition of paintings by different artists ; these paintings are, following the fundamental principle of Claude Rutault's work started in 1972, paintd over with the same colour of the wall on which they are hung, affirming thus a second exhibition. Echoing these, a third, fantomatic exhibition is given constituted by monochrome paintings by Claude Rutault of the same formats than the ones painted over inserted within the cneai's architecture. A mirror exhibition, such as an empty echo of the works' present." Mathieu Copeland
Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse
Toutes les photographies © CNEAI
Voids, Eine Retrospektive
With VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE the Kunsthalle Bern offers an opportunity to explore a crucial chapter in the history of art. Following Yves Klein’s exhibition at the Iris Clert gallery in 1958, the empty space became a recurrent artistic theme. This chronological retrospective exhibition brings together nine empty exhibitions by Yves Klein, Art & Language, Robert Barry, Robert Irwin, Stanley Brouwn, Bethan Huws, Maria Eichhorn, and Roman Ondák.
Yves Klein’s 1958 emblematic exhibition ‘The Specialization of Sensibility in Raw Material State into Stabilized Pictorial Sensibility’, which was subsequently referred to as The Void, is widely considered as a turning point in modern art history. The empty space exhibited as such thus became, in a way, a classic of radicalism, and would be repeated and remade in other contexts, other places and other times by other artists whose intentions might be similar, different or even opposed to Klein’s.
The principle of the exhibition at the Kunsthalle Bern is to present only exhibitions where the space is left rigorously empty, without the addition or subtraction of anything, thus excluding, for instance, shows or works involving the modification of lighting, the installation of sound, the construction of partitions or the exclusion of the public. And it is no part of its goal to reconstruct the original physical space, as rather than representing the historical void by the artists, the retrospective - working closely with the artist and their estate - considers the void itself, and not the architecture that hosted the void.
Also, all forms of historical documentation or memorabilia related to the original exhibition (such as posters, photos, invitations, photo-documentation, press reviews, original texts) are excluded from the exhibition; all such elements being included in the exhaustive catalogue published alongside the exhibition, edited by the curators John Armleder, Mathieu Copeland, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot, Gustav Metzger, together with Laurent Le Bon and Philippe Pirotte.
Each void offers a different reading of the empty space, representing, perhaps, a claim, a renunciation, or, indeed, a celebration of the museum or gallery’s space. Contemplating emptiness, one confronts nothingness and absence, the invisible and the ineffable, destruction and negation. VOIDS are offered for what they are, and for what they allow. This accumulation of empty spaces, similar in appearance but radically different in reality, has echoes and implications beyond its walls. More than a radical and conceptual exhibition, the retrospective is an invitation to explore and experience, in a very physical manner, the different texture of each different space. The visitor encounters the empty exhibitions now in 2009, exactly 40 years after ‘When Attitude Become Form’ organised by Harald Szeeman when director of the Kunsthalle Bern. It was such exhibition that enabled this retrospective to be, and one could dream that with the voids, the attitudes, literally, are the forms.
This exhibition brings together the work of artists who have attempted this extreme gesture, to exhibit without showing an object, without making any intervention but a single announcement. The exhibition begins with Yves Klein’s 1958 exhibition, and from then on envisages how entirely empty exhibitions have defined different kinds of emptiness, sometimes as a means to signal sensibility as for Klein, sometimes as the peak of a conceptualist or minimalist practice as with Robert Barry’s ‘Some places to which we can come, and for a while “be free to think about what we are going to do (Marcuse)”’ (1970). Sometimes as the desire to explore our understanding of exhibition & exhibition spaces as for Art & Language’s ‘Air Conditioning Show’ (1966-67), or in the case of Robert Irwin’s ‘Experimental Situation’ (1970) as the appraisal of the space, and the affirmation that there is no such thing as nothing. Sometimes as the desire to empty an institution & focus on the experience of walking through it as for Stanley Brouwn, or with Laurie Parsons’ exhibition at the Lorence-Monk Gallery in New York in 1990, announced by a card bearing only an address, with neither dates nor the name of the artist, as a means to announce the artist’s complete withdrawal. Sometimes as the affirmation that there is no need to introduce in a space a work of art as it is already there, as with Bethan Huws’ ‘Haus Esters Piece’ (1993). And again as with Maria Eichhorn’s ‘Money at the Kusnthalle Bern’ who in emptying the Kusnthalle in 2001 worked with the void out of necessity, devoting the exhibition budget to the renovation of the building. And sometimes it is the means to remind us that the most important aspect of any void is the notion of trust and belief, as with Roman Ondak’s ‘More Silent Than Ever (room fitted with eavesdropping devices)’ (2006), a piece that deceives the public in making one believe that there is more when indeed there is nothing.
In this respect, from the search for a renewal of perception, through political or ideological statement, to the deconstruction of the very principle of exhibition, these exhibitions pose a range of crucial questions about the role of the institution, and this unprecedented marshalling of eloquent emptiness within the Kunsthalle Bern represents a true challenge to the institution.
For an unprecedented exhibition, a unique curatorial team. VOIDS, A RETROSPECTIVE, which is both an exhibition in the most traditional sense and an art event in its own right, has been put together by John Armleder, who has always been interested in nothing; Gustav Metzger, a key figure in auto-destructive art, Mai-Thu Perret, a young conceptual artist, Mathieu Copeland, a curator who explores the limits of the exhibition, Clive Phillpot, a writer; together with Philippe Pirotte, director of the Kunsthalle Bern.
Accompanying and simultaneously to the retrospective at the Kunsthalle Bern, the Museum Haus Lange, Krefeld, will be entirely empty and open to the public for a week (20th - 27th of September) as an invitation to visit Yves Klein’s ‘Raum der Leere’, a permanent void realized in 1961.
Accompanying events will also include an evening of performance by Ben Vautier, a screening of films curated by Stuart Comer, a discussion with Mr Jose Miguel Jimenez from CERN, a listening session by Francis Baudevin, and "Absenz - (k)ein konzert" a concert by Ensemble Neue Horizonte. For more information on dates and locations in Bern on all these events, please refer to www.kunsthalle-bern.ch.
VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE is coproduced by the Centre Pompidou, Paris, and the Kunsthalle Bern.
Toutes les photographies © Céline Bertin
Friday 11 September 8pm: FLUXUS & NOTHING by Ben Vautier
Date: Friday, 11 September 2009
Time: 20:00 - 21:00
Location: Calvinhaus, Grosser Saal
Street: Marienstrasse 8
FLUXUS AND NOTHING by Ben Vautier
He recently told us that ‘Less is More, but I prefer Nothing’! It is therefore with great pleasure that we welcome Ben Vautier to realise a too rare performance by this Fluxus hero and ever so influential artist for an evening considering nothing and the void. Performing his own pieces intertwined with pieces taken from the extensive Fluxus repertoire, Ben creates a program that look into the apparent impossibility of doing nothing, and furthermore (or rather furtherless), doing nothing on stage. A fascinating event that will cast a beautiful light on what his mother used to tell him, that there is no such thing as nothing.
Ben Vautier was Born in Naples, Italy, on the 18 July 1935. He lives in Nice France.
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Projecting the Void curated by Stuart Comer
Projecting the Void curated by Stuart Comer
This programme is a celebration and a critical consideration of the filmic void, a projection of possible impossibilities. An empty frame or an imageless film can attempt to articulate absence, but paradoxically they also call attention to the presence of the viewer, the materiality of the cinematic apparatus, and the space of projection. The films in the programme echo the notions of evacuation, destruction, emptiness and invisibility in the exhibition, Voids, Eine Retrospective. As relationships between sound, image, representation and film stock are gradually broken down, cinema is revealed as an exhibition space of its own, a set of celluloid ‘rooms’ whose flirtation with the matter of voids might generate its own unique and contradictory set of concerns.
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Saturday 3rd of October : A discussion with Mr Jose Miguel Jimenez from CERN’s Vacuum, Surfaces and Coatings Group (TE/VSC)
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Saturday 3rd of October : There Singularly Nothing by Francis Baudevin
Francis Baudevin’s Listening Session : There Singularly Nothing
Titled after a composition by Petr Kotik, There Singularly Nothing is a program curated by artist Francis Baudevin established through the medium of the recorded music. Articulated through Baudevin’s extensive collection of music, it considers openly the thoughts of the exhibition as an invatation to envisage the many possible echo of the voids. A program will be edited & given away whilst we will be invited to hearing recordings that envisages both the recorded silence, and musicians singing on silence!
Francis Baudevin was born in 1964 in Bulle, and lives in Lausanne.
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Sunday 4th of October : « Absenz - (k)ein konzert » by Ensemble Neue Horizonte
« Absenz - (k)ein konzert » is a concert considering the void in music performed by the renowned Ensemble Neue Horizonte, and offers a reflection on what could be ‘silent music’. The concert will include pieces from John Cage, Dieter Schnebel, Toshiro Mayutumi, Peter Streiff, Roland Moser, Urs Peter Scheider, and again Mieko Shiomi.
