EXPOSITIONS / EXHIBITIONS
FORTHCOMING: A SITUATION - ROBERT BARRY, VENET FOUNDATION, MAY 2023 - MAY 2024
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PUBLICATIONS
OUT NOW : ‘Phill Niblock – Nothing but workin’ (Verlag der Buchhandlung Walther und Franz Konig), ‘Philippe Decrauzat – DELAY’ (Verlag der Buchhandlung Walther und Franz Konig), ‘Gustav Metzger – Writings 1953–2016’ (JRP Editions), 'A Personal Sonic Geology' (le Plateau & Mousse Publishing),‘The Anti-Museum’ (Konig Books), available now
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l’anti-musée : un anti-documentaire
l’anti-musée : un anti-documentaire Encore marquée par les réflexions ayant émergé au sein du laboratoire de recherche collaborative et transdisciplinaire Chercher l’ouverture (2020-2021), la Galerie UQO poursuit ses échanges avec le commissaire Mathieu Copeland au sujet des expositions fermées. Les fermetures, comme celle annoncée et revendiquée par la Galerie UQO en 2020, sont des gestes politiques forts qui mènent à s’interroger sur la définition du travail dans le milieu de la culture et de la vocation des espaces dans lesquels les œuvres d’art sont habituellement présentées. La pandémie a conduit à la fermeture d’entreprises, de magasins, de lieux culturels, mettant des millions de personnes au chômage; en cela, elle a produit une nouvelle normalisation de la distance sociale et des espaces virtuels. Raconté par le musicien Henry Rollins, le film The Anti-Museum: an Anti-Documentary (L’anti-musée : un anti-documentaire) est une réflexion sur la fermeture forcée des musées et des expositions. Il envisage des manières alternatives de produire et de diffuser l’art contemporain. En écho à la projection du film en continu sur un tableau-écran de l’artiste Philippe Decrauzat, Copeland propose une (anti-)exposition qui, par le biais d’interventions inédites des artistes internationaux Stefan Brüggemann, Graciela Carnevale, FM Einheit, Henry Flynt, Kenneth Goldsmith, Swetlana Heger, Liliane Lijn, Ben Morea et Ben Vautier, envisage une approche sensible de la proposition de l’anti-musée. Cette exposition est conçue comme un anti-documentaire, évoquant, par la radicalité des œuvres, le sentiment de ce que peut être un anti-musée. Une journée de conversations et de discussions ouvrira l’exposition, convoquant autant des artistes de l’exposition, que des chercheur·euses et commissaires d’expositions, autour des questions fondamentales que sont les concepts d’anti-art, anti-philosophie ou anti-musique pour mieux mettre en avant le concept fondateur de l’artiste et activiste Gustav Metzger : la nécessité pour l’art de changer le monde. En marge de l’exposition, les conférences FERMETURE et RADICALITÉ se tiendront à l’auditorium du Pavillon Lucien-Brault et en ligne le 18 octobre à 11 h 30 et à 15 h 30. En partenariat avec la Bibliothèque de l’Université du Québec en Outaouais. -- conférence #1 – fermeture 11 h 30 à 13 h Considérant l’héritage de gestes radicaux comme formes artistiques, cette discussion portera sur les actes de fermeture de musée et de galeries dans l’histoire de l’art, prenant sa source dans Une rétrospective d’expositions fermées (Kunsthalle Fribourg, 2016) et l’ouvrage The Anti-Museum (Koenig Books, 2017). Plus précisément, il sera question de l’œuvre Nomadic Residents de Rirkrit Tiravanija présentée lors de l’ouverture de l’OCAD Professional Gallery en 2001 et de l’action historique de l’artiste Graciela Carnevale, où elle enferma le public à son insu dans la galerie du Ciclo de Arte Experimental à Rosario en Argentine, en 1968. conférence #2 – radicalité 15 h 30 à 17 h La notion de radicalité est essentielle pour envisager les arts contemporains. Il semble pourtant quasi impossible d’en donner une définition ontologique. Au travers des recherches parallèles de Copeland, Venkatesh, FM Einheit et Leblanc qui couvrent autant la possibilité d’existence de l’institution, les pratiques artistiques et musicales destructives, que le rapport des communautés face à la haine et l’extrémisme violent, cette conversation permettra d’articuler les enjeux multiples de ces notions en prenant pour point d’appui le concept d’ANTI. La discussion sera précédée par l’écoute de la pièce sonore Whatever it is, I’m against it !, une adaptation magistrale de la chanson originale des Marx Brothers, issue de leur comédie musical Horse Feathers de 1932, réalisée par FM Einheit spécialement pour l’exposition L’anti-musée : un anti-documentaire. Galerie UQO
A Situation An exhibition by Mathieu Copeland
Visitors to the Venet Foundation are invited to experience two large ensembles from the immense body of work produced by Robert Barry, one of the figurehead of minimal art and pioneer of Conceptual Art. One is a retrospective of Barry’s wall pieces, with seven murals from 1978 to 2023, the second is a retrospective of the sound pieces the artist produced between 1976 and 2023. Following a process of “rematerialization” the artist initiated in the mid 1960s, Barry pursued his study of the word and freed it from classical supports such as paper and canvas to consider it on the scale of the wall. The foundation’s exhibition begins with the UNTITLED wall drawing the artist originally produced for his 1978 one man exhibition at the Leo Castelli Gallery in New York where within the wall a space is defined through a square made of words. This piece is followed by YOUTO, a work that explodes the word to the size of the wall, its height giving the diameter to the letter O. This wall piece was first realised in 1985 for the artist’s solo show at the Renaissance Society, Chicago. Following a gradual deconstructing process, words first dismantle the square, then shape a circle before finally floating on the wall’s surface, cut up and fragmented by its edges. Barry further develops this approach in a piece specially commissioned for the Venet Foundation on the large exterior display window of the New Gallery and its immense back wall. Words written in semi-transparent coloured vinyl on the glass appear as coloured projections over words laser-cut in reflective stainless steel. This all-encompassing exhibition also features a retrospective of the artist’s sound pieces realised between 1976 and 2023. These pieces are played in the spaces of the New Gallery, one after the other throughout the day. These pieces are also played outdoors amongst the trees in the adjacent sculpture park. Alliterations of words and silences in which the materiality of the human voice contrast with the monumental sculptures by Robert Morris, Frank Stella, James Turrell and others. Two sculptures articulate this thorough experience. The first is a new work installed in the sculpture park. The piece consists of eight words made of polished stainless steel that reflect their surroundings. The second piece is a new iteration of a 1967 minimalist sculpture in the New Gallery. It consists of four 30 cm plaster cubes that delineate a 6-meter square space, an essential piece which makes the link between minimal and conceptual art – Robert Barry’s very evolution. In Lawrence Weiner’s essential words, “Robert Barry made a situation into a reality.” This exhibition of works of words teaches us how to read art, and invites us to consider, in the artist’s own words, “this activity that we call Art”.
-- Born in 1936 in New York, Robert Barry lives in New Jersey. Considered one of the precursors of the American Conceptual Art movement, he has a Bachelor of Arts degree and a Master’s from Hunter College, New York. He took part in a number of historic exhibitions, including When Attitudes Become Form at Kunsthalle Bern and the Institute of Contemporary Art in London (1969), Documenta V and VII in Kassel (1972 and 1977), and the Venice Biennale (1972). From 1970 onward, his work was featured in major solo shows that included the Tate Gallery, London (1972), the Stedelijk Museum, Amsterdam (1974), the Van Abbe Museum of Eindhoven (1977), the Museum of Conceptual Art, San Francisco (1978), and The Renaissance Society, Chicago (1985), along with the Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (2001). In 2022, a retrospective of his work was presented at Circuit, Contemporary Art Centre Lausanne, curated by Mathieu Copeland.
Una exposición de posters en blanco
Organizada especialmente para el Festival de libros: Blanco sobre Blanco, esta exposición de posters –todos del mismo formato de 120cm x 60cm– nos ofrece la interpretación de estos artistas de la nada, el vacío, la ausencia... Al evitar las cualidades inacabadas que definen un espacio en blanco, estas obras de arte representan lo completo y absoluto, la esencia de la ausencia: un vacío, pero no páginas en blanco.
Une Situation Une exposition rétrospective de Mathieu Copeland en huit volets successif
Une exposition rétrospective de l’artiste américain Robert Barry organisée en deux espaces et huit volets, dont l’œuvre s’articule autour du langage et interroge la matérialité de l’art. L’exposition propose un regard sur l’ensemble de l’œuvre de Robert Barry, de 1964 à nos jours. Étudiant de Robert Motherwell puis de Tony Smith, Barry débute sa carrière artistique avec l’exposition 8 Young American Artists organisée par Eugene Goosen au Hudson River Museum, 11 – 25 octobre 1964, exposition aujourd'hui considérée comme l’une des premières de l’art minimal. Par l’entremise de Tony Smith, Barry obtiendra cette même année sa première exposition personnelle à la Westerly Gallery. L’exposition à CIRCUIT débute chronologiquement avec le carton d’invitation, un imprimé réalisé par l’artiste et reprenant le motif d’une des toiles présentées à l’époque. Graduellement, Barry entame un processus de réduction minimale, passant du « spot » à la grille, puis à la ligne pour réduire son motif a une toile de lin pure aux bords peints. Il réalisera par la suite des séries de peintures monochromes qui définissent l’espace, par exemple 4 toiles placées aux quatre coins du mur. Barry abandonnera la peinture au profit de la sculpture, puis en suivant son procédé de réduction, réalisera des œuvres de fils — d’abord de couleurs, puis de nylon transparent — qui littéralement mettent l’espace sous tension. Un minimalisme formel qui se contracte graduellement pour révéler l’espace entre-deux, puis ne montrer rien d’autre que l’espace vide, et le temps. Ce principe de réduction se cristallise dans le mot. La phrase qui permet de décrire une œuvre apparemment absente (CARRIER WAVE PIECE, dites Radio Piece, et la série des gaz inertes, respectivement en janvier et mars 1969). Robert Barry passe ensuite à l’énoncé, en utilisant la galerie elle-même comme médium, et ses cartons d’invitation comme lieux de l’œuvre. Graduellement, les mots se libèrent. L’artiste cherche l’outil pour définir l’œuvre, à travers même le langage (THE DEFINING OF IT..., à partir de 1970). Une réflexion qui l’amène à se libérer de la phrase et à présenter le mot comme un objet autonome (WORD LIST PIECES, 1971-), et au final, fragmenté. Ces pièces peuvent être consultées à travers une recréation de la première exposition de l’artiste à la Galerie Leo Castelli en 1971, l’artiste présentait une documentation de ses œuvres textuelles dans six classeurs placés sur une table entourée de quatre chaises. À CIRCUIT, dans le premier espace, une évolution est visible chronologiquement par des peintures, dessins et documents provenant de prêts de collections privées, et des archives de l’artiste présentées pour la première fois au public. Ces documentations annoncent et complémentent les œuvres présentées dans le second espace. Le second espace de CIRCUIT s’articule en huit volets. Chaque semaine, nous sommes invités à faire l’expérience d’une œuvre différente. Tout d’abord, une œuvre issue de la série de pièces dites « monofilaments ». Disposés à l’exact milieu du volume du second espace, trois fils de nylon transparents tiennent une bague en or. Lors de la seconde semaine, des ondes radio FM et AM, des signaux sans contenu, et un ultrason, sont diffusés dans cet espace vide. Pour la troisième semaine, nous subissons des radiations, une pièce originellement présentée par Harald Szeemann pour Quand Les Attitudes Deviennent Formes à la Kunsthalle de Berne en mars 1969. Le second espace de CIRCUIT se trouve entièrement vide pendant la quatrième semaine, créant une situation où nous sommes « libre de penser à ce que nous ferons », une phrase essentielle du philosophe Herbert Marcuse. La cinquième semaine, en partenariat avec le LUFF, présente une rétrospective des œuvres sonores (SOUND WORDS) que l’artiste réalise à partir du milieu des années 70, des allitérations de mots et de silences. La sixième semaine plonge l’espace dans l'obscurité, et nous présente des œuvres de diapositives (SLIDE PIECES). L’artiste poursuit depuis 1971 dans les SLIDE PIECES des recherches sur la « définition de cela » et sur l’autonomie du mot et de sa forme. Durant la septième semaine de l’exposition, CIRCUIT Centre d’art contemporain sera fermée. Cette fermeture fait partie d’une série entamée depuis 1969 où la galerie devient le médium même de l’œuvre d’art. Enfin, la huitième semaine c’est l’expérience d’une nouvelle œuvre écrite par l’artiste pour CIRCUIT où « les murs seront peints d’une couleur vive. » Parallèlement à ces deux axes principaux sont proposés deux autres grands ensembles : une sélection rétrospective des œuvres vidéo réalisées par l’artiste entre 2004 et 2015, ainsi qu’une rétrospectives