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Accompanying and simultaneously to the retrospective at the Kunsthalle Bern, the Museum Haus Lange, Krefeld, will be entirely empty and open to the public for a week (20th - 27th of September) as an invitation to visit Yves Klein’s ‘Raum der Leere’, a permanent void realized in 1961. for more information please go to: www.kunstmuseenkrefeld.de
"Infinite Mercy", Alan Vega's Retrospective at the Musée d'Art Contemporain de Lyon
15/05 - 02/08 2009
ALAN VEGA
INFINITE MERCY
15.05 > 02.08.09
ALAN VEGA, CONNU POUR ÊTRE L’UN DES PIONNIERS DU ROCK ÉLECTRONIQUE MINIMALISTE, COFONDATEUR AVEC MARTIN REV DU GROUPE MYTHIQUE « SUICIDE » AU DÉBUT DES ANNÉES 70, EST AVANT TOUT UN ARTISTE PLASTICIEN ACTIF SUR LA SCÈNE ARTISTIQUE NEW-YORKAISE DÈS LA FIN DES ANNÉES 60.
En 1969, Alan Vega (né en 1938 à New York, où il vit et travaille) est l’un des fondateurs du « Projet des Artistes Vivants » (Project of Living Artists), un des premiers lieux alternatifs new-yorkais, tenu par des artistes et ouvert 24h/24. Dédié à toutes les formes d’art, aussi bien à la musique qu’au cinéma, ce lieu devient vite un tremplin pour un grand nombre d’artistes, tels que New York Dolls, Television et Blondie. Dans cet univers saturé, Alan Vega trouve un environnement idéal pour son oeuvre et poursuit simultanément sa carrière musicale et artistique. Il étudie avec Ad Reinhardt au Brooklyn College et se concentredans un premier temps, sur la peinture. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière et il crée ses premières « light sculptures », assemblages d’objets divers composés d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs.
/ LA PREMIÈRE FOIS QUE J’AI RÉALISÉ UNE « SCULPTURE LUMIÈRE » JE TRAVAILLAIS SUR UNE PEINTURE DE GRAND FORMAT DE COULEUR VIOLETTE. UNE SEULE AMPOULE ÉCLAIRAIT LA PIÈCE, ET COMME J’ALLAIS ET VENAIS, J’AI REMARQUÉ QUE LA PEINTURE PRENAIT DIFFÉRENTS ASPECTS. JE N’ARRIVAIS PAS À OBTENIR L’UNITÉ DE COULEUR QUE JE CHERCHAIS […], J’AI DÉCROCHÉ L’AMPOULE DU PLAFOND, ET JE L’AI LITTÉRALEMENT PLANTÉE SUR MA PEINTURE. CELA M’A OUVERT À L’IDÉE MÊME DE COULEUR, ALORS QUE JE VOULAIS LA CONTRÔLER, J’AI COMMENCÉ À VOIR À QUEL POINT LA LUMIÈRE POUVAIT MODIFIER UNE PEINTURE : C’EST LA LUMIÈRE QUI DÉTERMINE LA PEINTURE […]. DÈS QUE J’AI COMMENCÉ À TRAVAILLER AVEC L’ÉCLAIRAGE, J’AI UTILISÉ DE PLUS EN PLUS D’AMPOULES, À LA PLACE DE PIGMENTS. LES AMPOULES DE COULEUR SONT DEVENUES MA PROPRE PALETTE. /
Alan Vega
Anti-esthétique, anti-formelle, son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il évolue. Faisant fi de toute préciosité, pour l’une de ses toutes premières expositions à New York en 1972, Alan Vega récupère dans la rue les matériaux qui constitueront des éléments de son oeuvre et les présente dans la galerie. À l’issue de l’exposition, il les rend à leur réalité première, les retournant à la rue.
Composée d’un large corpus d’oeuvres créées depuis 1971, cette rétrospective présente un ensemble de sculptures lumineuses, dont les célèbres « crucifix », série initiée au début des années 80. Une version « monumentale » est créée spécifiquement pour l’exposition au Mac LYON.L’exposition présente également un large choix de peintures et plus d’une centaine de dessins exécutés au stylo-bille, totalement inédits :
/ JE DESSINE EXCLUSIVEMENT DES GENS, LES VISAGES M’INTÉRESSENT PLUS QUE TOUT LE RESTE. JE JETTE LA PLUPART DE MES DESSINS. IL FAUT QUE L’INSPIRATION VIENNE DE FAÇON NATURELLE. ELLE VIENT QUAND J’ÉCRIS DES CHANSONS OU DES POÈMES. IL FAUT JUSTE ESSAYER DE PLONGER AU PLUS PROFOND DE SOI-MÊME. POUR ÊTRE FRANC, JE DÉTESTE ÉCRIRE, ET CURIEUSEMENT, JE NE PEUX M’Y METTRE QU’À CONDITION DE DESSINER UN PORTRAIT. /
Alan Vega
Dans la logique de son travail de récupération et d’utilisation de matériaux préexistants, l’exposition comme les oeuvres, recycle, réintègre, un grand nombre de « matériaux » des expositions antérieures : verres, murs, structures…
/ MON ART, C’EST L’ART DE L’OBJET TROUVÉ, ET C’EST AUSSI DE LA RÉCUPÉRATION. /
/ IL NE S’AGIT PAS D’UN ART LISSÉ ET J’APPRÉCIE LE FAIT QU’ELLES SOIENT COMPOSÉES À PARTIR DE DÉCHETS OU DE REBUTS. /
Alan Vega
Légendes vivantes de l’histoire du rock et du punk, précurseurs avant-gardistes, avec Suicide, Alan Vega et Martin Rev sont les premiers musiciens rock à introduire systématiquement le beat millimétré de la batterie électronique dans leurs compositions. Alan Vega est cependant beaucoup moins connu comme artiste plasticien, c’est pourquoi, le mac LYON lui consacre ici, sa première grande exposition personnelle rétrospective, présentant plus de 40 ans de création et d’intensité.
Mathieu Copeland
ALAN VEGA, KNOWN TO BE ONE OF THE PIONEERS OF MINIMALIST ELECTRONIC ROCK AS THE CO -FOUNDER WITH MARTIN REV OF THE MYTHICAL BAND “SUICIDE”, IS FIRST AND FOREMOST A VISUAL ARTIST ACTIVE ON THE NEW YORK SCENE SINCE THE END OF THE 1960S.
In 1969, Alan Vega (born in 1938 in NY, where he still lives & works) was one of the founding members of the “Project of Living Artists”, one of the first alternative artist-run spaces in NY open 24/7. Dedicated to all forms of art, music and cinema, it quickly became a showcase for groups such as the New York Dolls, Television and Blondie. In this saturated universe, Vega found an ideal environment for his work, and pursued his musical and artistic careers in parallel. He studied with Ad Reinhardt at Brooklyn College, initially focusing on painting. Toward the end of the 1960s, his interests shifted toward light as he created his first “light pieces”— assemblages of diverse objects including bulbs, wires, televisions and neon tubes of every shape and colour.
/ THE FIRST TIME I DID A LIGHT PIECE WAS WHEN I WAS WORKING ON A VERY BIG PURPLE PAINTING. THERE WAS ONE LIGHT BULB IN THE ROOM, AND AS I WALKED AROUND I NOTICED HOW THE PAINTING ACQUIRED DIFFERENT ASPECTS. I WANTED IT TO BE ONE COLOUR, SO […] I TOOK THE LIGHT OUT OF THE CEILING AND REALLY STUCK IT ON THE PAINTING. THAT STARTED ME WITH THE WHOLE IDEA OF LIGHT BECAUSE I WANTED TO CONTROL THE COLOUR, BUT THEN I SUDDENLY BEGAN TO REALIZE JUST HOW MUCH LIGHT AFFECTS A PAINTING — ALL PAINTING IS ABOUT LIGHT. […] AS I STARTED WORKING WITH LIGHT, I STARTED GETTING MORE AND MORE INTO DIFFERENT COLOURS OF LIGHT INSTEAD OF USING PAINT. I STARTED USING LIGHT BULBS OF COLOUR THAT BECAME MY PAINT. /
Alan Vega
Anti-aesthetic, anti-formal, Vega’s work embraces the contemporary reality in which he is immersed. For one of his first exhibitions in New York in 1972, eschewing all preciosity, he looked to the streets for the materials that would become the elements of his work, and presented them in the gallery. At the end of the exhibition, he gave them back to their primary reality, returning these to the street.
This retrospective comprises a large corpus of works created since 1971. Presenting numerous light pieces from all periods, among them the famous series of “crucifixes” which Vega began in the mid-1980s, and a “monumental” version created specifically for the exhibition at the mac LYON.The retrospective also presents a large body of paintings, and more than a hundred ballpoint drawings that have not previously been exhibited :
/ I DRAW JUST PEOPLE. TO ME A FACE IS EVERYTHING ANYWAY. MOST OF THE DRAWINGS I THROW OUT. IT JUST HAS TO COME OUT WITHOUT THINKING […] WHEN I WRITE LYRICS, OR POETRY, IT COMES FROM MY MIND. IT’S JUST TRYING TO GET DEEP INTO YOURSELF. TO BE HONEST WITH YOU, I HATE WRITING, AND IRONICALLY THE ONLY WAY I CAN SIT DOWN AND WRITE IS IF I DRAW A PORTRAIT. /
Alan Vega
In the logic of Vega’s work, including the retrieval and re-use of pre-existing objects, it is not just the works, but the exhibition format itself, that recycles and reintegrates various “materials” from previous exhibitions : glass, walls, structures, etc.
/ MY ART IS AN ART OF THE FOUND OBJECT, AND IT’S ALSO THAT OF SALVAGE. /
/ IT’S NOT SMOOTHED-OUT ART, AND I APPRECIATE THE FACT THAT IT’S COMPOSED OF GARBAGE AND DISCARDED OBJECTS. /
Alan Vega
As living legends of rock and punk history, and avant-garde precursors with Suicide, Alan Vega and Martin Rev were the first rock musicians to systematically introduce electronic drums into their compositions. Alan Vega is however less well known as an artist, this is the reason why mac LYON proposes his first major solo retrospective, representing more than 40 years of creativity and intensity.
Mathieu Copeland
Dossier de presse Alan Vega - Infinite Mercy // Service presse Élise Vion-Delphin T +33 (0)4 72 69 17 25 // communication@mac-lyon.com
ALAN VEGA - INFINITE MERCY. Toutes les photographies © Céline Bertin, 2009
VIDES, Une rétrospective
Manifestation exceptionnelle, « Vides » est une rétrospective des expositions vides depuis celle d'Yves Klein en 1958. Dans une dizaine de salles du Musée national d'art moderne, elle rassemble, de manière inédite, des expositions qui n'ont rigoureusement rien montré, laissant vide l'espace pour lequel elles étaient pensées.
L'idée d'exposer le vide est récurrente dans l'histoire de l'art de ces cinquante dernières années, au point d'être presque devenue un cliché dans la pratique artistique contemporaine. Depuis l'exposition d'Yves Klein La spécialisation de la sensibilité à l'état matière première en sensibilité picturale stabilisée à la galerie Iris Clert, à Paris, en 1958, les expositions entièrement vides affirment différentes conceptions du vide.
S'il est pour Yves Klein un moyen de signaler l'état sensible, il représente en revanche l'apogée de l'art conceptuel et minimal pour Robert Barry avec Some places to which we can come, and for a while "be free to think about what we are going to do." (Marcuse), [« Des lieux où nous pouvons venir, et pour un moment, ' être libre de penser à ce que nous allons faire '. (Marcuse) »], œuvre initiée en 1970. Il peut aussi résulter du désir de brouiller la compréhension des espaces d'expositions, comme dans l'œuvre The Air-Conditioning Show d'Art & Language (1966-1967), ou de vider une institution pour modifier notre expérience comme dans l'oeuvre de Stanley Brouwn.
Il traduit également la volonté de faire l'expérience des qualités d'un lieu d'exposition, comme pour Robert Irwin et son exposition réalisée à la ACE Gallery en 1970, ou pour Maria Nordman lors de son exposition à Krefeld en 1984. Le vide représente aussi une forme de radicalité, comme celui créé par Laurie Parsons en 1990 à la galerie Lorence-Monk, qui annonce son renoncement à toute pratique artistique. Pour Bethan Huws et son œuvre Haus Esters Piece (1993), le vide permet de célébrer l'architecture du musée, signifiant que l'art y est déjà présent et qu'il n'est pas nécessaire d'y ajouter des œuvres d'art. Le vide revêt presque le sens d'une revendication économique pour Maria Eichhorn qui, laissant son exposition vide à la Kunsthalle Bern en 2001, permet d'en consacrer le budget à la rénovation du bâtiment. Avec More Silent than Ever (2006), Roman Ondak, quant à lui, laisse croire au spectateur qu'il y a plus que ce qui est laissé à voir.
Comité Curatorial : John Armleder, Mathieu Copeland, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot.
Commissaire au Centre Pompidou: Laurent Le Bon
VIDES. Une rétrospective. Toutes les photographies © Centre Pompidou, Georges Meguerditchian, 2009
A Spoken Word Exhibition - Baltic, Newcastle Upon Tyne, opening Friday 16/01
A Spoken Word Exhibition
Friday 16 January – Sunday 15 March 2009
A Spoken Word Exhibition is composed of worded artworks (artworks only made of words to be spoken), to be read by BALTIC Crew members to visitors who ask to hear the pieces.
Acting as a voice when addressed throughout the building, the Crew repeat the words, sentences or paragraphs, the texts or haikus as written and instructed by the invited artists. Not performing, only using language through the act of reading, the works are available only on demand, initiating an exchange between visitors and BALTIC Crew.
The exhibition inhabits the realm of the spoken word, addressing the possibilities of art, memory & exhibition making. The exhibition is constituted of artworks that are to be spoken and exchanged as a verbal gesture from one person to another. Artworks that only last for the time it takes to read them, generating ultimately an exhibition that only lasts for the time it takes to listen.
A Spoken Word Exhibition is an exhibition of the same nature & material as that of the artworks that constitutes it, which are words. Contributing artists are Vito Acconci, Fia Backström, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currie (aka Momus), Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomas Vanek, Tris Vonna-Michell, Lawrence Weiner, and Ian Wilson.
Please ask to hear the artworks.
An exhibition by Mathieu Copeland
Une Exposition Chorégraphiée
Avec Jonah Bokaer, Philipp Egli, Karl Holmqvist, Jennifer Lacey, Roman Ondak, Michael Parsons, and Fia Backstrom & Michael Portnoy. Interprétée par Le Clubdes5. Une exposition de Mathieu Copeland.
Une Exposition Chorégraphiée est une exposition composée exclusivement de mouvements. Pendant un mois et demi, six heures par jour, trois danseurs interprètent les partitions écrites par huit artistes. L’ensemble de ces partitions est orchestré par le commissaire d'exposition qui crée le déroulé général, sorte de mouvement chorégraphique ou musical à plusieurs thèmes.
En l’absence de décor, de lumière dramatique ou de musique, les gestes résonnent dans la galerie déserte. S’enchaînant dans un continuum sans fin, ils se déploient dans l’espace et dans le temps.
Les danseurs, tels des sculptures vivantes, concentrent toute l'attention, bouleversant le rapport au spectateur. La proximité troublante avec les interprètes, et leurs déplacements souvent imprévisibles, obligent à se mettre soi-même en mouvement, à se repositionner en permanence. Une exposition chorégraphiée invite à une expérience inédite de l'espace et de la durée. Elle se forme et se déforme sous nos yeux. Elle ne se fixe jamais sinon dans la mémoire.
Photographies by T Caron
Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind
Centre d'art de la Ferme du Buisson
Scène nationale de Marne-la-Vallée
Allée de la Ferme – Noisiel
77448 Marne-la-Vallée Cedex 2
tél : 01 64 62 77 00 / fax : 01 64 62 77 99
contact@lafermedubuisson.com
www.lafermedubuisson.com
Horaires
Vendredi, samedi, dimanche 14h-20h
Accès depuis Paris
RER A, dir. Chessy / Marne-la-Vallée, arrêt Noisiel (20 min)
Porte de Bercy, A4 dir. Marne-la-Vallée, sortie Noisiel-Torcy puis Noisiel-Luzard (15 min)
Le Centre d'art contemporain de la Ferme du Buisson bénéficie du soutien de la Drac Ile-de-France/Ministère de la Culture et de la Communication, du SAN Val-Maubuée et du Conseil Général de Seine-et-Marne. Il est membre des réseaux tram et d.c.a.
‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).
L'exposition Continue
Une exposition de Mathieu Copeland pour 2 centres d’art (Circuit & 1m3) avec
David Cunningham,
On Kawara,
Charlemagne Palestine,
et des peintures de Birgir Andresson, Jean-Sylvain Bieth, Francis Baudevin, Michel Castaignet,
John Cornu, Philippe Decrauzat, Noel Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Evi Vingerling,
repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault.
vernissage le vendredi 3 octobre à 18h
du 4 octobre au 22 novembre 2008
je-ve-sa de 14h à 18h et sur rendez-vous
Concert de Charlemagne Palestine
mercredi 1er octobre à 20h30, Eglise St-François, Lausanne
Concert de David Cunningham et Mika Vainio
samedi 4 octobre à 22h, Le Bourg, rue de Bourg 51, Lausanne
Lecture de One Million Years, On Kawara
chaque samedi à 16h durant l’exposition, Circuit, Lausanne
Lausanne, Switzerland
www.galerie1m3.com & http://www.circuit.li/
The Saints, and Music & Films by Amy Granat
With Fia Backström, Jutta Koether, Amy O’Neill, Mai-Thu Perret, Emily Sundblad, Stefan Tcherepnin, Angel Turner
Opening the 26th of April, at 14.00, with ‘Emotional Music’ a performance with Amy Granat, Emily Sundblad and Stefan Tcherepnin.