des œuvres murales en quatre pièces. Robert Barry y poursuit son étude du mot, et suivant le processus de « rematérialisation » mis en œuvre à la fin des années 60, se libère du support classique du papier ou de la toile pour considérer le mot à l’échelle du mur. Premièrement au travers du « wall drawing » réalisé lors de son exposition personnelle chez Leo Castelli en 1978, où le mur définit un espace, un carré représenté par des mots est repris ici pour la rétrospective. En face, l’œuvre YOUTO explose le mot à la taille du mur dont la hauteur donne au O son diamètre. Une pièce initialement réalisée pour son exposition personnelle à la Renaissance Society de Chicago en 1985. Suivant un processus de disposition éparse, le mot flotte sur la surface du mur, pour se couper et se fragmenter. Les deux commissions réalisées par l’artiste spécialement pour CIRCUIT prennent en compte la vitrine extérieure et le mur central. Des mots sont écrits en vinyle coloré semi-transparent sur le verre, projetant leurs reflets à l’intérieur de l’architecture du centre d’art. En face, la réflexion se poursuit avec des mots, en lettres inox découpées au laser. Reprenant cette phrase essentielle de Lawrence Weiner qui nous rappelait peu avant sa disparition que « Robert Barry a su faire d’une situation une réalité », ses huit volets sont autant d’invitations de faire l’expérience de huit « situations ». Des moments historiques, définitifs, et radicaux de ce qu’est l’Art, ou selon l’expression de l’artiste, « cette activité que l’on nomme Art ». Inscrivant dans le temps la lecture, ces œuvres de mots et l’ensemble de ces interventions architecturales sont réinterprétées en parallèle d’une recréation des actions iconiques de l’artiste. Parmi celles-ci, les pièces transmises télépathiquement (1969), ainsi que les gaz inertes libérés dans l’atmosphère, œuvre réalisée en Californie en mars 1969. Une pièce historique recréée le 14 mai dernier sur les rives du lac Léman où 30 litres d’argon ont été retournés à l’atmosphère, dont un poster documente l’action est affiché dans l’espace public lausannois (Éditions Circuit, 2022). Cette exposition rétrospective annonce aussi la première monographie dédiée à l’ensemble de l’œuvre de l’artiste, éditée par le curateur de l’exposition Mathieu Copeland, et publiée en 2024 par Verlag Walther und Franz Koenig. Né en 1936 à New York, Robert Barry vit dans le New Jersey. Considéré comme l’un des précurseurs du mouvement de l’art conceptuel américain, il est titulaire d’un Master et d’un Bachelor en art du Hunter College, New York. Il a participé aux expositions : Quand les attitudes deviennent formes à la Kunsthalle de Berne et à l’Institute of Contemporary Art, Londres (1969), aux Documenta V et VII de Kassel (1972 et 1977). Depuis 1970, ses œuvres ont fait l’objet de nombreuses expositions individuelles, dont à la Tate Gallery, Londres (1972), au Stedelijk Museum, Amsterdam (1974), au Van Abbe Museum de Eindhoven (1977), au Museum of Conceptual Art, San Francisco (1978), à The Renaissance Society, Chicago (1985), ainsi qu’à la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (2001). En 2003-2004, une rétrospective de ses œuvres de 1963 à 1975 accompagnée d’un catalogue a été présentée à la Kunsthalle de Nuremberg en Allemagne et au Aargauer Kunsthaus en Suisse. Vernissage le vendredi 23 septembre à 18h Du mardi au samedi de 14h à 18h Dimanche 20 novembre, dernier jour, Cinquième volet en partenariat avec le LUFF Ill: INERT GAS SERIES / ARGON / D'UN VOLUME MESURE A UNE EXPANSION INDEFINIE / 14 MAI 2022, 14H15 (photographie Wally Veronesi, Edition circuit 2022) Huit volets successifs: du 23 au 30 septembre 2022: du 30 septembre au 7 octobre 2022: 88 mc Carrier Wave (FM), 1968 1600 kc Carrier Wave (AM), 1968 Ultrasonic Piece, 1969 du 7 au 14 octobre 2022: du 14 au 21 octobre 2022: du 21 au 28 octobre 2022: du 28 octobre au 4 novembre 2022:
du 4 au 11 novembre 2022: du 11 au 19 novembre 2022: Ce projet est possible grâce au soutien de la Fondation Leenaards Circuit bénéficie du soutien de : Ville de Lausanne, État de Vaud, Loterie Romande et Profiducia Conseils SA Remerciements à : Alfatih ; Alfonso Artiaco Gallery et Francesca Fattori ; Antoine ; Archivio Paolo Mussat Sartor ; Benoît Moreau ; Eliot Möwes ; Francis Baudevin ; Françoise et Jean-Philippe Billarant ; Giancarlo Mino ; Jan Mot ; Jennifer Bochud ; Kenneth Goldsmith ; Marie-Christine Gailloud ; Matthieu ; Masen Al-Saghir ; Mathieu Bulliard ; Michel Québatte, Art-Vannerie Rotin Sàrl ; Natacha Anderes ; Nicolas Eigenheer ; Petya Ivanova ; Raphaël Raccuia ; Stéphane Ibars et la Collection Lambert ; Thibault Walter ; Vincent Barras ; Bernar Venet ; Wally Veronesi ; Warren Neidich
A Staged Exhibition performer Jennifer Lacey
Pursuing his investigation into the nature of an exhibition, curator Mathieu Copeland transposes the exhibition to the stage for the duration of a show. Descriptions of dreamed, real, or vanished artworks written by a dozen artists for A Staged Exhibition are interpreted through gestures, words and music by choreographer and dancer Jennifer Lacey and composer and musician Laetitia Sadier against a backdrop by Gaylen Gerber. Following A Choreographed Exhibition, presented at the Contemporary Art Centre in 2008, and the book and the festival Choreographing Exhibitions in 2013, curator Mathieu Copeland returns to La Ferme du Buisson with A Staged Exhibition (Une exposition mise en scène). Working with the theatre’s spatial and temporal parameters, Copeland experiments and collaborates with Lacey and Sadier to interrogate the way works are articulated from one to the other, confronted in their singularity and interpreted as a tableau vivant that transposes works by an international and intergenerational grouping of artists including Art & Language, Fiona Banner aka The Vanity Press, Robert Barry, Luis Camnitzer, Braco Dimitrijević, Coco Fusco, Giovanna, Joseph Grigely, Swetlana Heger, Florence Jung, Ghislaine Leung, David Medalla and Michael Portnoy. Jennifer Lacey pursues her investigation in breaking free from the spectacular to find a playful and inventive hermeneutics of the body as she performs written or described works commissioned specifically for A Staged Exhibition. Laetitia Sadier enters into resonance, or dissonance, with the exhibition taking place in parallel to offer a sound exhibition within a staged one. In a minimalist setting, American artist Gaylen Gerber creates – for the first time in his career – a work for a theatrical context. Invited to reinterpret what a theatrical backdrop can be, Gerber continues his decades-long exploration of Backdrops and how they draw attention to the works presented and to their presentation. Shedding the physical reality of the object, A Staged Exhibition focuses on the emotional experience of a work, lived in the present tense as an exhibition that exists solely through the prism of the lived actions. Fundamentally influenced by the art of Robert Barry – whose own oeuvre conveys the feeling of art without ever fully revealing it – A Staged Exhibition offers the mediation of works of art that occur only in their interpretation.
Une exposition mise en scene interprète Jennifer Lacey
Poursuivant sa réflexion sur la nature même d’une exposition, le commissaire Mathieu Copeland transpose l’exposition à la scène le temps d’un spectacle. Des oeuvres rêvées, réelles, ou disparues – proposées spécifiquement pour Une exposition mise en scène par une dizaine d’artistes – sont interprétées par la chorégraphe et danseuse Jennifer Lacey et la compositrice et musicienne Laetitia Sadier sur un backdrop de Gaylen Gerber. Ces oeuvres offrent ainsi leurs sensibilités par leur mise en gestes, mots et musique. Déroulant le fil tissé depuis Une exposition chorégraphiée présentée en 2008 au Centre d’art contemporain et prolongé avec le livre et le festival Chorégraphier l’exposition en 2013, le commissaire Mathieu Copeland revient à la Ferme du Buisson et conçoit Une exposition mise en scène. Au sein des paramètres fournis par l’espace et la temporalité du théâtre, en envisageant les ressources qui lui sont propres, Mathieu Copeland expérimente, en collaboration avec la chorégraphe et danseuse Jennifer Lacey et la compositrice et musicienne Laetitia Sadier, la manière d’articuler les oeuvres les unes aux autres, de les confronter dans leur singularité et d’envisager leur interprétation. Art & Language, Fiona Banner aka The Vanity Press, Robert Barry, Luis Camnitzer, Braco Dimitrijević, Coco Fusco, Giovanna, Joseph Grigely, Swetlana Heger, Florence Jung, Ghislaine Leung, David Medalla et Michael Portnoy sont invité·e·s à écrire ou décrire une oeuvre pour Une exposition mise en scène. Le temps d’un spectacle, les oeuvres pensées par ces artistes internationaux·ales de différentes générations sont transposées par Jennifer Lacey et Laetitia Sadier, formant littéralement un tableau vivant. Jennifer Lacey poursuit sa recherche qui consiste à s’émanciper du spectaculaire pour retrouver une herméneutique espiègle et inventive du corps lorsqu’elle interprète les oeuvres spécifiquement pensées pour Une exposition mise en scène. Laetitia Sadier entre en résonance ou dissonance avec l’exposition qui se joue en parallèle, et pour ainsi dire offre une exposition sonore au sein d’une exposition mise en scène. Dans un décor minimaliste, Gaylen Gerber, artiste plasticien américain rarement présenté en France, réalise pour la première fois une oeuvre dans un contexte théâtral. Invité à réinterpréter ce que peut être le fond de scène, il poursuit ainsi la réflexion qu’il mène depuis quelques années dans le cadre d’une série d’oeuvres nommée Backdrops (littéralement des toiles de fond initialement destinées à la photographie commerciale), qui sont ajustées aux murs des espaces d’exposition, attirant l’attention sur les oeuvres présentées et sur leur présentation elle-même. Se délestant de la réalité physique de l’objet, Une exposition mise en scène se concentre sur le sentiment d’une oeuvre et le prisme de l’expérience vécue. L’exposition offre la médiation d’oeuvres d’art qui n’existent que dans leur interprétation. Se confrontant à la nature même de ce qu’elle peut être, Mathieu Copeland transpose l’exposition à la scène le temps d’un spectacle. Fondamentalement influencé par l’art de Robert Barry – auteur d’une oeuvre qui offre le sentiment d’une œuvre d’art sans jamais la révéler pleinement – Une exposition mise en scène s’écrit toujours au présent.
Exhibition Cuttings
The Fondation d’entreprise Hermès is pleased to present “Exhibition Cuttings”, a new exhibition by London-based French/British curator Mathieu Copeland and his first in Japan. Since 2003, Copeland (born in 1977) has been using exhibitions as a platform to question their traditional roles and frameworks, through a curatorial practice that proposes new ways of experiencing and perceiving exhibitions. “Exhibition Cuttings” is an exhibition of two exhibitions – “The Anti-Museum: And Anti-Documentary” and “Nurturing Exhibitions” –, and is conceived from the two meanings of the word ‘cutting’. The first refers to the ‘cutting and grafting’ in plant propagation. This also offers an echo to the fleeting ecosystem of this exhibition, in which a work of art is temporarily cut out, transplanted to the gallery space, and nurtured with the viewer throughout its duration. The other refers to the more familiar meaning of the word, the editing process of newspaper clippings and movies, and relates ‘cutting’ from the archives of past exhibitions. Nurturing Exhibitions
The Anti-Museum: An Anti-Documentary
Through cutting, grafting, and editing, Copeland explores the possibilities of exhibitions as an invitation to experience new territories, rich ecosystem nurtured by new hybrid organisms. The exhibitions opened on Thursday the 22nd of April, to close the following Sunday due to a new lockdown in response to the sanitary situation in Tokyo. I immediately invited Robert Barry to realise a new closed gallery piece – a piece that is at the centre of the Anti-Documentary. During such a desperate situation, the piece that Barry began in 1969 acquires yet another meaning, further questioning the triumvirate of Gallery, Exhibition and Closure. During the lockdown, with the exhibition happening whilst the gallery is closed, bathed in natural light and the minimal compositions by Phill Niblock and with the spectators forcefully excluded, alone in the intimacy of the gallery, the tree began to bloom…
An exhibition by Mathieu Copeland
The Need for Art to Change the World Gustav Metzger’s (1926-2017) entire oeuvre is defined by his writings. Since 1959, his manifestos have been the cornerstone of his radical and everlasting impact on art, art history and society. Metzger has done more than raise awareness, his art and philosophy are a stark testimony to the alternative world for which he strove. Organised to coincide with the release of the all-encompassing anthology Gustav Metzger: Writings (JRP | Editions, Oct 2019), this international symposium brings together Kristine Stiles, Ivor Davies, FM Einheit, Catherine Mason, Jonathan Benthall, Andrew Wilson, Norman Rosenthal, Jerome R. Ravetz and Hans Ulrich Obrist to envisage Metzger’s art, philosophy and imperatives: autodestructive and auto-creative art, the Destruction in Art Symposium DIAS (London 1966), computer arts, the crisis in technological art, and the social responsibility of artists.
Concerned with the looming threat of extinction, Gustav Metzger sought to create “worldwide movements in response to the accelerating decimation of the natural world through human-made activities leading to mass extinction.” To offer a prospective outlook, this symposium aims to provoke, expose and discuss the fundamental theses of our societies and the state of our world in a time of climate crisis, set within a specially designed documentation lounge where videos and audio recordings on and by Metzger will be shown, alongside an exhibition of posters by artists Ursula Biemann, Graciela Carnevale, Cécilia Cavalieri, Ivor Davies, Swetlana Heger, Karl Holmqvist, Franck Leibovici, Liliane Lijn, David Medalla, Gustav Metzger, Ben Morea, Phill Niblock, Karin Sander, Rirkrit Tiravanija, Ben Vautier, Jacques Villeglé, who each wrote the sentence that gave this symposium its title – THE NEED FOR ART TO CHANGE THE WORLD – which Metzger coined in 1993 and strongly resonates now more than ever.
Oeuvres sur papier Une exposition de Mathieu Copeland et Circuit Gustav Metzger (1926-2017) considérait ses écrits équivalents à ses oeuvres. C’est en préambule à la parution de Gustav Metzger – Writings 1953-2016 chez JRP|Editions, une anthologie réunissant l’intégralité des écrits de l’artiste, que Circuit invite Mathieu Copeland (artiste, commissaire et chercheur), spécialiste de cette archive et éditeur de cette anthologie, à concevoir le déroulé spatial et expositif de cette documentation. Gustav Metzger, considéré et reconnu pour ses oeuvres à caractère performatif et installatif, toujours affiliées au principe d’auto destruction, employait affiches, publications et autres manifestes comme des outils d’annonce, mais aussi comme documentation matérielle à ses interventions éphémères. Lors de sa première démonstration publique d’art auto-destructif, Metzger recouvre de journaux les murs de la galerie dans laquelle il intervient, insistant sur la notion de présent. Il s’y applique selon ses dires à relever l’immédiateté du maintenant. Cet intérêt précoce et récurrent de Metzger pour les quotidiens – omniprésent dans son oeuvre – est abordé dans l’exposition par la réactualisation de nombreuses oeuvres protocolaires de l’artiste disparu.
Visite guidée, mer 21 nov à 19h
L’EXPOSITION D’UN RÊVE 7 octobre – 17 décembre 2017 Les rêves de Gabriel Abrantes, Genesis Breyer P-Orridge, FM Einheit, Tim Etchells, Alexandre Estrela, Susie Green, David Link, Pierre Paulin, Emilie Pitoiset, Lee Ranaldo, Susan Stenger et Apichatpong Weerasethakul
Cette exposition a été pensée dans un lieu très précis : le jardin Gulbenkian. Conçu par António Viana Barreto et Gonçalo Ribeiro Telles dans les années 60, le jardin encadre actuellement le bâtiment où le rêve de Calouste Gulbenkian prend forme chaque jour.
Exposition ouverte lundi, mercredi, jeudi et vendredi de 9h à 18h -- Rencontre avec Mathieu Copeland et FM Einheit autour de L'exposition d'un rêve Jeudi 16 novembre, 2017 - 19:00 Jusqu'à 20:30 Lors de cette discussion, Mathieu Copeland, le commissaire de L’exposition d’un rêve, et FM Einheit, le compositeur des chansons à partir des rêves de douze artistes, présenteront et discuteront de l’exposition, et reviendront sur l’ensemble de la carrière de FM. Mathieu Copeland (né en 1977, vit à Londres) cultive une pratique curatoriale cherchant à subvertir le rôle traditionnel des expositions et à en renouveler nos perceptions. Il a notamment été co-commissaire de l’exposition «Vides, une rétrospective » au Centre Pompidou à Paris en 2009 et à la Kunsthalle de Berne et a récemment édité « The Anti Museum », co-publié par Koenig Books en 2017. Il a été commissaire invité du Musée du Jeu de Paume, Paris (2013-2014) et, avec Philippe Decrauzat, commissaire invité du Plateau – FRAC Ile-de-France Paris (2014-2015). FM Einheit (né en 1958) est un musicien, compositeur et performeur allemand, pionnier de la musique industrielle. Co-fondateur du mythique groupe allemand Einstürzende Neubauten, il poursuit aujourd’hui une intense carrière solo qui allie l’énergie et l’urgence du mouvement punk aux expérimentations issues de la musique bruitiste. FM Einheit a enregistré de nombreux albums et collaboré notamment avec Diamanda Galás, Andreas Ammer, Pan Sonic, Gry ou encore Caspar Brötzmann. La conversation aura lieu en anglais.
UNA EXPOSICIÓN COREOGRAFIADA 16 SEPTIEMBRE — 15 OCTUBRE 2017
WORD SQUARES Karl Holmqvist works with language. His art is that of an exhibition of words, a majestic experience of Concrete (and Wood, and Steel, and…) Poetry, in all its different manifestations: spoken words, recorded words, words written on the wall, words made wallpaper, words incarnated as so many platforms of communications, word paintings of 183cm, four-letter word sculpture, fluorescent tubes four letters word pieces, spoken word sculptures… Holmqvist renders the structure of concrete poetry through the concrete of concrete. Its metallic armature structures the form of a name (KARL), an adjective (NICE), or again a noun (LIFE). The subject is the matter, both abstracted in form, and structured in concrete matter. Holmqvist makes of the logos of his name a logo (WE ME), a personal icon as a signature (LRAK) in space. Give Poetry a try. Holmqvist’s platforms for communications makes use of the dormant material present in everyone who hears/reads him, calling up the memory of these very words from within. Holmqvist works how words and phrases tend to repeat in memory and how this in turn shapes the way we view the world around us. More than mere appropriation, the words used by the artist literally echo in the reader’s/listener’s mind, claiming both Spoken Words to the World, and Spoken Worlds to the Word. The popular memes and pop culture artefacts become material in all their sculptural, structural, textural qualities. To read/hear is to convene all that mind-materiality into the time-construct of a spoken word sculpture. To hear/read Holmqvist homophony – the words sound the same (and are the same) – cast a radical new appreciation of words as material, as they blend into a mental duet between the artist and the source of origin of these words with us reader/hearer as abstract sing-alongs. Holmqvist words are squared, squares squared in a given squared surface. With words as ready-made sculptures, the language is an existing material multiplied by itself. CURRICULUM VITAE
An exhibition by Andrea Bellini & Mathieu Copeland
UNE RETROSPECTIVE D’EXPOSITIONS FERMEES / A RETROSPECTIVE OF CLOSED EXHIBITIONS, Kunsthalle Fribourg, 05.08 - 19.11.2016
Une Rétrospective d’expositions fermées / A Retrospective of Closed Exhibitions 05.08 - 19.11.2016 Du 6 août au 19 novembre 2016 Fri Art propose une rétrospective radicale composée de onze fermetures de l’espace du Centre d’art– à la suite les unes des autres – par onze artistes différents. Le 19 novembre, une grande fête se tiendra dans l’espace réouvert de Fri Art et un important catalogue anthologique de 600 pages sur l’Anti-Musée sera publié pour l’occasion. Lefevre Jean Claude – 19.08.2016 Une exposition de : Mathieu Copeland La Rétrospective d’expositions fermées a débuté le 6 août dernier, au début de la pause estivale officielle de Fri Art avec l’exposition de Lefevre Jean Claude. Jusqu’au 19 novembre, onze expositions engendrant chacune une manière différente de fermer l’espace d’exposition se succèdent à un rythme quasi hebdomadaire pour former Une Rétrospective d’expositions fermées. Depuis le début des années 1960, des artistes ont pris le parti radical de fermer des musées ou des galeries pour faire œuvre. Ces gestes historiques sont réactivés spécialement pour le contexte de Fri Art en étroite collaboration avec les artistes ou leurs héritiers. Ces œuvres sans compromis nous confrontent à la fermeture de l’espace et nous invitent à expérimenter leur réalité physique, sensible, ou encore conceptuelle. Se déployant dans le temps, sur le mode d’une répétition quasi beckettienne d’un motif récurrent, mais selon des modes d’action très divers, ce projet se veut expérimental dans sa manière d’aborder le genre de la rétrospective. L’exposition explore les extrêmes limites du champ de l’art et défie les attentes des visiteurs en mettant en jeu des questions autant esthétiques que politiques. Si des termes comme « anti-lieu », « anti-art », « anti-galerie commerciale » sont souvent utilisé par les artistes des années 1960, les gestes de fermeture des quinze dernières années sont accompagnés de questionnements sur le travail, le temps et le système économique de l’art. Ces gestes ne signent pas une négation totale de l’art. Comme l’histoire nous l’a apprise, les tabula rasa indiquent toujours un renouvellement. Des artistes comme Daniel Buren ou Maurizio Cattelan (dont les expositions fermées constituaient leur toute première exposition personnelle) ont développé par la suite de longues carrières très productives. Une installation de Buren occupe actuellement la totalité du toit de verre de la Fondation Louis Vuitton à Paris, tandis que Cattelan participe à la Biennale Manifesta de Zurich après avoir bénéficié d’une rétrospective tonitruante au Guggenheim Museum de New York (2011). Les onze expositions fermées Swetlana Heger & Plamen Dejanov, un duo d’artistes aujourd’hui séparé, développent une réflexion sur les conditions économiques de l’art. En février 1999, ils envoyaient le personnel de la galerie berlinoise Mehdi Chouakri en vacances et fermaient de fait l’espace. La pancarte originale de l’exposition annonçant la fermeture pour vacances de la galerie berlinoise est installée sur la porte du rez de Fri Art et en interdit l’accès. (20 au 26 août 2016) En écho à la crise financière qui ébranlait l’Argentine en 2002, Santiago Sierra avait bloqué avec le même acier ondulé utilisé par les banques pour se protéger de leurs clients un autre type d’institution financière : la Lisson Gallery de Londres. (du 30 août au 5 septembre 2016) Pour l’exposition qu’elle présentait en octobre dans le cadre de l’Experimental Art Series qu’elle co-organisait durant l’année 1968 à Rosario en Argentine, Graciela Carnevale enfermait à son insu le public dans la galerie, faisant ainsi écho au régime dictatorial et répressif militaire. Au bout de quatre heures, un passant avait fini par briser la vitre, libérant les spectateurs. (du 8 au 14 septembre 2016) Rirkrit Tiravanija, invité en 2007 à inaugurer l’espace d’exposition de l’Ontario College of Art and Design à Toronto, bloquait l’entrée avec des parpaings sur lesquels il reprenait le slogan situationniste : « Ne travaillez jamais ». (du 17 au 23 septembre 2016) Robert Barry annonçait en 1969 que durant l’exposition, les galeries Eugenia Butler, Art & Project et Sperone seraient fermées. L’artiste manifestait ainsi une velléité critique contre le marché de l’art, se posant volontairement comme « anti-galerie ». (du 26 septembre au 2 octobre 2016) En octobre 1964, à la galerie Naiqua, Matsuzawa Yutaka, avec « Ah, Nil, Ah, A Ceremony of Psi’s Secret Embodiment Drowning in the Wilderness: Prototype Exhibition », affirmait par sa fermeture la galerie comme « anti-lieu ». (du 5 au 11 octobre 2016) Au printemps de cette année, Maria Eichhorn demandait à l’ensemble des employés de la Chisenhale Gallery à Londres de soustraire leur travail de l’institution, et ainsi fermait par nécessité le centre d’art pour cinq semaines, soit 25 jours ou 175 heures de travail non acquittées. (du 14 au 20 octobre 2016) Maurizio Cattelan, l’artiste italien bien connu du grand public pour ses sculptures provocatrices citant le Pape ou Hitler, fermait en 1989 la galerie Néon à Bologne pour sa première exposition personnelle, ne laissant visible qu’un écriteau annonçant « torno subito », soit « je reviens tout de suite ». (du 22 au 28 octobre 2016) Également pour sa première exposition personnelle à la galerie Apollinaire de Milan fin octobre 1968, Daniel Buren présentait un travail consistant à fermer la galerie le temps de l’exposition en recouvrant totalement la porte d’entrée avec des papiers peints rayés blanc et vert. Par ce geste, l’artiste indiquait son refus de la galerie, et d’une partie de ses fonctions. (du 2 au 8 novembre 2016) En mai 1964, au travers de Great Panorama Exhibition, le collectif japonais Hi Red Center fermait la galerie Naiqua de Tokyo. Comme le rappelait Akasegawa Genpei, « ce grand panorama mettait l’univers en boîte ». (du 13 au 19 novembre 2016) -- A Retrospective of Closed Exhibitions