The exhibition runs until the 14th of June 2008, 10am – 5pm
An exhibition curated by Mathieu Copeland
26 April to 14 June 2008
Sketch Gallery, London
9 Conduit Street
London, W1S 2XG, UK
Le Dojo, La Villa Arson et le laboratoire de mémoires présentent
Une exposition de mémoires
Une discothèque silencieuse
vernissage vendredi 2 mai à 18h
exposition du 3 mai au 9 mai 2008
Exposition collective de & avec BENJAMIN BICHARD, ANNA BYSKOV, ZORA CAHUSAC, MARION CHARLET, CAMILLE DEBRAY, ALYS DEMEURE, MAILYS D.PERRET, LOUP GANGLOFF, SOPHIE GRANIOU, LAURIE GERARDO, YASMINA HATEM, CINDY LELAURIN, SANDRA LORENZI, AURELIE MENALDO, MARYLINE M'GAIDES, STEPHANIE RAIMONDI, COLINE VECTEN, sur une proposition de MATHIEU COPELAND, avec NOËL DOLLA & PASCAL PINAUD
LE DOJO
22 bis bd Stalingrad
F-06300 Nice
Tel 04 97 08 28 14
Fax 04 97 08 28 19
www.le-dojo.org
info@le-dojo.org
A Spoken Word Exhibition / Mluvené slovo - TranzitDisplay Prague
18th of March - 20th of April 2008
A Spoken Word Exhibition - Tranzit/Display - 18th of March - 20th of April 2008
tranzitdisplay
resource centre of contemporary art / zázemí současného umění
cordially invite you / vás srdečně zve na
A Spoken Word Exhibition / Mluvvené Slovo
Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currrie, Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomáš Vaněk, Lawrence Weiner, Ian Wilson
a Series of Spoken Word Events will take place during the course of the exhibition
Spoken Word Events by King Mob (17. 4.), Susan Stenger (18. 4.), Karl Holmqvist (19. 4.) and Fia Backström (20. 4.)
please contact the gallery or visit the gallery website for more information / součástí výstavy je program živých vystoupení zúčastněných umělců
mimo jiné vystoupí Nick Currie aka Momus (18. 3.), Tomáš Vaněk (19. 3.), Boris Ondreička (10.4.), King Mob (17. 4.), Susan Stenger (18. 4.), Karl Holmqvist (19. 4.) and Fia Backström (20. 4.)
pro bližší informace prosím sledujte web www.tranzitdisplay.cz
Exhibitions view - far right still of INSTANT EXTRA+, a spoken word event by Fia Backström
A Choreographed Exhibition / Eine Choreographierte Ausstellung
With Jonah Bokaer, Philipp Egli, Karl Holmqvist, Jennifer Lacey, Roman Ondak, Michael Parsons, and Fia Backstrom & Michael Portnoy. An exhibition by Mathieu Copeland.
‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition only composed of movements. For over a month and a half, three dancers from the Tanzkompanie Theater St. Gallen are present in the kunsthalle during the opening hours to perform in space the choreography of movements, patterns and choreographed gestures, following the scores and instructions as provided by the invited artists, dancers, and choreographers.
Photographies by Anna-Tina Eberhard
Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind
Kunsthalle St Gallen, Davidstrasse 40, CH-9000 St. Gallen
Open from Wednesday until Sunday: Wed/Thur/Fri: 14-18 ; Sat & Sun: 13-17
‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).
A Spoken Word Exhibition & A Series of Spoken Word Retrospectives
1st / 7th of November 2007
A Spoken Word Exhibition, and a Series of Spoken Word Retrospectives
Guest curator Mathieu Copeland presents “A Spoken Word Exhibition” at the Swiss Institute - NY. The exhibition consists of artworks repeated by the Institute‘s staff. By leaving the gallery space empty and making works available only on demand, an exchange is initiated between spectators and the gallery staff. An exhibition of the same nature & material as that of the artworks that it is constituted of, which are words. Artworks only spoken, exchanged as a verbal gesture from one person to another, generating ultimately an exhibition that only last the time it takes to hear it.
Artists contributing to “A Spoken Words Exhibition” include Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currie (aka Momus), Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomas Vanek, Lawrence Weiner, and Ian Wilson.
Through the artist’s voice and words, The Spoken Word Retrospectives present us with the whole of an artist’s career, generating a mental retrospective in the mind of the one who hears it, as said & seen by the artist. A spoken word retrospective begins with everything, and produces nothing more, only everything.
Artists contributing to “A Series of Spoken Words Retrospectives” include David Medalla and Gustav Metzger.
Swiss Institute [SI] - 495 Broadway 3rd Floor - New York NY 10012
Biennale d'art contemporain de Lyon, 19 septembre 2007- 6 Janvier 2008- artiste invitée Mai-Thu Perret avec 'An Evening of the Book'
www.biennale-de-lyon.org/bac2007/fran/
L’œuvre pensée pour la biennale par Mai-Thu Perret se trame avec en toile de fond ‘An Evening of the Book (une Soirée pour le Livre)’ (1924), une pièce de théâtre agit-prop. Mis en scène par Vitalii Zhemchuzhnyi, cette propagande pour le livre aux décors et costumes conçus par Varvara Stepanova s’organisait comme une expérimentation dans l’agitation artistique pour les masses par le livre avec des étudiants de l’Académie de l’Education Communiste. De plus, il est à noter le parallèle entre cette histoire et le présent livre d’histoire, autant formellement de par l’importance de leurs graphismes que dans cette volonté d’écrire au présent une histoire en cours. Tout comme ‘An Evening of the Book’ présente le conflit entre les héros des livres pré-révolutionnaire et ceux de la nouvelle révolution, les personnages sortant tous au fur et à mesure des pages d’un livre géant présent sur scène ; Cette biennale se matérialise dans un livre ou l’histoire de l’exposition devient l’histoire d’un livre d’histoire (d’histoires ?). Il nous reste à espérer que tout comme dans cette pièce des années vingt, l’écriture en cours voit la victoire revenir aux héros révolutionnaires.
Filmstills "An Evening Of The Book", © Mai-Thu Perret, 2007
Mai-Thu Perret’s installation ‘An Evening of the Book’ finds its origins in the agit-prop theatre piece ‘An Evening of the Book’ from 1924. Directed by Vitalii Zhemchuzhnyi, this propaganda for the book whose costume and set was designed by Varvara Stepanova was organised as an experimentation on mass artistic agitation through the book, with the students from the Communist Education Academy.
An exhibition with Loris Gréaud and Arnaud Michniak, by Mathieu Copeland
Hong Kong, Hong Kong City Hall, 14th of May - 27th of May 2007 - Launch : Sunday the 13th of May, 7.15, Agnes b Cinema / Hong Kong Arts Centre - Screening followed by a public discussion
exhibition views / vues d'exposition
The exhibition appears as a moment frozen in time. A place where the viewers constantly celebrate the opening of an exhibition in a gallery whose size is gradually reduced, and that in turn reduces the view over the city.
The first movement of the exhibition comes with the present DVD that acts as a catalogue. Widely available, it features two new-commissioned films by Loris Gréaud and Arnaud Michniak both filmed in Hong Kong. The film ‘Celador, un goût d’illusion’ by Loris Gréaud is an advertising for a candy that taste of illusion. The film by Arnaud Michniak “Sound take in a hospital” focuses on arrested moments in the midst of a city in constant movement.
The exhibition at the Hong Kong City Hall appears minimal, if not empty. The films realised for the exhibition are shown sporadically throughout the exhibition. Our experience in the gallery is somehow what we are told of these works. There, everything remains, but nothing is left. Nothing seems to happen. The only element that evolves throughout the exhibition is, paradoxically, the space itself. The art is simply everything else.
Film Stills
« Exhibitions’ Ruins / Emotional Landscapes »
« Tilfinningalandslag (rotnandi sýning) »
With / Sýningin er unnin á grunni verka frá eftirfarandi listamönnum
Birgir Andrésson, Stefan Brüggemann, Nicolas Garait, Loris Gréaud, Elin Hansdottir, M/M (Paris) & Gabriela Fridriksdottir, Gustav Metzger, Jeremy Millar, Francois Morellet, Olivier Mosset, & Claude Rutault.
An exhibition by / Sýningarstjóri Mathieu Copeland.
At the SAFN Collection / Í Safni; samtímalistasafni, Reykjavik, 17/03 – 12/05/2007
« Exhibitions’ ruins / Emotional Landscapes » is a discursive exhibition on the nature of exhibitions, or rather on what remains of exhibitions; Somehow a necrophagous & cannibal exhibition – not only is this exhibition composed of remains, or fragments, of exhibitions, but it feeds itself from these.
The artworks are as many autonomous elements that articulate themselves around their past histories, past moments of exhibitions. Assembled, they generate an exhibition constituted of elements that fundamentally belongs to itself, literally creating its support structure.
To use a common analogy, as opposed to the idea of a ghost, here we only deal with a shell, the rests of a decomposing corpse. Here the exhibition is constituted of remains, here only the exhibition remains. An exhibition that becomes the shadow of a corpse, the corpse becoming its form. Similar to a constant expectation, this temporary recreation of diverse exhibitions uses bribes of the past as as-many fundamental elements for an exhibition to come. Similarly to decomposition being an active process, the artworks that compose the exhibition are as many invitations to engage with the landscape they contributed, and contribute, to form.
These emotional landscapes, these artworks are somehow referent to imaginary (or extinguished) landscapes. These environments emotionally charged refer to the creation of abstract environments, landscapes that reveals themselves as we are presented with them. Illusory as they are personal and mental, these moments characterise all the reactions that we experience when confronted to this temporary grouping of art works (an exhibition) – artworks that constitute an exhibition that embodies itself in the mind of the one who sees it. Each artwork draws a part of the environment of an exhibition, and further more offers an environment in itself.