Lefevre Jean Claude – 19.08.2016 An exhibition by Mathieu Copeland The “Retrospective of Closed Exhibitions” began on 6 August, the beginning of Fri Art’s official summer break, with Lefevre Jean Claude’s exhibition. Until 19 November, eleven exhibitions closing the art centre will follow one another on an almost weekly basis, thus forming the retrospective. Since the early 1960s, artists have seized the pattern of closing to create works. These historic gestures are reactivated especially for Fri Art, in close collaboration with the artists or their estate. These uncompromising works confront us with the closed space, and invite us to experience their physical, sensory and conceptual reality. Over the course of three months, in an almost Beckettian repetitive mode of a recurrent pattern, but according to highly diverse modes of action, the project approaches the retrospective genre in an experimental way. The exhibition explores the extreme limits of the field of art and defies visitors’ expectations by bringing into play questions as aesthetic as they are political. Lefevre Jean Claude presents a replica of his 1981 work, which took advantage of the summer closing of the Yvon Lambert gallery in Paris to set out an exhibition that existed only in the text affixed to the gallery windows. A performative work, in the linguistic understanding of the term, which simply announced ‘an exhibition by lefevre jean claude 11.07/31.08 ‘81’. (Until 19 August 2016) Swetlana Heger & Plamen Dejanov, developed a collaborative practice at the turn of the 2000’s , that offered among others a consideration on the economic conditions of art. In February 1999, they sent Mehdi Chouakri gallery’ staff on holiday, thus closing the space. The original sign for the exhibition announcing the Berlin gallery’s holiday closing is re-installed at Fri Art, closing the space. (From 20 to 26 August 2016) Echoing the financial crisis that shook Argentina in 2002, Santiago Sierra blocked also in 2002, with the same corrugated iron used by Argentinean banks to protect themselves from their clients, access to another type of financial institution: the Lisson Gallery in London. (From 30 August to 5 September 2016) For her exhibition presented in October 1968 as part of the Experimental Art Cycle in Rosario, Argentina, Graciela Carnevale locked the visitors inside the gallery without them knowing, thereby mirroring the country’s dictatorial and repressive military regime. After four hours, a passer-by released the spectators in smashing the window. (From 8 to 14 September 2016) Rirkrit Tiravanija, invited in 2007 to inaugurate Toronto’s OCAD exhibition space, blocked the entrance with cinder-blocks on which he reprised the Situationist slogan ‘Ne Travaillez Jamais (Never Work).’ (From 17 to 23 September 2016) Robert Barry announced in 1969 that during the exhibition, the Art & Projec, Sperone and Eugenia Butler galleries would be closed. The artist manifested an attack on the gallery system, deliberately presenting himself as ‘anti-gallery’. (From 26 September to 02 October 2016) In October 1964, at the Naiqua Gallery in Tokyo, with “Ah, Nil, Ah, A Ceremony of Psi’s Secret Embodiment Drowning in the Wilderness: Prototype Exhibition”, Matsuzawa Yutaka affirmed the gallery as an “anti-venue” by closing it. (From 5 to 11 October 2016) In spring this year, Maria Eichhorn requested that all the entire staff of the Chisenhale Gallery in London withdraw their labour for five weeks, thereby obligatorily closing the art centre for the duration of the 5 weeks, 25 days, 175 hours exhibition by necessity. (From 14 to 20 October 2016) Maurizio Cattelan, the Italian artist well known for his provocative sculptures depicting the Pope or Hitler, closed the Galleria Neon in Bologna in 1989 for his first solo exhibition, leaving only a sign announcing ‘torno subito’ (‘I’ll be back soon’) visible. (From 22 to 28 October 2016) For his first solo exhibition at the Apollinaire Gallery in Milan at the end of October 1968, Daniel Buren presented a work that entailed closing the gallery for the exhibition duration by entirely covering over the entrance door with white and green striped wallpaper. With this gesture, the artist created a dialogue between his refusal of the traditional use of the walls and his acceptance of the gallery and some of its purposes. (From 2 to 8 November 2016) In May 1964, through the “Great Panorama Exhibition”, the experimental art Japanese collective the Hi Red Center closed the Naiqua Gallery in Tokyo. As Akasegawa Genpei noted ‘this great panorama canned up the universe’. (From 13 to 19 November 2016)
THE EXHIBITION OF A FILM / L'EXPOSITION D'UN FILM with / avec Mac Adams, Fia Backström, Robert Barry, Erica Baum, Stuart Brisley, Jonathan Burrows, Nick Cave, David Cunningham, Philippe Decrauzat, Peter Downsbrough, Maria Eichhorn, F.M. Einheit, Tim Etchells, Alexandre Estrela, John Giorno, Sam Gleaves, Kenneth Goldsmith, Myriam Gourfink, Karl Holmqvist, Marie-Caroline Hominal, Myriam Lefkowitz, Franck Leibovici, Benoît Maire, Charles De Meaux, Karen Mirza & Brad Butler, Ieva Misevičiūtė, Meredith Monk, Charlotte Moth, Phill Niblock, Deborah Pearson, Vanessa Place, Michael Portnoy, Lee Ranaldo, Lætitia Sadier, Laurent Schmid, Leah Singer, Mieko Shiomi, Susan Stenger, Sofia Diaz + Vítor Roriz, Kasper T. Toeplitz, Daniel Turner, Cosey Fanni Tutti, Alan Vega, Lawrence Weiner An exhibition by / Une exposition de Mathieu Copeland
the exhibition of a film
l’exposition d’un film
DCP Interop 2K flat 24p Dramaturg/Dramaturge Original scores enacted by/Partitions originales interprétées par With/avec Lucy McCormick and/et Jennifer Pick Under the direction of/Sous la direction de Editor/Chef Monteuse Sound Design & Mix Director of Photography/Directeur de la Photographie Focus Puller/1er assistant caméraman 2nd Assistant Cameraman/2ème assistant caméraman Sound Recording/Preneur de son Light Technician/Technicien lumière Hair and Make up Artist/Maquilleuse et coiffeuse Runner/Assistant de plateau Filmed on location at the Institute of Contemporary Arts, London (ICA)/Film tourné à l’Institut d’Art Contemporain de Londres (ICA) Graphic Design/Charte graphique A Production Of / Une Production With The Support Of The / Avec Le Soutien
Phill Niblock: Working For a Title Dům pánů z Kunštátu Kurátor: Mathieu Copeland
A PERSONAL SONIC GEOLOGY Avec Boyle Family, une carte mentale, la chute d’eau, un désert, FM Einheit, une exposition, un événement, la fabrique de peinture, Ellen Fullman, Gilles Furtwängler, une grotte, Marcia Hafif, Peter Halley, Fritz Hauser, l’imprimerie, Tom Johnson, Ulrich Krieger, Alan Licht, Lydia Lunch, John M Armleder, Agathe Max, Gustav Metzger, l’usine de tissage. Une exposition de Philippe Decrauzat et Mathieu Copeland
A Personal Sonic Geology regroupe l’ensemble des films coréalisés par Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat depuis 2012. Nés du désir de filmer le son, d’enregistrer des lieux et de plonger dans la matière des processus de fabrication et de destruction, ces films sont présentés selon un mode de projection intégrant l’exposition de peintures écrans monochromes. Invités à réaliser une programmation d’événements et d’expositions au plateau depuis mars 2014, Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat ont à chaque fois utilisé ces espaces et ce temps pour faire intervenir des artistes du champ plastique ou musical – à travers le format de l’exposition ou celui, plus dense, de l’événement – et les filmer, avec comme finalité de poursuivre leur collaboration filmique pour donner à voir et à entendre sous la forme d’un dispositif immersif, ce qui aura déjà été vu, entendu et vécu. Instaurant ainsi un dialogue entre image filmique, peinture et production sonore, les films, réalisés en relation avec une constellation d’artistes, mettent en oeuvre les procédés de surimpression et de fragmentation de l’image au moyen de la pellicule 16 mm. Qu’il s’agisse de filmer des musiciens, tels Alan Licht, Ellen Fullman ou FM Einheit alors qu’ils réalisent la bande-son des films à venir, d’instaurer un dialogue oeuvre-caméra avec les dessins de Marcia Hafif ou avec un tableau de Peter Halley, de filmer des moments ou des lieux de création – la réalisation d’une peinture de John M Armleder, la recréation d’une action/démonstration de Gustav Metzger ou la grotte de l’artiste et « chercheuse » suisse Emma Kunz – ou encore des lieux de production comme une imprimerie à Marrakech, une usine de filature textile ou une fabrique de peintures, les composantes de ces films forment ici un assemblage linéaire de réalités superposées. Ce programme a fait l’objet d’une série de manifestes rédigés par des artistes invités, conférant à chaque manifestation – exposition ou événement – son titre et reliant ainsi tous les éléments du projet, tels des maillons d’un même vaste ensemble nous proposant une relecture d’une histoire de la modernité par le biais des arts visuels et de la musique. * Manifeste de Susan Stenger
rendez-vous Live Evil Max Turner, égrégore et voyageur spatio-temporel, navigue entre Lyon et Bristol avec pour seul bagage sa contrebasse et son violon électriques. Le drone qu’il diffuse en souffle continu se répand dans les éléments et les êtres afin de faire apparaître en chacun des forces telluriques, des fleuves de métal fondu comme autant de veines incandescentes. Les cordes amplifiées ouvrent une faille dans laquelle les coeurs se lovent, surpris par la paradoxale force fragile qui s’en dégage. La magie de l’électricité agît sur la contrebasse et sur le violon, instruments ancestraux et pourtant rendus ainsi si contemporains. Max Turner aime le débat et ne rentre en aucun cas dans des conventions figées, des théories absurdes sur ce que devrait être ou ce qu’est la musique ou XXIème siècle, puisque, chercheur, il ne cesse d’expérimenter et dans son laboratoire de sons, une fine distillation s’opère, révélant plus qu’un élixir une expérience sonique unique. Visite commissaires avec Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat Conversations de plateau Des invités interviennent sur les questions du son, du cinéma et du manifeste, autant de maillons constituant l’exposition. Ils échangent et livrent leurs regards sur celle-ci. Avec Nicolas Couturier (graphiste, collectif g.u.i.), Maxime Guitton (programmateur et commissaire d’exposition) et Jonathan Pouthier (programmateur cinéma).
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A PERSONAL SONIC GEOLOGY With Boyle Family, a mental map, a waterfall, a desert, FM Einheit, an exhibition, an event, a factory paint, Ellen Fullman, Gilles Furtwängler, a cave, Marcia Hafif, Peter Halley, Fritz Hauser, a printery, Tom Johnson, Ulrich Krieger, Alan Licht, Lydia Lunch, John M Armleder, Agathe Max, Gustav Metzger, a spinning mill. An exhibition by Philippe Decrauzat and Mathieu Copeland
A Personal Sonic Geology gathers together the films realised by Mathieu Copeland and Philippe Decrauzat since 2012. Stemming from a desire to film sound, record places, and dive into the process of a material construction and destruction, these films are screened using a projection apparatus that integrates an exhibition of monochrome screens/paintings. Invited to create a programme and events and exhibitions at le Plateau from march 2014 on, Mathieu Copeland and Philippe Decrauzat have each time used these spaces and this time to involve artists from the visual and music fields—using the exhibition format, or he denser format of the event—and film, their end purpose being to pursue their film collaboration to present to the eye and ear, in the form of an immersive arrangement, something that has already been seen, heard and experienced. Creating a dialogue between filmed images, painting and This programme has been the subject of a series of manifestos drawn up guests artists, lending each exhibition and event its title and thus connecting all the elements of the project, like links in one and the same huge enselmbe, offering us a re-reading of a history of modernity seen through visual arts and music. *Susan Stenger manifesto.
WAYWORDS OF SEEING Avec Francis Baudevin, Boyle Family, David Cunningham, FM Einheit, Morgan Fisher, Marcia Hafif, David Hominal, Steven Parrino, Stephen Partridge, Martin Rev, Karin Sander, Amikam Toren, Dan Walsh Une exposition organisée par Philippe Decrauzat et Mathieu Copeland
Empruntant son nom à un titre manifeste de Dan Walsh, l’exposition Waywords of Seeing envisage le point de vue, le regard, le champ et le hors-champ au travers du prisme de la dérive des mots**. S’y déploient des trajectoires aux arborescences multiples : cartographier et exposer un réel fragmenté au hasard, penser des transcriptions visuelles d’univers sonores et électriques, proposer une archéologie d’images et de situations reconstituées et transformées. L’exposition Waywords of Seeing dessine des espaces en négatif qui se découvrent à travers des « véhicules » réalisés par Dan Walsh pour chaque espace et offre une investigation du champ de la perception, en explorant la distance entre l’œuvre et celui qui la regarde, comme autant de points de vue de et sur l’exposition. Une mise en abîme de la vision par une démultiplication d’expériences, replaçant le corps dans sa relation à l’image à un niveau scientifique, psychologique et narratif. Waywords of Seeing interroge et conditionne le regard via une succession de filtres, dessinant ainsi des expositions dans l’exposition.
* *Le titre du manifeste de Dan Walsh intègre un jeu de mots – voire un jeu de lettres – en partant de « waywards » qui signifie « errance, dérive, égarement ».
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WAYWORDS OF SEEING With Francis Baudevin, Boyle Family, David Cunningham, FM Einheit, Morgan Fisher, Marcia Hafif, David Hominal, Steven Parrino, Stephen Partridge, Martin Rev, Karin Sander, Amikam Toren, Dan Walsh An exhibition curated by Philippe Decrauzat and Mathieu Copeland.
Taking its name from a title-statement by Dan Walsh, Waywords of Seeing considers the viewer’s gaze – in and out of the field of perception – through a prism of drifting words: the random mapping of places, the visual transcription of a sonic and electric realm, the archaeology of images and circumstances which have been reconstituted and transformed. Waywords of Seeing creates negative space to be discovered through the “vehicles” conceived by Dan Walsh: they offer an investigation of the field of perception through the exploration of the distance separating the work of art and the viewer – creating in the process a multitude of points of view of and about the exhibition. A multiplication of vision through different experiences repositions the body in relation to its image on scientific, psychological and narrative levels. Waywords of Seeing both questions and conditions the gaze via a succession of filters, ultimately forming exhibitions within the exhibition.