“The Movement of People Working”
An exhibition of the films by Phill Niblock,
Curated by Mathieu Copeland
Images © Phill Niblock
AN INTERVIEW WITH PHILL NIBLOCK (22/11/2006)
The opening on January 20th featured flautist/bassist Susan Stenger (Band Of Susans/Big Bottom) and guitarist Robert Poss (Band Of Susans), long-time performers of Niblock's music, playing 4 pieces (some of which were composed especially for them).
Sketch Gallery, London, 20th of January until the 10th of March 2007.
IT IS WITH GREAT PLEASURE THAT WE ANNOUNCE THE LAUNCH OF THE SHOW TITLES WEBSITE. ACCOMPANYING THE EXHIBITION ‘THE TITLE AS THE CURATOR’S ART PIECE’, AN EXHIBITION THAT USES ONE OF THE SHOW TITLES WRITTEN BY MEXICAN BORN, LONDON BASED ARTIST STEFAN BRÜGGEMANN, THIS WEBSITE OFFERS THE POSSIBILITY TO VIEW, AND TO HEAR, ALL 728 SHOW TITLES WRITTEN TO DATE.
THE SHOW TITLES IS A WORK IN PROGRESS BY STEFAN BRÛGGEMANN OF TITLES FOR EXHIBITIONS. FREELY AVAILABLE, THESE ARE TO BE USED AS ONE WISH. WITHOUT ANY NEED TO ASK FOR ANY AUTHORISATION, THESE ARE TO BE USED AS THE SHOW TITLE, AND CREDITED AS AN ART PIECE BY STEFAN BRÛGGEMANN (SHOW TITLE, #XXX BY STEFAN BRÜGGEMANN). A COPY OF THE INVITATION CARD, AND ANY PRINTED MATERIAL, IS TO BE SENT TO THE FOLLOWING ADDRESS: SHOWTITLES, FLAT 3, 84 BLACKFRIARS ROAD, SE1 8HA, LONDON, UK.
Online now.
The title as the curator's art piece* A summer Show by Mathieu Copeland
A painting exhibition with Jaroslaw Flicinski & Claude Rutault
A spoken word exhibition with Douglas Coupland, Nick Currie (aka Momus), Karl Holmqvist, Tomas Vanek, Lawrence Weiner & Ian Wilson
*Show title #347, by Stefan Brüggemann
Exhibition running from the 21st of June until the 2nd of September
Blow de la Barra, 35 Heddon Street, London W1B 4BP
Tel + 44 (0) 2077347477 info@blowdelabarra.com
A publication accompanies the exhibition featuring discussions with artist and musician Nick Currie (aka Momus), curator Raimundas Malasauskas, and artist Claude Rutault.
Soundtrack composed by/composée par Susan Stenger [Band of Susans] with contributions by/avec des contributions de Robert Poss [Band of Susans] , Alan Vega [Suicide], Alexander Hacke [Einstürzende Neubaten], F.M. Einheit [ex Einstürzende Neubaten], Kim Gordon [Sonic Youth], Mika Vainio [Pan Sonic], Bruce Gilbert [Wire], Ulrich Krieger, Warren Ellis [The Dirty Three, The Bad Seeds], Jim White [The Dirty Three], Jennifer Hoyston [Erase Errata], Andria Degens (Pantaleimon), Spider Stacy [Pogues]
Paintings by/Peintures par John Armleder, Steven Parrino
Feature film by/Film par Kristian Levring
An exhibition by/Une exposition de Mathieu Copeland
Exhibition View / Vues d'exposition :
Soundtrack for an Exhibition comprises three main elements: a specially commissioned sound
score, an exhibition of paintings and a feature film. The soundtrack is broadcast both inside and
outside of the museum for 96 days, whilst the paintings and feature film are presented in the
gallery space for 69 days.
The sound piece, composed by Susan Stenger and featuring contributions from a stellar list of
international musicians, employs an archetypal pop song structure ‘exploded’ in form to last 96
days.
During this period a feature film [The King Is Alive, by Danish filmmaker and Dogme95 signatory
Kristian Levring], screened not in its final, edited version, but as the entire footage shot in its
making - will be shown in the gallery. Presented alongside in the gallery space will be an
exhibition of paintings, including the late American painter Steven Parrino’s Slow Rot works and
large scale commissioned Puddle Paintings and Pour Paintings realised in situ by Swiss artist
John Armleder – all unstable paintings that both evolve and decay over time.
It is in the confrontation of these exhibition components with the soundtrack and with each
other that this project is essentially defined: not as a singular experience, but as a score evolving
over time. Whilst the soundtrack lasts 96 days, the film and paintings are presented for only part
of this period, thus the sound piece exists and evolves as a soundtrack for an exhibition, for a
film, or again for an empty space.
soundtrack for an Exhibition (fr - eng) - 8th March until 11th June 2006 - Musée Art Contemporain Lyon
EA C / Expat Art Centre is an ongoing exhibition that takes place when the art centre, the museum... is closed, inserting itself between two exhibitions. With Brian Eno, Pierre Huyghe, Ben Kinmont, Claude Leveque, Didier Marcel, Olivier Mosset, Shimabuku, Dan Walsh, Ian Wilson.
An exhibition by Mathieu Copeland
Exhibitions Views / Vues d'expositions :
Exhibitions Views: ICA London, Musée Art Contemporain Lyon, Muzeum Sztuki Lodz, CAC Contemporary Art Centre Vilnius, Kunstihoone Tallinn. © The Artists & Mathieu Copeland.
Expat-art Centre / EA C
An exhibition happening everywhere, at all times, with everyone.
Expat-Art Centre / EA C is an exhibition that takes place when the galleries of an art institution, i.e. a museum or an art centre are closed. It takes place in the time that follows the closure of an exhibition leading to the installation of the following one, or during those moments of inaction dictated by financial circumstances, refurbishment or other reasons.
EA C bears all the constitutive parameters that define an exhibition, yet altering only one when in switching the context of space to non space. This curatorial model simultaneously becomes both an exhibition in a moment of time and an exhibition of a moment of time, situated in the in-between; the in-between of times, of spaces as well as the in-between of exhibitions and venues.
Ian Wilson's work, 'There was a discussion' (2004), could literally signify this schism - the interstice between time and exhibition - as a result of passing discussions, encompassing several continuums such as the discussion between two exhibitions within this momentary pause, and the passing discussions throughout Wilson's career who in 1968 hailed discussion as his art form. This inbetween becomes the social and democratic interstice of art production and the reintroduction of a moment of conviviality in a cold economic factor.
EA C does not only take the usual and pre-formatted exhibition calendar of an exhibition venue (inward look) into consideration, but the entire system that is created by the multitude of institutions (outward look). EA C is both the negative of the exhibition calendars and schedules as well as the exponential accumulation of previously unused time.
'Exhibition like Moon' (2004), to borrow the title of Shimabuku's contribution to the exhibition, EA C is an exhibition whose path mirrors that of the moon. In the empirical believe that we will see the moon the following night, this exhibition has the potential to simultaneously be everywhere, travelling the globe, becoming an exhibition happening everywhere, at all times, with all people. This in turns echoes beautifully with how Brian Eno envisaged his piece for EA C, 'a self generative art work travelling the globe'.
Since EA C is self contained and generative, portraying the model of an exponential exhibition, the outcome is easily identifiable. Since this is an exhibition that happens when the art institution is closed, as such it only exists in this form through the work of the artists, and only the ignition of the process will enable its permanent movement. An exhibition of time with no date, of place with no space.
Artist Pierre Huyghe reintroduces the notion of time and locality, characterising the moment in which this exhibition takes shape. In each of the subsequent venues, a local newspaper cover will be stripped bare of its entire contents, with only the dates of the exhibition remaining, and an indication of the idea of the location through the name of the newspaper. While Huyghe models the remaining shred that defines this exhibition (time and location), in his work 'This isn't it' (2004), the artist Ben Kinmont leaves the art institution with only a trace of evidence that an event has taken place. Visitors are then invited to sign up to a subscription of photographs taken of each occurrence of the same event in subsequent venues. Ultimately only the accumulation of Pierre Huyghe's newspaper front covers, and the cumulative publication co-ordinated by Kinmont, will reveal the time and place that constitute the exhibition.
In equally considering the monochrome, the sign and the motif, Olivier Mosset considers painting in an environment denying paint. In stacking two model chairs one on top of the other in an environment denying space, Didier Marcel has created both an abstract drawing and a model that reflects the status of the closed art institution. Claude Lévêque, in his piece 'Elise Van Elise' (2004), has conceived the 'unifying factor' of an exhibition. Through an economy of means, Lévêque presents us with the artificial recreation of a space.
Dan Walsh's glass panel will gradually crack and break over time though its longevity will be sustained, as through each presentation it will decay and disappear, enabling its permanent existence. This combined with its inherent transparency offers a beautiful parallel to the thinness and fragility of an exhibition simply defined by two moments in time.