Une exposition – un événement Avec Mac Adams, Art & Language, Fia Backström, Robert Barry, Julien Bismuth, Claude Closky, Peter Downsbrough, Liam Gillick, Pratchaya Phinthong, Georgia Sagri, Betty Tompkins, Oriol Vilanova, Cally Spooner, et une publication de Genesis Breyer P Orridge. Une exposition de Mathieu Copeland Du 15 octobre 2013 au 26 janvier 2014 Dans le cadre de la programmation Satellite, "Suite pour exposition(s) et publication(s)" s’offre, en quatre mouvements, comme une réflexion sur l’exposition, son image, sa représentation ainsi que son catalogue. Sous le titre "Une exposition – des projections", le quatrième mouvement interroge l’exposition à travers la notion de projection, entendue ici dans une large acception – orale, mentale, cinématographique –, qu’il s’agisse de la projection du mot par la lecture du catalogue d’une exposition passée (entresol et niveau –1) ou de la projection du texte avec un film à être lu (auditorium). Une reprise Une exposition, une fois qu’elle a achevé son cours, se cristallise dans les productions qu’elle a engendrées, dans le souvenir de ceux qui en ont fait l’expérience, mais aussi dans son catalogue, qui met généralement à disposition le détail des travaux qu’elle a présentés. Le catalogue d’une exposition "reproduit" les images des objets qui ont contribué à la faire exister et / ou des vues de celle-ci. Ainsi, il en est, au mieux, la mémoire ; au pire, il n’en est que la check-list. Un film à être lu --
With Mac Adams, Art & Language, Fia Backström, Robert Barry, Julien Bismuth, Claude Closky, Peter Downsbrough, Liam Gillick, Pratchaya Phinthong, Georgia Sagri, Betty Tompkins, Oriol Vilanova, Cally Spooner, and a publication by Genesis Breyer P Orridge. An exhibition by Mathieu Copeland from 15 october 2013 until 26 january 2014 For the sixth edition of its Satellite programme, the Jeu de Paume has invited curator Mathieu Copeland. Conceived as part of the “Suite for Exhibition(s) and Publication(s),” “An exhibition – An Event” will be presented at the Jeu de Paume from 28 May to 1 September 2013. It will echo the two movements “A Spoken Word Exhibition” and “An Exhibition Without Texts,” which were presented respectively at the Jeu de Paume and the Maison d’Art Bernard Anthonioz. This exhibition examines the moment when the image becomes an abstraction of itself until it disappears in favor of the event. The event should be envisaged in its widest sense: a musical score of an event, a suggested reading, or an action that takes place in the ancillary spaces allocated to the Satellite program. Mathieu Copeland’s proposal explores what happens in neutral contexts and how a formal presence is activated in them. A Reprise An exhibition, once it has run its course, crystallizes into the products that it generated, in the recollection of those who experienced it, and also in its catalogue, which generally provides details about the works on display. The exhibition catalogue “reproduces” images of the objects that contributed to its existence and/or views of it. It is thus, at best, a memory of it; at worst, it is nothing more than a checklist of it. A Film to Be Read
Mandala Mental Con Luigi Amara, Philippe Decrauzat, Myriam Gourfink, y con la participación de F.M. Einheit, Ulrich Krieger, Alan Licht, Gustav Metzger, Robert Poss y Alan Vega. Un exposición de Mathieu Copeland
La exposición Mandala Mental, proyecto realizado por Mathieu Copeland, parte de la concepción de que las exhibiciones suceden sobre todo en la mente. Mediante una práctica de curaduría experimental, Copeland busca ahondar acerca de la relación entre las obras de arte y la experiencia del espectador. Mandala Mental articula tres elementos. Por un lado, una película es proyectada sobre pinturas negras de gran formato realizadas por el artista suizo Philippe Decrauzat. El film retrata a músicos (F.M. Einheit, Ulrich Krieger, Alan Licht, Alan Vega y Robert Poss) produciendo la banda sonora, intercalados con paisajes y acercamientos a cuadros de nylon rociados con ácido siguiendo las instrucciones del artista austriaco Gustav Metzger. Ese montaje en vivo contrasta con la simplicidad de la acción de una coreografía de Myriam Gourfink, ejecutada por Margot Dorléans, que inscribe una línea imaginaria en el espacio. Su partitura es al mismo tiempo las instrucciones para una bailarina, el libreto para el público y la memoria de aquello que está por suceder. Finalmente, acompaña a la muestra el texto de una exposición imaginaria concebida por el escritor Luigi Amara. Queriendo cuestionar el rol de las exhibiciones y obras de arte, Mathieu Copeland aspira a que esos elementos construyan una exposición como una situación que sólo es posible en tanto alguien, un sujeto, la complete con su presencia. -- A Mental Mandala With Luigi Amara, Philippe Decrauzat, Myriam Gourfink, and featuring F.M. Einheit, Ulrich Krieger, Alan Licht, Gustav Metzger, Robert Poss and Alan Vega. An Exhibition by Mathieu Copeland
A Mental Mandala comprises three main elements – an exhibition of paintings and projected films & music, a choreography that defines through time space itself, and a text that contextualise a dramaturgy for yet another possible exhibition. An exhibition of raw, white and blacks paintings taking the shape of a film-still gradually fragmented are disseminated throughout the galleries. Inside the gallery, the black monochromes act in turn and alternatively as the screens for the projected films as an exhibition realised together with Swiss artist Philippe Decrauzat. This series focuses on filming a musician as he produces the soundtrack for this film to be. Portraits of musicians F.M. Einheit, Ulrich Krieger, Alan Licht, and Alan Vega are superimposed with a landscape that encompasses views of a textile factory, dunes of the Sahara desert or extreme close up of a nylon canvas smeared with acid as instructed by Gustav Metzger. In the other gallery, the presence of the body through time unveils a slow inscription in space as a dancer works an imaginary line. A score written by French choreographer Myriam Gourfink for one dancer, Margot Dorléans, choreograph a walk whose duration is that of an exhibition. Ultimately, this score is both the instructions for the dancer, the libretto for the public, the memory of what had happen, and for what is about it to happen. The sensitive articulation in time and space of the exhibition ultimately takes the form of a text. This writing act as a dramaturgy to what is present, taking an exhibition and the presentation of artefacts as the means to generate a new narrative, reframing what is to be seen in the mind of the one who reads. A possible comprehension of the mandala – the ephemeral, and the mind – the immaterial, offers the sensitive mental experience of an exhibition that looks at one. A Mental Mandala is a choreographed exhibition whose sole reality exists within the minds of the ones who complements it all.
Une exposition – un événement Avec Mieko Shiomi, Maria Eichhorn et Tim Etchells, et une publication de Douglas Coupland. Une exposition de Mathieu Copeland Du 28 Mai au 01 Septembre 2013
Dans le cadre de la programmation Satellite, « Suite pour exposition(s) et publication(s) » s’offre, en quatre mouvements, comme une réflexion sur l’exposition, son image, sa représentation ainsi que son catalogue. Sous le titre « Une exposition – un événement », le troisième mouvement envisage ce moment où l’œuvre fait abstraction d’elle-même pour se jouer du spectacle de l’exposition, que ce soit au travers d’actions morcelées dans l’espace et dans le temps, d’invitations à imaginer un événement par le texte ou encore d’interventions et gestes infimes, réalisés notamment au sein d’espaces interstitiels. L’événement, considéré ici dans son acception la plus large et selon une approche fragmentaire et déceptive, consacre ainsi le non-événement. -- An Exhibition – An Event With Mieko Shiomi, Maria Eichhorn and Tim Etchells, And a publication by Douglas Coupland. An exhibition by Mathieu Copeland Part of the Satellite programme, “Suite for Exhibition(s) and Publication(s)” is a reflection, in four movements, on the exhibition, its image and its representation, as well as its catalogue. Titled “An exhibition – An Event”, the third movement examines the moment when the artwork becomes an abstraction of itself, playing on the exhibition as spectacle, be it through actions that are scattered in space and time, invitations to imagine an event in text or through minute interventions and actions carried out in the interstitial spaces of the museum. The event, considered here in its widest sense and using a fragmentary, deceptive approach, thus celebrates the non-event.
An Exhibition Happening Everywhere, At All Times, with Everyone A Lecture by Mathieu Copeland
Theater 3 (The Celeste Bartos Theater), mezzanine, The Lewis B. and Dorothy Cullman Education and Research Building Artists Experiment is a new initiative in the Department of Education that brings together contemporary artists in dialogue with MoMA educators to conceptualize ideas for developing innovative and experimental public interactions. Curator Mathieu Copeland discusses the poetics of interstitial, neutral and otherwise overlooked off-spaces—and off-times—of museums and galleries. He envisages how they can be activated and seen anew through a variety of perspectives, and thus subvert the traditional role of exhibitions and renew the way they are perceived.
On April 17, 18 and 19, look out for an exhibition of the words in the interstitial spaces of the museum, an art whose cohesion is not so much spatial, but mental, as Textual artworks written by Vito Acconci, Robert Barry, Delphine Coindet, Keren Cytter, Gilles Furtwängler, Nicolas Garait, Goldin + Senneby, Kenneth Goldsmith, Karl Holmqvist, Bethan Huws, Alison Knowles, Benoît Maire, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Charlotte Moth, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Falke Pisano, Aki Sasamoto, Yann Sérandour, Benjamin Seror, Cally Spooner, Irena Tomažin, and Sue Tompkins, are read from the series of Exhibitions to Hear Read curated by Mathieu Copeland by three readers (Ceel Mogami de Haas, Anne Hildbrand and Daphné Roulin, from the Geneva University of Art and Design HEAD—Genève). Activating the "non-spaces," and offering to Museum visitors the opportunity to experience artworks through the voice, an exhibition to hear read proposes the notion of speech as material gesture, in which both the texture of the word and its spoken quality are inscribed in space and time through the act of reading. The vocal interpretation of these artworks constructs an abstract and ephemeral reality that can be said to sculpt the spaces in which it occurs. This ongoing investigation into the materiality of artwork as a question of word and speech is crystallized through a series of publications that act as both score and memory. April 17, 5–6 p.m.: Cullman mezzanine, 4 W. 54 Street
UNE EXPOSITION SANS TEXTES, Maison d'Art Bernard Anthonioz, Nogent sur Marne - FR, 21/03 - 19/05/2013
Une exposition sans textes Avec Vito Acconci, Francis Baudevin, Stefan Brüggemann, Delphine Coindet, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Giandomenico Tonatiuh Pellizzi, Claude Rutault, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner, Amikam Toren, Jacques Villeglé, Gil Joseph Wolman… Et une publication de franck leibovici. Une exposition de Mathieu Copeland.
Deuxième mouvement de la suite pour exposition(s) et publication(s) proposée par Mathieu Copeland, « Une exposition sans textes» s’offre en écho direct et simultané a « Une exposition parlée », premier mouvement présente au Jeu de Paume à Paris. Si cette dernière questionne la place du mot et de la lecture dans l’exposition, ce deuxième mouvement en prend le contrepoint pour aborder ce moment où le texte fait image, ou l’écriture (dans sa plus large acception) s’efface, générant ainsi une image abstraite et affirmant la disparition du sens au profit d’une autre lecture. -- An Exhibition Without Texts With Vito Acconci, Francis Baudevin, Stefan Brüggemann, Delphine Coindet, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Giandomenico Tonatiuh Pellizzi, Claude Rutault, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner, Amikam Toren, Jacques Villeglé, Gil Joseph Wolman… And a publication by franck leibovici. The second movement of the “Suite for Exhibition(s) and Publication(s)” by Mathieu Copeland, “An Exhibition Without Texts” is a direct, simultaneous echo of the first movement, “A Spoken Word Exhibition,” presented at the Jeu de Paume. Whereas the latter questioned the role of words and reading in the exhibition, the second movement provides a counterpoint by addressing the moment when the text becomes image, when writing (in its widest sense) disappears, thereby generating an abstract image and affirming the disappearance of meaning in favour of a different reading.
Une exposition parlée Avec Vito Acconci, Delphine Coindet, Yona Friedman, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Kenneth Goldsmith, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner... et une publication de Kenneth Goldsmith. Une exposition de Mathieu Copeland
La première exposition conçue par Mathieu Copeland dans le cadre de la programmation Satellite du Jeu de Paume envisage l’exposition du mot et la diffusion d’une œuvre dans sa globalité par l’oral. Entre écriture et image mentale, lecture et écoute, celle-ci interroge l’unicité de la lecture et de la parole, la place du mot dans l’exposition, la question de l’exposition et du catalogue – ou plutôt de l’exposition du catalogue… -- A Spoken Word Exhibition With Vito Acconci, Delphine Coindet, Yona Friedman, Gilles Furtwängler, Matt Golden, Kenneth Goldsmith, Idris Khan, Alison Knowles, Loreto Martínez Troncoso, David Medalla, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Francesco Pedraglio, Aki Sasamoto, Benjamin Seror, Cally Spooner... and a publication by Kenneth Goldsmith. The first exhibition conceived by Mathieu Copeland as part of the Jeu de Paume’s Satellite program envisages the exhibition of the word and the diffusion of an entire work orally.
SUPPORTIVE, 1966 - 2011 - auto-creative art by Gustav Metzger
une exposition de Mathieu Copeland au Musée d'art contemporain de Lyon 14.02.2013 – 14.04.2013
L’art auto-créatif est indissolublement lié à ce qui fut son corollaire, l’art auto-destructif, que Gustav Metzger définit dès novembre 1959 dans son premier manifeste auto-publié. Si son œuvre est souvent envisagé à travers le prisme prépondérant de l'auto-destruction, il nous apparaît aujourd’hui nécessaire de considérer l’envers de toute destruction : l’auto-création. -- Auto-creative art is inseparably linked to its corollary, auto-destructive art, which Gustav Metzger defined in November 1959 in his first self-published manifesto. His work is mainly considered through the prism of auto-destruction, yet it appears as necessary to now envisage the opposite of destruction, auto-creation.
NOTHIN' BUT WORKING - Phill Niblock, une retrospective ; Circuit & Musee de l'Elysee de Lausanne - CH, 30/01 - 12/05 2013
NOTHIN' BUT WORKING - Phill Niblock, une retrospective 30.01.2013 – 14.05.2013 Nothin’ but Working Phill Niblock, une rétrospective une exposition de Mathieu Copeland présentée conjointement à Circuit, centre d’art contemporain et au Musée de l’Elysée Né en 1933, Phill Niblock propose depuis plus de 50 ans au travers d’un « Art Intermedia » une oeuvre pluridisciplinaire. Associant musique minimaliste, art conceptuel, cinéma structurel, art systématique ou encore politique, Niblock s’active à transformer notre perception et notre expérience du temps. -- TEXT IN ENGLISH -- Born in 1933, Phill Niblock has produced, for over more than fifty years, a multidisciplinary work. His “Intermedia Art” features a combination of minimalist music, conceptual art, structural cinema, systematic or even political art, and has actively contributed to transform our perception and experience of time.
50 PARTITIONS 14.12.2012 – 26.01.2013 Avec Une exposition de Mathieu Copeland et Yann Chateigné Une exposition par le mot, à lire et à interpréter. Il est aussi malaisé de cerner avec précision la date de naissance officielle du mouvement Fluxus que de dessiner les contours précis de la constellation d’artistes qui y participe. Par définition, ce groupe d’artistes qui, influencé autant par John Cage, la philosophie orientale que Dada, se rassemble, au début des années 1960, autour des notions de flux et de mouvement, d’interprétation et de circulation. Aujourd’hui, Fluxus se refuse encore aux cadres établis de l’historiographie y préférant l’intelligence partagée de la création collective et de l’interprétation continue d’un répertoire commun. Prenant comme prétexte la date du «Fluxus-Festspiele Neuester Musik» organisé à Wiesbaden en septembre 1962 par George Maciunas, cette exposition célèbre alors un « non-anniversaire », en posant un regard non pas rétrospectif mais prospectif, sur cette expérience. Cinquante « partitions » (events, textes, définitions, poèmes, instructions, pièces) sont réunies avec la complicité de John M Armleder, acteur essentiel de la scène genevoise, et dont le groupe ECART, à la fin des années 1960, peut être considéré comme un écho immédiat de Fluxus en Suisse. Durant cinquante jours, celles-ci sont offertes à l’interprétation de cinquante artistes, qu’ils soient liés au groupe ou directement influencés par Fluxus, qu’ils soient des héritiers possibles de cette famille artistique ou dont le travail entre en résonance avec celui des artistes du mouvement, qu’ils soient en formation dans le cadre de l’école. La forme exposée de ces cinquante partitions est confiée à l’artiste suédois Karl Holmqvist. Le poète et performeur a dessiné une police de caractère basée sur sa propre écriture, mettant ainsi indirectement par écrit ces mots dans l’espace. Sur cette écriture typographiée, il intervient ensuite à la main au travers de notes, textes et dessins, à même les murs de la galerie. Base continue de l’exposition, à partir de laquelle elle s’anime continûment, cette intervention fait écho aux dimensions conceptuelles, performatives, mentales mais aussi musicales, théâtrales, poétiques et vivantes des oeuvres Fluxus. Ce projet active ainsi, en la (re)jouant, une archive potentielle, dont le lieu devient dès lors la chambre d’échos. Cet hommage choral, pris en charge par un réseau d’artistes, accueille en son coeur un groupe d’étudiant-e-s de la Head – Genève, impliqué à divers niveaux du projet: conceptuel, artistique et curatorial. Car ce qui importe ici n’est pas de revivre le passé, mais bien de prolonger cette expérience, voire de la projeter, aujourd’hui, dans le futur. Vernissage & Performances Rencontre Suite à un ennui de santé, John Armleder ne sera pas présent pour cette rencontre qui aura tout de même lieu entre Raimundas Malakauskas et Mathieu Copeland et qui sera suivie d’une projection des films ECART, de la collection du FMAC. Concert LiveInYourHead, Institut curatorial de la Head – Genève, rue du Beulet 4, 1203 Genève
MARRAKECH PRESS - (les halles) espace d'art contemporain, Porrentruy - CH, 01/12/2012 - 20/01 2013 // Vernissage le Samedi 1er Decembre à Partir de 18h00
MARRAKECH PRESS Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat Du 2 décembre au 20 janvier 2013 Heures d’ouverture : Marrakech Press est un label de production et d’expérimentation cofondé par le curateur indépendant franco-britannique Mathieu Copeland et l’artiste suisse Philippe Decrauzat. Actif depuis le 1er Janvier 2011, son champ d’action s’étend à l’édition, les expositions, la publication, les manifestes et les films. FILMS Deux courts-métrages s’articulent et se développent autour du désir de filmer le son et de travailler la superposition et la fragmentation de l’image. Filmés et montés en 16mm, ils suivent à chaque fois la même partition : La surimpression de deux situations dont la première est systématiquement un musicien filmé au moment même où il produit la bande sonore du film. La deuxième, non prédéfinie, est choisie selon les logiques de la dérive et du collage. Le second film a été tourné à la frontière Austro-Allemande et dans les montagnes du haut Atlas marocain. Il présente le musicien et percussionniste Allemand F.M Einheit (ex-Einstürzende Neubaten – groupe phare de la musique industrielle post punk créée à Berlin en 1980) au travail chez lui, dans son garage, détruisant briques et miroirs, jouant du son des pierres et du sable sur une large plaque en métal amplifiée. F.M Einheit compose et crée une architecture de ruine abstraite et temporaire, qui se voit superposées à des vues de paysages du Sahara et de l’Atlas. MANIFESTES Bruce McClure, Delphine Coindet, David Cunningham, Peter Downsbrough, Gilles Furtwängler, Kenneth Goldsmith, Lionnel Gras, Scott King, François Kohler, MR Lucy, Gustav Metzger, Raffaella della Olga, Loreto Martinez Troncoso, Diego Santomé, Nick Thurston, et Dan Walsh ont tous été invités à composer et rédiger un manifeste publiés par Marrakech Press, et offert à la lecture dans le cadre de l’exposition. Une édition sera produite dans le cadre de l’exposition.
LE CONFORT MODERNE - Le Confort Moderne, Poitiers, du 16 Mai au 19 Août 2012 // Vernissage le Mercredi 16 Mai à Partir de 18h30
LE CONFORT MODERNE Une exposition avec Francis Baudevin / Stefan Brüggemann / Henry Codax / Philippe Decrauzat & Alan Licht / Gaylen Gerber / Kenneth Goldsmith / Marc Hurtado & Sébastien Vitré / Martina Klein / Jutta Koether / Sadie Laska / Franck Leibovici / Olivier Mosset / Charlotte Moth / Mai-Thu Perret & Ik ue Mori / Stephen Prina / Florian & Michael Quistrebert / Claude Rutault / Giorgio Sadotti / Hugo Schüwer-Boss / Susan Stenger & F.M. Einheit / Alan Vega / Jacques Villeglé Commissaire associé : Mathieu Copeland "Le Confort Moderne" au Confort Moderne parle de soi(lui)-même. Une exposition dont l’intitulé porte l’appellation même de l’espace (autant scène musicale mythique que centre d’art contemporain) ne peut que nous ramener à ses enjeux, ces enjeux, nos enjeux!
L’exposition est née d’une rencontre avec Mathieu Copeland et la lecture ou plutôt l’écoute commune d’un lieu : Le Confort Moderne. A la fois salle de concerts pionnière et centre d’art depuis plus de vingt ans, le lieu agit comme matrice de l’exposition. L’exposition opère un glissement d’objets picturaux ou conceptuels vers des objets praticables ou réceptacles. L’exposition s’organise en cinq sections : les actions, les partitions, les films, les concerts et la peinture. Les peintures deviennent écran, les concerts activent les oeuvres, les films sont réalisés en collaboration entre artistes et musiciens.
-- "Le Confort Moderne" at Le Confort Moderne speaks for itself : an exhibition named after the venue where it takes place (both a mythic music venue and art center) can only bring us back to these issues, its issues, our issues!
Du 16 mai au 19 août 2012 Vernissage mercredi 16 mai à partir de 18h30
An Exhibition to Hear Read
Hear ICA’s interstitial spaces shaped by a polyphony of voices. This spring the Institute of Contemporary Art (ICA) at the University of Pennsylvania will host a unique performative event. Penn students will collaborate with students from HEAD - Geneva to continuously read a selection of textual artworks every day for a week in February. This event at the ICA will be the fourth in a series of “volumes,” each presented at a different venue. An exhibition to hear read is curated Mathieu Copeland and is realized in partnership with Kenneth Goldsmith, Penn’s Center for Programs in Contemporary Writing, HEAD (Haute école d’art et de design Genève / Geneva University of Art and Design), and the Cultural Services of the French Embassy in the USA. This fourth volume, hosted by the ICA, is the first to be presented in the United States. The first volume was commissioned by the contemporary art center La Synagogue de Delme in France, a second in Geneva by HEAD’s curatorial institute Live In Your Head, and a third by the David Roberts Art Foundation in London. An exhibition to hear read will be performed by students from the yearlong seminar Writing Through Art and Culture at Penn and from the WORK.MASTER at Geneva University of Art and Design. It features textual works by the following Penn students: Yolanda Carney, Ana Maria Gomez Lopez, Alexander Hovnanian, Staci Kaplan, Ellie Levitt, Christina Lisk, Isabel Oliveres, Sarah Richter, Alexander Schwartz, and Naomi Shavin. It also features written works by artists including: Marí Alessandrini, Robert Barry, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Keren Cytter, Chloé Delarue, Amélie Dubois, Jarrod FowlerNicolas Garait, Goldin + Senneby, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Karl Holmqvist, Jean-Christophe Huguenin, Bethan Huws, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Benoît Maire, David Medalla, Charlotte Moth, Falke Pisano, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Yann Sérandour, Cally Spooner, Irena Tomažin, Sue Tompkins, Anne Le Troter, and Martina-Sofie Wildberger. Timed to coincide with Penn’s conference on abstraction (co-sponsored by ICA and the Department of the History of Art), An exhibition to hear read commences on February 10 and runs through February 19. A Conversation with Mathieu Copeland at the University of Pennsylvania - Kelly Writers House (3805 Locust Walk - Philadelphia, PA 19104) - 02/16/2012 @ 6pm Mathieu Copeland talks at The Curatorial Hub at ICI (401 Broadway, Suite 1620 ; New York, NY 10013) on February 21st @ 7pm
Reprise #1 - Studies for a catalogue / a study for an exhibition on violence in contemporary art (reprise 1964/2011) - Flat Time House, London - Friday 24 June - Sunday 31 July Closing Bbq & Publication Launch - Sunday 31 July, 2-6pm Reprise #1 Studies for a Catalogue: a Study for an Exhibition of Violence in Contemporary Art (Reprise 1964/2011) with Karel APPEL – Jean ARP – Francis BACON – Enrico BAJ – Elena BAJO – Giacomo BALLA – Davide BALULA – BALTHUS – Erica BAUM – Max BECKMANN – Tom BENSON – Hans BELLMER – George BELLOWS – Emma BJORNESPARR – Peter BLAKE – Umberto BOCCIONI – Frank BOWLING – Georges BRAQUE – Victor BRAUNER – Stefan BRÜGGEMANN – Edward BURRA – Alberto BURRI – Reg BUTLER – Alexander CALDER – Guiseppe CAPOGROSSI – Carlo CARRA – CESAR – Paul CEZANNE – Lynn CHADWICK – DADO – Salvador DALI – Alan DAVIE – Giorgio DE CHIRICO – Willem DE KOONING – Niki DE SAINT–PHALLE – Philippe DECRAUZAT – André DERAIN – Otto DIX – Jean DUBUFFET – Marcel DUCHAMP – James ENSOR – Max ERNST – Peter FILLINGHAM & Charlotte MOTH – Lucio FONTANA – Sam FRANCIS – Alberto GIACOMETTI – Juan GRIS – Arshile GORKY – Georg GROSZ – Renato GUTTUSO – Richard HAMILTON – Raoul HAUSMANN – Rudolph HAUSNER – John HEARTFIELD – Erich HECKEL – Anne-Sylvie HENCHOZ – Camille HENROT – Maurice HENRY – Roger HILTON – David HOCKNEY – Hans HOFMANN – Allen JONES – Asger JORN – Frida KAHLO DE RIVERA – Wassily KANDINSKY – Ellsworth KELLY – R.B. KITAJ – Paul KLEE – Oskar KOKOSCHKA – Alfred KUBIN – KUKRYNSKI – Felix LABISSE – Wilfredo LAM – John LATHAM – Fernand LEGER – Pablo LEON DE LA BARRA – Wyndham LEWIS – Roy LICHTENSTEIN – Max LINDNER – Jacques LIPSCHITZ – LUCEBERT – René MAGRITTE – André MASSON – Umberto MASTROIANNI – Georges MATHIEU – Henri MATISSE – Mark MCGOWAN – MATTA – F.E. McWILLIAM – Henri MICHAUX – Manolo MILLARES – Joan MIRO – Piet MONDRIAN – Henry MOORE – Edvard MÜNCH – Antonio MUSIC – R. MUTT (Marcel Duchamp) – Paul NASH – Warren NEIDICH – Sidney NOLAN – José Clemente OROZCO – Eduardo PAOLOZZI – Peter PHILLIPS – Francis PICABIA – Pablo PICASSO – Edouard PIGNON – John PIPER – Philomene PIRECKI – Jackson POLLOCK – POSADA – Mel RAMOS – Man RAY – Odilon REDON – RICHARDS – Germaine RICHIER – Bridget RILEY – Diego RIVERA – RODIN – Theodore ROSZAK – Georges ROUAULT – Henri ROUSSEAU – Antonio SAURA – Giorgio SADOTTI – Gerald SCARFE – Karl SCHMIDT–ROTLUFF – SCHROEDER-SONNENSTERN – Kurt SCHWITTERS – Gino SEVERINI – Ben SHAHN – SINE – David Alfaro – SIQUEIROS – Richard SMITH – Chaim SOUTINE – Saul STEINBERG – Graham SUTHERLAND – Rufino TAMAYO – Yves TANGUY – Dorothea TANNING – Jean TINGUELY – Henri de TOULOUSE-LAUTREC – Clovis TROUILLE – Fritz VAN DEM BERGHE – Victor Vincent VAN GOGH – VASARELY – Renzo VESPIGNANI – Andy WARHOL – Neal WHITE – WOLS and Ossip ZADKINE.