By Mathieu Copeland
PDF Leaflet of the exhibition
ICA London - English
Musée d'Art Contemporain Lyon - Francais
Muzeum Sztuki - Polish
CAC - Lithuanian
Kunstihoone - Estonian
Bizart - Chinese
David Cunningham / Sebastien Roux
Wall paper music - Sebastien Roux (LOT Bristol)
Exterior - David Cunningham (AA London)
Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans
Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans (Centre Point London)
"Meanwhile…across town", by Cerith Wyn Evans, permeated the centre of London with a Morse code message transmitted from the neon signs of the landmark Centre Point Tower on Oxford Street. Produced by Forma and curated by Mathieu Copeland, witnessed by hundreds of thousands of people who see the Centre Point Tower from across London every day, Wyn Evans used the letters 'o' and 'i' from Centre Point's signs to transmit an extract from The Visible and the Invisible, an unfinished book by the French existentialist philosopher, Maurice Merleau-Ponty [1908-1961]. The building may be seen as a host organism infected with a virus - the code of a dying language that has taken up temporary residence. The text became buried in the urban landscape, where the pulsating narrative of the Morse code signal might even suggest that every other flashing light might be beaming out its own story.
This invasion of the social fabric of the City was at the core of the artist's intentions. "Meanwhile…across town" appeared as an elegant and subtly perverse way of pointing to no more than the communication itself; through the archaic communication tool of Morse code, broadcasted across town, its message became, ultimately, temporarily, an intrinsic part of the cityscape.
14 Feb – 31 Mar 2004 | Centre Point Tower, London, UK
An exhibition by Mathieu Copeland
ON KAWARA : ONE MILLION YEARS [PAST AND FUTURE] No. 69 & 70
It is with great proud that Mathieu Copeland Presents the release of On Kawara : One Million Years [Past and Future] No. 69 & 70. This edition of 4 audio CDs in a wooden case, realised at 250 copies, comprise of the reading of On Kawara’s One Million Years [Past and Future] covering 969 611 BC to 967 811 BC & 33 411 AD to 34 450 AD.
Partons de Zéro (EMPECEMOS DE CERO)
A publication curated by Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat as the score for a future exhibition.
Available / Disponible via
Parra & Romero
Claudio Coello, 14 - 28001 Madrid Spain
Tel. +34 91 576 28 13
Fax: +34 91 577 42 46
info@parra-romero.com
Reprise #1 - Studies for a catalogue / a study for an exhibition on violence in contemporary art (reprise 1964/2011)
Reprise #1
Studies for a Catalogue: a Study for an Exhibition of Violence in Contemporary Art (Reprise 1964/2011)
The exhibition at Flat Time House of curator Mathieu Copeland’s ‘bootleg’ of the ICA show, and the very lack of an extensive catalogue of the original show, prompted this publication, Study for a Catalogue. It is an imagined version of what that catalogue might have been; and also of what the exhibition might be, if curated anew in 2011. It comprises photocopied reproductions of all the works from the show (with some free replacements where works were not identifiable from the original catalogue, or have not been readily available in reproduction); a text on the violence of curation by artist Warren Neidich; a downloadable screening programme, again liberally expanded from events that took place in 1964; and pages specially produced for the catalogue in the summer of 2011 by artists including Elena Bajo, Neal White, Davide Ballula, Erica Baum, Tom Benson, Emma Bjornesparr, Stefan Brüggemann, Philippe Decrauzat, Peter Fillingham & Charlotte Moth, Mark McGowan, Anne-Sylvie Henchoz, Camille Henrot, Pablo Leon de la Barra, Warren Neidich, Philomene Pirecki, and Giorgio Sadotti.
The catalogue, in B&W and A4 format, can be downloaded from http://www.flattimeho.org.uk or http://www.reprise.me ready to be printed. A page template will be freely available so that new pages and chapters can be added with the intention that these Studies for both an Exhibition and a Catalogue of Violence in Contemporary Art can extend the debate, begun in 1964, about the good and bad in violence and about the very image of violence itself.
Elisa Kay
27 July 2011
UNE CARTE MENTALE POUR UNE EXPOSITION
Edited to accompany the exhibition "...avant il n'y avait rien, après on va pouvoir faire mieux (…before there was nothing, after we can only do better…)", co-curated by Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat for Circuit - Lausanne, Switzerland, “a mental map for an exhibition (une carte mentale pour une exposition)” is both the catalogue for an exhibition and a statement on the ad-equation between the original and its copy, and their inherent equality.
This ‘photocopy book’ (another Xerox book so to say) reproduces all the artefacts featured in the exhibition, cataloguing these quite literally as all are photocopied and reproduced at scale 1: by Nicolas Eigenheer. A mental map for an exhibition is akin to laying out a territory of thoughts, a cosmology of connections, attractions, or and again repulsions. Equally to how an exhibition ultimately exists through knowledge, in a mental space, a mental territory is thus to be mapped out.
This publication includes art works, drawing or again printed matters by artists including Alan Vega and Antonin Artaud, Kurt Seligmann, Ad Reinhardt, Paul Sharits, Emma Kunz, Glenn Branca, Gustav Metzger, Wallace Berman, Phoebe Unwin, Claude Parent, Jon Savage, Unica Zürn, Madelon Vriesendrop, Charles Burns, Judy Chicago, Brion Gysin, Amélie Dubois, Savage Pencil, Hans Hartung, Asger Jorn, André Masson, Max Kohler, Henri Michaux, Mel Bochner, Steve Albini, Dinos Chapman, Jake Chapman, Jean Tinguely, Max Ernst, Gerhard Rühm, Tadeusz Kantor, NPA, Bruce Conner, Marty Rev, Bob Cobbing, Linder Sterling, Frank Kozik, George Maciunas, Leonora Carrington, Henry Flint, Henri Chopin, Georges Brecht, Le Freistilmuseum, Loulou Picasso, Yoko Ono, Scott King, Rudolph Grey, A.R. Penck, Michael Snow, J.G. Ballard, Salvador Dali, Paul “Cool P” Liebegott, Wyndham Lewis, Jacques Villeglé, Karl Holmqvist, Jacques Bonnard, Ric Ocasek, Marian Zazeela, Delphine Coindet, Genesis Breyer P-Orridge, Warren Neidich, Hans Bellmer, Natacha Anderes, Peter Fischli, Roland Topor, Virginia Overton, Andrea Merkx, W. C. Westermann, Fabrice Stroun (…).
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 3)
Avec/With, Robert Barry, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Yann Sérandour, Cally Spooner, et/and Sue Tompkins.
Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland
Available / Disponible via
the DAVID ROBERTS ART FOUNDATION -FITZROVIA
111 GREAT TITCHFIELD STRET , LONDON W1W 6RY
General information: info@davidrobertsartfoundation.com
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 2)
Avec Marí Alessandrini, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Chloé Delarue, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Jean-Christophe Huguenin, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Cally Spooner, Irena Tomažin, Anne Le Troter et Martina-Sofie Wildberger
Une exposition de Mathieu Copeland
Available / Disponible via
LiveInYourHead
Institut curatorial de la Head – Genève
Rue du Beulet 4, 1203 Genève
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 1)
Avec/With, Benoit Maire, Goldin + Senneby, Keren Cytter, Amélie Dubois, Charlotte Moth, Cally Spooner, Falke Pisano
Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland
Available / Disponible via
Contact : communication@cac-synagoguedelme.org / +33(0)3 8701434
ALAN SUICIDE VEGA - INFINITE MERCY
Cette première monographie consacrée à l'œuvre plastique d'Alan Vega retrace, à travers une riche iconographie, un parcours artistique radical et sans compromis sur quarante ans. Le livre s'ouvre par la reproduction dans son intégralité en fac-similé du célèbre magazine Art Rite #13 élaboré par l'artiste en 1977, et se conclut par une nouvelle œuvre inédite de 16 pages réalisée spécialement pour le projet. L'ouvrage s'articule autour d'un long entretien réalisé avec Alan Vega et de contributions et discussions avec, entre autres, Edit Deak, Martin Rev, Ric Ocasek, Marc Hurtado, Philippe Grandrieux ou Henry Rollins.
Publié suite à l'exposition rétrospective éponyme au Musée d'Art Contemporain de Lyon, de mai à août 2009.
Figure mythique de la scène alternative artistique new-yorkaise, pionnier du rock électronique minimal et cofondateur, avec Martin Rev, du groupe culte Suicide, Alan Vega (né en 1938 à Brooklyn) fut également l'un des fondateurs, à la fin des années 1960, du Project of Living Artists à New York, lieu pluridisciplinaire tenu par des artistes et ouvert en continu qui accueillera les New York Dolls, Television ou Blondie. Depuis, Alan Vega développe, parallèlement à ses activités musicales qu'il poursuit en solo avec une vingtaine d'albums réalisés depuis les années 1980, une œuvre plastique anti-esthétique et anti-formaliste, assemblage d'objets divers récupérés dans la rue (ampoules, câbles, télévisions, néons...) qui embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il évolue.
A seminal figure of the New York alternative art scene and a pioneer of minimalist electronic rock as the cofounder of the mythical band Suicide, Alan Vega has been since the late 60’s one of the most influential artist and musician, turning Punk into the manifesto of a reason to live.
Anti-aesthetic, anti-formalist, his work embraces the contemporary reality in which he is immersed. Published on the occasion of Alan Vega’s retrospective exhibition at the Musée d’art contemporain de Lyon, this publication offers, through a rich iconography, a unique look on his artistic life from 1969 to 2009. This book opens on the complete reproduction as a facsimile of the iconic magazine ArtRite #13 created by the artist in 1977, and is concluded with a new 16 pages piece created exclusively for this publication.
Edited by Mathieu Copeland, this first monograph consists of a long interview with Alan Vega and discussions and contributions with among others Edit DeAk, Marty Rev, Ric Ocasek, Marc Hurtado, Philippe Grandrieux or again Henry Rollins. These 144 pages offer the rare opportunity to envisage a radical and uncompromising commitment, envisaging more than 40 years of creation and intensity.
Sountrack for an Exhibition
A full colour, hardback publication that includes essays and discussions with participating artists and guest contributors. The catalogue reproduces the entire score of the soundtrack, includes film stills, installation shots and includes an audio DVD of excerpts of the soundtrack. Texts include an essay by Mathieu Copeland, curator of the exhibition; a discussion with Susan Stenger and Tony Conrad (composer, filmmaker and musician, co-founder of The Dream Syndicate with John Cale and La Monte Young); a discussion with Gustav Metzger (influential artist born in 1936 in Germany, lives and works in London, leading figure of Auto-Destructive-Art), John Armleder (painter born in 1948, influential Swiss artist and founder of Ecart, associated with Neo–Geo movement in the ’80s), and Mathieu Copeland; and a discussion with the filmmaker, Kristian Levring. (to order: www.forma.org.uk)
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Soundtrack for an Exhibition - links to the exhibition information (eng) - Musée Art Contemporain Lyon
L'exposition Soundtrack for an Exhibition s'articule autour de trois éléments principaux : une bande-son, une exposition de peintures et un film. La bande-son est diffusée dans l'espace d'exposition ainsi qu'en différents endroits du musée et se poursuit un mois après la fermeture de l'exposition. Changeant de nature en fonction de l'environnent qu'elle qualifie, elle devient tour à tour la bande-son de peintures, d'un film ou d'un espace vide.
Cette pièce sonore reprend la structure d'une chanson pop traditionnelle dont la forme est conçue pour durer 96 jours. Ainsi, son introduction dure 4 jours, chaque refrain dure 8 jours et chaque couplet 16 jours. Elle est composée de 3 couplets qui font chacun référence à un genre musical différent (easy listening et vieux standards, folk et country blues, hard-rock et heavy metal), la musique expérimentale faisant le lien entre ces différentes parties.
Le catalogue, qui rassemble essais autour du projet et conversations entre les artistes et les organisateurs, reproduit l'intégralité de la partition de la bande-son, ainsi que les images de l'installation et des extraits du film et de la bande son sur DVD audio.
Soundtrack composed by/composée par Susan Stenger with contributions by/avec des contributions de Robert Poss, Alan Vega, Alexander Hacke, F.M. Einheit, Kim Gordon, Mika Vainio, Bruce Gilbert, Ulrich Krieger, Warren Ellis, Jim White, Jennifer Hoyston, Andria Degens, Spider Stacy
Paintings by/Peintures par John Armleder, Steven Parrino
Feature film by/Film par Kristian Levring
An exhibition by/Une exposition de Mathieu Copeland
VIDES
Edité par JRP-Ringier
Vides. Une rétrospective est une exposition paradoxale : à travers la réactualisation de neuf «expositions vides», elle apparaît simultanément comme un projet expérimental qui refuse les règles classiques des arts visuels et comme un objet historique qui confronte les réalisations de Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák et Laurie Parsons.
Support et prolongement de la manifestation, cet ouvrage dessine les contours du concept de «vide» dans l'art, l'esthétique, la philosophie, la religion, les sciences, la culture populaire, l'architecture et la musique, en abordant les problématiques du rien, de la vacuité, de l'invisible et de l'ineffable, du rejet et de la destruction. S'ouvrant sur un catalogue qui documente les neuf expositions historiques et contemporaines retenues, le livre comporte également une anthologie d'une quarantaine de textes, souvent inédits, ainsi que des contributions d'artistes spécialement réalisées pour l'ouvrage. Les essais de Benjamin Buchloh, Jean- François Chevrier, Henry Flynt, Lucy Lippard, Bernard Marcadé, Anne Moeglin-Delcroix, Brian O'Doherty, Sadie Plant, Didier Semin, David Toop ou Sarah Wilson s'entrecroisent ainsi avec des entretiens réalisés avec Robert Barry, Ben, Morgan Fisher, Claude Parent ou Jacques Villeglé, et les propositions de Peter Downsbrough, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Hans Haacke, Sherrie Levine, Malcolm McLaren, Olivier Mosset, Sturtevant ou Lawrence Weiner.
À travers la riche documentation et les textes de spécialistes réunis, cet ensemble se propose d'évaluer les origines, les dispositifs et les résonances de ce geste artistique capital, consistant à vider l'espace d'exposition plutôt qu'à le remplir.
Edité par Mathieu Copeland avec John Armleder, Laurent Le Bon, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot.
Publié avec le Centre Pompidou, Paris, et la Kunsthalle Bern.
Voids. A Retrospective
Voids. A Retrospective is a paradoxical exhibition: by re-actualizing nine “empty exhibitions,” it is simultaneously an experimental project that refuses the classic rules of the visual arts and an historical object which confronts the projects of Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák, and Laurie Parsons.
At once the support and an extension of the event, this publication outlines the concept of the void in art, aesthetics, philosophy, religion, science, popular culture, architecture, and music, and broaches the subject of nothing, of vacuity, of the invisible and the ineffable, of rejection and destruction.
Opening with a catalogue section that documents the nine selected historical and contemporary exhibitions, the publication also contains an anthology of more than forty texts, many published here for the first time, as well as contributions by artists created especially for this volume.
Essays by Benjamin Buchloh, Jean-François Chevrier, Stuart Comer, Lucy Lippard, Bob Nickas, Brian O'Doherty, Sadie Plant, Ralph Rugoff, Jon Savage, and Sarah Wilson thus intersect with interviews conducted with Robert Barry, Morgan Fisher, Claude Parent, and Jacques Villeglé, and the propositions of Peter Downsbrough, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Hans Haacke, Sherrie Levine, Malcolm McLaren, Olivier Mosset, Yoko Ono, Sturtevant, and Lawrence Weiner.
Through the rich documentation, as well as the texts by specialists on the subject, this book proposes an evaluation of the origins, the mechanisms, and the resonances of this major artistic gesture consisting of emptying the exhibition space rather than filling it.
Edited by Mathieu Copeland with John Armleder, Laurent Le Bon, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot and Philippe Pirotte.
Publié avec le Centre Pompidou, Paris, et la Kunsthalle Bern.
2009
édition française et anglaise
21,5 x 28 cm (broché)
540 pages (100 ill. coul. et 200 ill. n&b)
39 €ISBN : 978-3-03764-017-3EAN : 9783037640173
Michael Parsons, "Piano Music 1993 - 2007", played by John Tilbury,
audio CD - released on the 7th of December 2008 // Launch from 1pm, at the Warehouse, 13 Theed Street - London
Michael Parsons: Piano Music 1993 – 2007
This selection of piano pieces represents an interplay of opposite tendencies, formal and informal, perhaps reflecting an unresolved tension between ‘classical’ and ‘experimental’ aspects of my music over the last 15 years. Triptych (1993) uses a form of 12 note serialism, in which the harmonic and melodic material is combined with its own inversion, but without the expressionist gestures associated with classic European serialism. Three formal main sections are offset by two rhythmically more fluid melodic interludes, the greater flexibility gradually infusing and transforming the character of the later sections with jazz-related chromatic inflections. (…)
Extracts from the CD notes
Michael Parsons (b. 1938 - Happy 70th!) has been active as a composer, performer, writer and lecturer since the 1960s. He belongs to the generation of English experimentalists who have explored a wide range of radical alternatives to prevailing traditional and mainstream tendencies in new music. In 1969 he was co-founder with Cornelius Cardew and Howard Skempton of the Scratch Orchestra, and during the 1970s he was closely associated with visual artists of the Systems group. In common with the work of other English and American experimentalists, his music exemplifies an economical use of material, clarity of structure and an objective and exploratory approach to the actualities of sound and performance.
Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland
with support by Culture House
LAUNCH PRICE : 15£ / 18€ (shipping included)
to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
The Saints, 6 Films by Amy Granat
MATHIEU COPELAND PRESENTS
The Saints, 6 films by Amy Granat on DVD, Launch at the Swiss Institute NY on Wednesday 29th of October 2008
THE SAINTS
6 FILMS BY AMY GRANAT WITH FIA BACKSTRÖM, JUTTA KOETHER,
AMY O’NEILL, MAI-THU PERRET, ANGEL TURNER
ST LUCIA
A FILM BY AMY GRANAT & FIA BACKSTRÖM, 11’05’’
ST AGATHA
A FILM BY AMY GRANAT & MAI-THU PERRET, 11’35’’
ST TERESA DE AVILA
A FILM BY AMY GRANAT & JUTTA KOETHER, 11’36’’
ST CECILIA
A FILM BY AMY GRANAT & ANGEL TURNER, 11’42’’
ST TWEETY
A FILM BY AMY GRANAT & AMY O’NEILL, 11’46’’
ST LOUISE
A FILM BY AMY GRANAT, 7’08’’
CAMERA BY PHILIPPE DECRAUZAT
PAINTINGS BY OLIVIER MOSSET
THE SAINTS
DVD ALL ZONES [PAL]
65 MINUTES
BLACK & WHITE / COLOUR / SILENT - 4/3
ALL PUBLIC
ISBN: 978-2-917097-03-8
Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland
LAUNCH PRICE : 30€ / 45$ (shipping included)
to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
It is with great proud that we announce the release of the DVD 'AN EVENING OF THE BOOK', featuring 3 films by Mai-Thu Perret.