Reprise /ri’pri:z/ n. & v. : n. 1 A repeated passage in music. 2. A repeated item in a musical programme. v.tr. repeat (a performance, song, etc.); restage, rewrite. [French, fem. past part. of reprendre] What remains of an exhibition, once it has run its course, is crystallised in its catalogue, the materials it generated, and the memories of those who experienced it. Yet the exhibition that once was is also a material – equal to any other – and as such can be reprised weeks, months or years later, and in different contexts. A catalogue generally makes available the details of the works that were included in an exhibition. It ‘reproduces’ images of the artefacts that made it be and/or views of the exhibition itself. Catalogues are at best the memory of an exhibition, at worst its checklist. To reprise an exhibition can be seen as an attempt to envisage its memory, to re-insert it in reality, by using its catalogue as a score for another exhibition to be. Past realities are revisited and appropriated by the presentation of an entire ‘bootleg’ of an exhibition. To do so is to curate an exhibition without choosing any of the works. The original artworks are copied, their reproductions insisting on their equivalence to the original. From the catalogue's checklist, an approximation of all the artworks is gathered and united in a format that only has to be printed in order to generate another bootleg ; a distant echo of the original, an exhibition evolving from what once was and in constant expansion. Mathieu Copeland, July 2011
Studies for an Exhibition, David Roberts Art Foundation - London 07/04 - 11/06 2011 Opening: 06/04 @ 18.30 curators’ series # 4 an exhibition by Mathieu Copeland. Mathieu Copeland is the fourth guest curator invited by The David Roberts Art Foundation to be part of the Curators’ Series. Studies for an Exhibition, explores how exhibitions are to be envisaged in regard to transient thoughts – an art that reveals itself through time, as movements of transitions, as possible studies giving the feeling of what is, and what can be. Following a desire to not fix in form an exhibition to be, Studies for an Exhibition brings together practices that explore the possibilities of immateriality and the temporal nature of an art object. The question of time and accumulation is adamant to an exhibition that considers a recycling of our current reality as the means to generate transitory new forms. Moments of history are revisited, as with the recreation of Gustav Metzger’s 1956 display/appropriation of the posters advertising the seminal show at the Whitechapel Gallery This Is Tomorrow, which he used to cover the entire shop windows of his then second hand shop/exhibition space 30Queens in Kings Lynn. A means to advertise what was tomorrow then, the posters can be read in parallel to the altered exhibition posters by Niele Toroni, who painted over posters advertising his own exhibitions, thereby blurring the moment of the original shows and when these are painted, and shown. Past realities are again revisited and appropriated when confronted with the entire ‘bootleg’ of a 1964 ICA exhibition entitled Study for an exhibition of violence in contemporary art. In relation to these works of past and present readings, the ‘mailed paintings’ by Karin Sander create in the space of the gallery an unstable hanging as these are being mailed back and forth to the artist in Berlin for the duration of the exhibition. The paintings capture their own reality by acquiring marks as they travel unprotected from one place to the next. As an echo to this reality in motion for an exhibition to be, Emma Bjornesparr addresses the location of the gallery and the habits of consumption. Through a temporary sculpture that frames the entire time of an exhibition in saving the accumulated waste, the artist creates the inversed portrait of the host institution. Since 1972 Roman Opalka marks time through the progressive inscription of numbers painted from one to infinity. The constant evolution of these paintings is accompanied by a tape recording of his own voice saying the numbers out loud as he writes them. By disseminating these recordings in the space of the gallery we are projected into an ephemeral experience of time. Accumulation of knowledge is the focus of Julia Rometti and Victor Costales’ work. Exotismo Ordinario Internacional Neotropical is an archive based on their ongoing research into plants from the neotropical region. As part of this continuous study, a series of booklets will be handed out. Elena Bajo’s commission is to be dreamt, forgotten, drawn on a wall or indeed erased. Showing the process of becoming, it is a piece that is all of its studies, changes and potentialities, echoing the exhibition in becoming a study for all that it can and could be. And as yet another possible study discussing the form of an exhibition, Mathieu Copeland has edited a new publication, the third volume of his series entitled An Exhibition to Hear Read/Une Exposition à être lue. The book will be read out at 2pm every day for the duration of the exhibition. This publication features text based artworks by Robert Barry, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Yann Sérandour, Cally Spooner, and Sue Tompkins. These contributions consider the relation between a text as an art piece to be and its spoken realisation, questioning the ‘performativity’ of the act of reading from a book.
The exhibition is supported by the National Lottery through Arts Council England, the French Institute, London, Swedish Embassy in London and Accion Cultural Espanola, London.
the DAVID ROBERTS ART FOUNDATION -FITZROVIA
Une Chorégraphie Polyphonique & Une exposition à être lue (volume 2), LiveInYourHEAD Genève 13/01/2011 - 29/01/2011 VERNISSAGE: 13/01/2011 @ 18.00 UNE CHOREGRAPHIE POLYPHONIQUE & UNE EXPOSITION A ETRE LUE (VOLUME 2) Avec Marí Alessandrini, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Chloé Delarue, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Jean-Christophe Huguenin, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Cally Spooner, Irena Tomažin, Anne Le Troter et Martina-Sofie Wildberger Une exposition de Mathieu Copeland Vernissage le jeudi 13 janvier à 18 heures LiveInYourHead Une Chorégraphie Polyphonique & Une Exposition à Etre Lue (Volume2) est la première d’une série de lab.zones (ateliers) conçues par Mathieu Copeland au sein du programme work.master de la Head – Genève, en collaboration avec un groupe d’étudiant-e-s-artistes et avec les contributions de différentes figures invitées. L’exposition s’articule autour de la question du mot, des mots imprimés dans un livre à être lu aux mots lus dans un mouvement à trois voix, pour former une Chorégraphie Polyphonique. Le pouvoir évocateur des trois mouvements est interprété par la voix, que ce soit à l’unisson, dans la simultanéité, la répétition, ou encore la succession et le geste. L’exposition est uniquement composée d’oeuvres textuelles, écrites par les artistes et conçues pour être lues à trois voix en permanence durant les horaires d’ouverture de l’espace LiveInYourHead. L’exposition est envisagée comme une forme vivante, minimale, continue, vocale autant que mentale, intellectuelle autant que corporelle. Sa réalité textuelle, la texture du mot et sa qualité lue posent les questions de la gestuelle de la parole, du mouvement des mots et celle de l’inscription du geste de lire dans l’espace d’exposition lui-même. L’interprétation des oeuvres écrites révèle autant l’architecture sensible de l’espace qu’une réalité abstraite et éphémère, portée par la voix, une polyphonie constructive et destructive du contenu intelligible, dans l’espace et le temps. Approchant l’oeuvre par sa matérialité, et envisageant par là même la matérialité de l’exposition au travers du mot et de la parole, cette Exposition à être lue se cristallise au sein d’une publication. Celle-ci regroupe des oeuvres – écrites par les étudiant-e-s-artistes et les artistes, musiciens ou encore poètes internationaux invités pour l’occasion – qui constituent autant sa partition que sa mémoire.