Originally produced for The Lyon Biennale of Contemporary Art and filmed on location at the Kitchen NY, Evening was conceived as a ‘remake’ of the 1924 agit prop play of the same title that was conceived as an experiment in mass artistic agitation for the book, and dramatized the conflict between old pre-revolutionary and new revolutionary books. Using actors from the academy of communist education, in a set & with costumes designed by Varvara Stepanova, it was a pantomime that culminated in the victory of the revolutionary heroes and a parade of libraries and new editions.
This performance, in which books and letters are actors in their own right, seemed a suitable starting point for the artist’s first array into moving images. Using props sometimes inspired by those of the original evenings, such as the books or the sports costume, sometimes unrelated such as the fluorescent tubes, the cut out from the banner, or the commas, Mai-Thu Perret devised the outline of a choreography which was performed for the camera by a team composed of artist friends such as Amy Granat or Fia Backström, and professional dancers.
DVD ALL ZONES
LAUNCH PRICE : 30€ / 45$ (shipping included)
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A signed limited edition of 30 copies comes with samples of two signed & numbered wall papers cuts screenprinted for the exhibitions. For more information please visit the webpage or contact info@mathieucopeland.net
Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland
APPEL çA COMME TU VEUX
Un film d'Arnaud Michniak - DVD Disponible maintenant (communiqué de presse)
“Appelle ça comme tu veux” est le premier long métrage d’Arnaud Michniak. Un film sans appel dont la violence sociale est d’une rare actualité. Sans ménagement que ce soit pour les sujets filmés ou l’objet film, “Appelle ça comme tu veux” est direct comme un slam et efficace comme de la télé réalité.
“Appelle ça comme tu veux” utilise la caméra comme un esclave. Tout débute avec le vol d’une caméra. Tout s’articule autour de l’outil qui permet sa réalisation et de ceux qui en croisent la cellule, qu’il s’agisse d’inconnus, de manutentionnaires, de paumés, d’acteurs dont Jean-Pierre Mocky, de proches comme Nonstop, ou plus généralement de tous ceux qui font notre réalité, qui créent notre paysage.
“Appelle ça comme tu veux” ça veut dire : on se fout de ce que tu penses, non pas parce qu’on se fout de toi, ni parce que ce que tu penses est nul, mais simplement parce que ça ne change rien, c’est déjà trop tard, c’est déjà fini.
Comme annonçant un programme, on retiendra cette phrase entendue au court du film, “On est historien, on filme la fin du monde”.
APPEL çA COMME TU VEUX, un film d’Arnaud Michniak
DVD Toutes Zones (PAL), Français, Couleurs, Son, 4/3.
APPEL çA COMME TU VEUX I (37’53) & II (22’09) ; BONUS (7’32)
Produced, designed and published in 2007 by Mathieu Copeland
Anna Sanders Films - The In Between
The In-Between – Anna Sanders Films
featuring works by Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Charles de Meaux, Philippe Parreno, Apichatpong Weerasethakul
The In-Between, the key book about French production company Anna Sanders Films, is now available. This company has blazed a trail for a new breed of cinema – one that is made by visual artists and shown most often in galleries, but increasingly is finding its way into cinemas and film festivals.
Anna Sanders’ films share a general fascination with Asia, exploring place and its relationship to personal narratives. Stunning, often sensual, imagery combine with simple cinema making. Retaining a cool distance form their subjects, the filmmakers create a space for the viewer to become immersed in the beauty of images and their meaning.
Who is Anna? She is too complex to be a mere representation of an
‘every woman’ character: not only is she the creator of remarkable films, she is the fictional subject of ‘a film currently being written’ [Huyghe and Parreno]. She is the personification of the creative talents of Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Charles de Meaux and Philippe Parreno. Ultimately Anna is an enigma, an imagined persona posing intriguing questions – like her films – about identity and representation.
Now, with the release of The In-Between, readers will be able to find out the fact and the fiction of Anna. This book delves in-between the films and places Anna into the contexts of film history and current visual art practice. The volume – co-published by Forma – offers a wealth of Anna Sanders film stills, production shots and a beguiling look and feel. It highlights the position of Anna Sanders as an in-between: in-between the economies of the art world and of cinema; in-between cinemas; in between realities, dreams and fictions.
Among the featured artists are Charles de Meaux, whose film Shimkent Hotel was selected as one of the highlights of the 2003 Edinburgh International Film Festival and Apichatpong Weerasethakul, whose Blissfully Yours won awards at Cannes and at the 2003 International Film Festival, Rotterdam and whose new film Tropical Malady produced by Anna Sanders has been awarded the prestigious Cannes Jury Prize 2004.
Other Anna Sanders Films artists, meanwhile, have claimed some of the most prestigious visual art prizes. Pierre Huyghe was awarded the Hugo Boss Prize and Dominique Gonzalez-Foerster the Duchamp prize, both in 2002.
In June 2004, the Filmmuseum in Amsterdam celebrated Anna Sanders with a major retrospective as part of the World Wide Video Festival. The In-Between was launched in the UK by Charles de Meaux, acclaimed actor Thibault de Montalembert and Forma, on 24 June – as part of the Artprojx Cinema Season at Prince Charles Cinema.
Anna Sanders - Films The In-Between
Edited by David Metcalfe and Mathieu Copeland
Published by Forma and Les Presses du Réel
Perfect Magazine is a magazine printed with white ink on white paper, the pages of this first and last issue are curated and published by Mathieu Copeland. Perfect Magazine features exclusive contributions by Gilbert and George - Yoko Ono - Cerith Wyn Evans - Lawrence Weiner - Liam Gillick - Martin Creed - Eva & Adele - Christian Boltanski - Hans Ulrich Obrist - Niele Toroni - Art & Language – Simon Patterson - Graham Gussin - Vuk Cosic - Lev Manovich - Sam Samore - Polly Staple - Matthew Higgs - 360 corp - Nick Crowe - Mike Dawson - Steven Parrino - Phoebe Unwin - Jemima Stehli - bank - Guy Brett - Susie Green - Helianthe Bourdeaux Maurin - Christophe Kirsch - Erna Rijsdijk - Emilie Renard - Mark Borthwick - The Wrong Gallery - Tom Morton - Elena Filipovic - Swetlana Heger - Didier Marcel - Eric Troncy – M/M (Paris) - Carine Boyadjan - Tim Albertsen - David Medalla - Angela Bulloch - Daniel Buren – Roman Opalka - Michael Craig-Martin
Perfect Magazine - 128pages - ISSN N°: 977 1761 – 2950 4
Available at the ICA in London, or via in les presses du réel in France
To order via the website: Selling price: £8 (€13) + £2 (€3)
to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
Produced, designed and published in 2003 by Mathieu Copeland
ECHO PIECE (CANARY WHARF) 2009
by Michael Parsons
Saturday 20th June 2009
10.45 am – 12 noon
A one hour walk through Canary Wharf with live brass accompaniment of a sound composition written by Michael Parsons and site specific to Canary Wharf.
Echo Piece is an environmental sound work to be performed by a number of musicians, moving around and exploring the acoustic properties of an open-air space. Players with trumpets, horns and trombones will play short single notes, interspersed with silences, evoking echoes from reflective surfaces, in a variable, open-form, sparse and pointillistic texture of discrete sounds.
Echo Piece creates a spatial polyphony of multiple echoes, activating the sound-reflecting surfaces of buildings at different distances, revealing the elasticity of the surrounding medium. Canary Wharf is an ideal urban location for this event, having a series of open spaces surrounded by sound-reflecting surfaces, and being relatively free of traffic noise. Echo Piece will change the way these spaces are perceived and experienced, by exposing their latent acoustic potential.
“The space between buildings is also part of their architecture. Volumes, masses and voids ‘transmit’ and ‘receive’ messages from one another.”
Le Corbusier
Curated by Mathieu Copeland
Commissioned by Culture House at Arts and Business
WALKING IN THE CITY
Friday October 10th 2008 at 8pm, live discussion between Iain Sinclair, Michael Parsons and Mathieu Copeland on Resonance FM
http://resonancefm.com/archives/352
Photographs courtesy Deborah Bullen
Sunday October 12th 2008 at 11.00am
Finsbury Avenue Square London EC2 (west side of Liverpool Street station)
Michael Parsons Walking Piece***
Philip Corner One Note Once
Michael Parsons will create a new version of his experimental classic Walk, originally written for the Scratch Orchestra in 1969. The performance will take place between 11.00am and 12 o’clock. To participate, meet in the Octagon next to the Richard Serra sculpture at the west entrance to Liverpool Street station at 10.30am. The work by Philip Corner will be performed inside the Richard Serra sculpture at exactly 12 o’clock.
«The architecture geometrically defined by urban planning is transformed into a space by walkers. Space is articulated by the operations that take place within it. It is composed of intersections of mobile elements; it exists when one takes into account vectors of direction, velocities and time variables».
(Michel de Certeau)
A Culture House commission curated by Mathieu Copeland, media partners Resonnance FM