Plus d'informations - http://head.hesge.ch/IMG/pdf/LIYH_Mathieu_Copeland-2.pdf
An exhibition of the word(s) on UbuWeb - August 2010 AN EXHIBITION OF THE WORD(S) A. Dziga Vertov Group - Letter to Jane An exhibition of the word(s), Featured Resources for August 2010 selected by Mathieu Copeland for UbuWeb
UNE EXPOSITION (DU) SENSIBLE Avec/With, par ordre d'apparition/in order of appearance, Gustav Metzger, Cildo Meireles, Dexter & Sinister, Franck Leibovici, Kenneth Goldsmith, Cesare Pietroiusti, Benoit Maire, Goldin + Senneby, Keren Cytter, Amélie Dubois, Charlotte Moth, Cally Spooner, Falke Pisano Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland La synagogue de Delme Mathieu Copeland s’est précédemment illustré dans la conception d’expositions renégociant le rapport du spectateur aux œuvres, et des œuvres aux lieux censés les rendre visibles. Vides, une rétrospective, au Centre Pompidou à Paris rassemblait ainsi neuf expositions « vides » de l’histoire de l’art. Une Exposition Chorégraphiée, au Centre d’art de la Ferme du Buisson présentait des œuvres conçues pour être dansées par trois performeurs, selon une partition d’enchaînements écrite par le commissaire. Dans Une Exposition Parlée, elles étaient lues et activées par l’équipe du centre d’art Baltic de Newcastle upon Tyne. Évoquons enfin Soundtrack for an exhibition au Musée d’Art Contemporain de Lyon, immense partition musicale étirée sur plusieurs mois, où la musique devenait l’exposition à proprement parler. D’exposition en exposition, Mathieu Copeland dessine une manière de faire et de pousser la forme artistique tout comme l’institution dans leurs retranchements. Qu’elles soient musicales, parlées, chorégraphiées, les œuvres placent le spectateur en position de jouer à son tour sa partie, tout du moins de dépasser le vide apparent pour écouter, se mouvoir, capter de tous ses sens l’air et la réalité qui l’entoure. Marie Cozette
Engaging with a practice that often considers immateriality, Mathieu Copeland proposes exhibitions that renegotiate the relationship between the spectators and the works, and between the works and the venues supposed to give them visibility. “Voids, a Retrospective” at the Centre Pompidou in Paris brought together nine historical “empty” exhibitions; “A Choreographed Exhibition” at the Ferme du Buisson Contemporary Art Centre presented artworks as gestures and movements that were danced by a trio, written in time by the curator; in “A Spoken Word Exhibition” the works were read aloud by the staff of Baltic, Newcastle upon Tyne’s contemporary art centre; or again with “Soundtrack for an Exhibition”, a seemingly timeless score stretched out over several months at the Museum of Contemporary Art in Lyon, the music actually becoming the exhibition. Marie Cozette AUTOUR DE L’EXPOSITION INFORMATIONS PRATIQUES POUR SE RENDRE À LA SYNAGOGUE DE DELME Visuels disponibles sur demande
"... avant il n'y avait rien, après on va pouvoir faire mieux.", une exposition de motifs et desseins à Circuit, Lausanne 18/06 - 04/09 2010 VERNISSAGE: 18/06 @ 18.30 CIRCUIT Une exposition de motifs et desseins d’Alan Vega et Antonin Artaud, Kurt Seligmann, Ad Reinhardt, Paul Sharits, Emma Kunz, Glenn Branca, Gustav Metzger, Wallace Berman, Phoebe Unwin, Claude Parent, Jon Savage, Unica Zürn, Madelon Vriesendrop, Charles Burns, Judy Chicago, Brion Gysin, Amélie Dubois, Savage Pencil, Hans Hartung, Asger Jorn, André Masson, Max Kohler, Henri Michaux, Mel Bochner, Steve Albini, Dinos Chapman, Jake Chapman, Jean Tinguely, Max Ernst, Gerhard Rühm, Tadeusz Kantor, NPA, Bruce Conner, Marty Rev, Bob Cobbing, Linder Sterling, Frank Kozik, George Maciunas, Leonora Carrington, Henry Flint, Henri Chopin, Georges Brecht, Le Freistilmuseum, Loulou Picasso, Yoko Ono, Scott King, Rudolph Grey, A.R. Penck, Michael Snow, J.G. Ballard, Salvador Dali, Paul “Cool P” Liebegott, Wyndham Lewis, Jacques Villeglé, Karl Holmqvist, Jacques Bonnard, Ric Ocasek, Marian Zazeela, Delphine Coindet, Genesis Breyer P-Orridge, Warren Neidich, Hans Bellmer, Natacha Anderes, Peter Fischli, Roland Topor, Virginia Overton, Andrea Merkx, W. C. Westermann, Fabrice Stroun et tant d’autres. un inventaire partiel de Mathieu Copeland et Circuit
* Préambule d’Henri Michaux à son film “Images du monde visionnaire” de 1964
Le dessin, dans toute sa complexité et sa diversité, existe peut-être et avant tout par son apparente économie. La simplicité possible d’une feuille et d’une technique, un moment pris, une surface remplie. Envisageant le motif et son dessein, l’exposition offre une ouverture nécessaire sur l’écriture et l’art imprimé au travers du dessin et de ces formes possibles de diffusion. Cette exposition s’offre au regard d’une large sélection d’œuvres dessinées et imprimées d’Alan Vega (né en 1938 à Brooklyn), et accompagnant la sortie de l’ouvrage rétrospectif sur l’œuvre de cette figure mythique de la scène alternative artistique New Yorkaise et pionner du rock électronique minimal en tant que cofondateur avec Martin Rev du groupe culte Suicide. Sur plus de 40 ans de création et d’intensité, Alan Vega s’est affirmé comme l’un des artistes et musiciens les plus influents, faisant du Punk le manifeste d’une raison de vivre. Cofondateur en 1969 de MUSEUM A Project of Living Artists à New York, un des premiers lieux alternatifs « artist-run spaces » new-yorkais et ouvert 24h/24, MUSEUM était dédié à toutes les formes d’art, aussi bien visuelles que musicales et cinématographiques, devenant rapidement un tremplin pour un grand nombre d’artistes et de musiciens. Vega écrit alors les « Requêtes du Front de Libération du MUSEUM », une série d’injonctions nécessaires et tellement actuelles incluant par exemple ce cri pour que « les systèmes d’exposition, y compris les sélections pour les expositions collectives, soient abolis. » ou encore donnant « le droit à n’importe quel artiste de retirer une œuvre, de modifier une œuvre, de détruire une œuvre de n’importe quel autre artiste présentant son travail dans l’espace » - un texte signé par un Artiste Américain Anonyme du 20e siècle- qui accueille aujourd’hui les visiteurs entrant à CIRCUIT. À la fin des années 50, Alan Vega étudie notamment avec Ad Reinhardt et Kurt Seligmann au Brooklyn College, et se concentre dans un premier temps sur la peinture, puis le dessin. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière : il crée ses premières « light sculptures », des sculptures lumineuses faites d’assemblage d’objets divers composées d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs. Anti-esthétique, antiforme, le pendant d’un Arte Povera « Made in USA », son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il vit. L’exposition se concentre principalement autour de son œuvre graphique. Vega insiste comment « pour (lui), le dessin a toujours été un devoir, (et) la peinture une douleur ». Dessinant quasi uniquement des visages, il déclare avoir toujours « aimé dessiner des personnes âgées. Elles ont l’image de la vie gravée sur leur visage ». Activité parallèle et nécessaire à son travail musical, Vega ne peut écrire sans dessiner : « Tout comme l’écriture, dessiner constitue une obsession quotidienne. Comme pour l’écriture, faire un dessin surgit subitement. Avec le dessin, il faut partir ailleurs, quelque part où je n’en ai rien à foutre. Je m’assois, l’esprit absent et en paix (…). C’est une manière de mettre à plat L’exposition se propose ainsi comme un écho suicidaire au désir d’une exposition qui n’est autre qu’un inventaire morcelé et subjectif. Son agencement reflète le système d’écriture possible d’une exposition entendue comme le manifeste concrétisé d’une poésie qui se montre. Le chant de mille voix entamant un anthem ou le dessin est l’égale de sa reproduction. Envisageant l’ensemble des œuvres présentes ou suggérées comme un environnement sensible, toutes s’écrivent dans l’espace comme une partition à lire abstraitement. Oscillation sensée de pièces ultra-figuratives qui (se) composent de nouvelles figures et identités poétiques, au contrepoids composé d’une large sélection d’œuvre abstraite, toutes s’offrent à être lues comme la « carte mentale d’une exposition ». Cette phrase devient à son tour le titre de l’ouvrage photocopié mis à disposition au public, un recueil ou se retrouve mis au même niveau toutes les œuvres constituant cette exposition. Les rapports, cohésions ou rejections qui s’opèrent entre chacune des parties constituantes de se regroupement temporaire insistent sur la base qui les unies toutes - le dessin, et ses modes possibles de diffusion. D’un médium à l’autre s’affirme une équivalence sur la valeur nécessaire des œuvres présentées. Hasard arrangé par la géométrie, hors d’une utopie moderne, cet agencement éphémère offre un va-et-vient d’objets référencés, et reproduits… Et si ce qui au départ s’offrait comme un vide premier laissant toutes formes de futures possible, permettons nous de conclure avec une autre phrase d’Henri Michaux, une phrase autant tiré de son magnifique ouvrage de 1948 ‘Meidosems’ « Ils ont abouti ici. Et il n’y a rien à ajouter ».
Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat
NEWS : SWISS EXHIBITION AWARD 2010 to "…avant il n’y avait rien, après on va pouvoir faire mieux…"
L'exposition Continue
Des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault. Une exposition de Mathieu Copeland. Inauguration dimanche 07/02 de 14h à 18h "L’exposition présente des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault . Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse Paintings painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault. " The exhibition shows paintings by Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault. Thought out as a reflexion on the nature of painting, the exhibition is fragmented in a couple of echoing exhibitions. To begin with, there is a classical exhibition of paintings by different artists ; these paintings are, following the fundamental principle of Claude Rutault's work started in 1972, paintd over with the same colour of the wall on which they are hung, affirming thus a second exhibition. Echoing these, a third, fantomatic exhibition is given constituted by monochrome paintings by Claude Rutault of the same formats than the ones painted over inserted within the cneai's architecture. A mirror exhibition, such as an empty echo of the works' present." Mathieu Copeland Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse Toutes les photographies © CNEAI
Voids, Eine Retrospektive
With VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE the Kunsthalle Bern offers an opportunity to explore a crucial chapter in the history of art. Following Yves Klein’s exhibition at the Iris Clert gallery in 1958, the empty space became a recurrent artistic theme. This chronological retrospective exhibition brings together nine empty exhibitions by Yves Klein, Art & Language, Robert Barry, Robert Irwin, Stanley Brouwn, Bethan Huws, Maria Eichhorn, and Roman Ondák. Yves Klein’s 1958 emblematic exhibition ‘The Specialization of Sensibility in Raw Material State into Stabilized Pictorial Sensibility’, which was subsequently referred to as The Void, is widely considered as a turning point in modern art history. The empty space exhibited as such thus became, in a way, a classic of radicalism, and would be repeated and remade in other contexts, other places and other times by other artists whose intentions might be similar, different or even opposed to Klein’s. Also, all forms of historical documentation or memorabilia related to the original exhibition (such as posters, photos, invitations, photo-documentation, press reviews, original texts) are excluded from the exhibition; all such elements being included in the exhaustive catalogue published alongside the exhibition, edited by the curators John Armleder, Mathieu Copeland, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot, Gustav Metzger, together with Laurent Le Bon and Philippe Pirotte. Each void offers a different reading of the empty space, representing, perhaps, a claim, a renunciation, or, indeed, a celebration of the museum or gallery’s space. Contemplating emptiness, one confronts nothingness and absence, the invisible and the ineffable, destruction and negation. VOIDS are offered for what they are, and for what they allow. This accumulation of empty spaces, similar in appearance but radically different in reality, has echoes and implications beyond its walls. More than a radical and conceptual exhibition, the retrospective is an invitation to explore and experience, in a very physical manner, the different texture of each different space. The visitor encounters the empty exhibitions now in 2009, exactly 40 years after ‘When Attitude Become Form’ organised by Harald Szeeman when director of the Kunsthalle Bern. It was such exhibition that enabled this retrospective to be, and one could dream that with the voids, the attitudes, literally, are the forms. This exhibition brings together the work of artists who have attempted this extreme gesture, to exhibit without showing an object, without making any intervention but a single announcement. The exhibition begins with Yves Klein’s 1958 exhibition, and from then on envisages how entirely empty exhibitions have defined different kinds of emptiness, sometimes as a means to signal sensibility as for Klein, sometimes as the peak of a conceptualist or minimalist practice as with Robert Barry’s ‘Some places to which we can come, and for a while “be free to think about what we are going to do (Marcuse)”’ (1970). Sometimes as the desire to explore our understanding of exhibition & exhibition spaces as for Art & Language’s ‘Air Conditioning Show’ (1966-67), or in the case of Robert Irwin’s ‘Experimental Situation’ (1970) as the appraisal of the space, and the affirmation that there is no such thing as nothing. Sometimes as the desire to empty an institution & focus on the experience of walking through it as for Stanley Brouwn, or with Laurie Parsons’ exhibition at the Lorence-Monk Gallery in New York in 1990, announced by a card bearing only an address, with neither dates nor the name of the artist, as a means to announce the artist’s complete withdrawal. Sometimes as the affirmation that there is no need to introduce in a space a work of art as it is already there, as with Bethan Huws’ ‘Haus Esters Piece’ (1993). And again as with Maria Eichhorn’s ‘Money at the Kusnthalle Bern’ who in emptying the Kusnthalle in 2001 worked with the void out of necessity, devoting the exhibition budget to the renovation of the building. And sometimes it is the means to remind us that the most important aspect of any void is the notion of trust and belief, as with Roman Ondak’s ‘More Silent Than Ever (room fitted with eavesdropping devices)’ (2006), a piece that deceives the public in making one believe that there is more when indeed there is nothing. In this respect, from the search for a renewal of perception, through political or ideological statement, to the deconstruction of the very principle of exhibition, these exhibitions pose a range of crucial questions about the role of the institution, and this unprecedented marshalling of eloquent emptiness within the Kunsthalle Bern represents a true challenge to the institution. For an unprecedented exhibition, a unique curatorial team. VOIDS, A RETROSPECTIVE, which is both an exhibition in the most traditional sense and an art event in its own right, has been put together by John Armleder, who has always been interested in nothing; Gustav Metzger, a key figure in auto-destructive art, Mai-Thu Perret, a young conceptual artist, Mathieu Copeland, a curator who explores the limits of the exhibition, Clive Phillpot, a writer; together with Philippe Pirotte, director of the Kunsthalle Bern.
Accompanying and simultaneously to the retrospective at the Kunsthalle Bern, the Museum Haus Lange, Krefeld, will be entirely empty and open to the public for a week (20th - 27th of September) as an invitation to visit Yves Klein’s ‘Raum der Leere’, a permanent void realized in 1961. Accompanying events will also include an evening of performance by Ben Vautier, a screening of films curated by Stuart Comer, a discussion with Mr Jose Miguel Jimenez from CERN, a listening session by Francis Baudevin, and "Absenz - (k)ein konzert" a concert by Ensemble Neue Horizonte. For more information on dates and locations in Bern on all these events, please refer to www.kunsthalle-bern.ch.
VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE is coproduced by the Centre Pompidou, Paris, and the Kunsthalle Bern. Toutes les photographies © Céline Bertin EVENTS accompanying VOIDS, EINE RETROSPECTIVE
Friday 11 September 8pm: FLUXUS & NOTHING by Ben Vautier FLUXUS AND NOTHING by Ben Vautier -- Projecting the Void curated by Stuart Comer Projecting the Void curated by Stuart Comer -- Saturday 3rd of October : A discussion with Mr Jose Miguel Jimenez from CERN’s Vacuum, Surfaces and Coatings Group (TE/VSC) -- Saturday 3rd of October : There Singularly Nothing by Francis Baudevin Francis Baudevin’s Listening Session : There Singularly Nothing -- Sunday 4th of October : « Absenz - (k)ein konzert » by Ensemble Neue Horizonte « Absenz - (k)ein konzert » is a concert considering the void in music performed by the renowned Ensemble Neue Horizonte, and offers a reflection on what could be ‘silent music’. The concert will include pieces from John Cage, Dieter Schnebel, Toshiro Mayutumi, Peter Streiff, Roland Moser, Urs Peter Scheider, and again Mieko Shiomi. -- Accompanying and simultaneously to the retrospective at the Kunsthalle Bern, the Museum Haus Lange, Krefeld, will be entirely empty and open to the public for a week (20th - 27th of September) as an invitation to visit Yves Klein’s ‘Raum der Leere’, a permanent void realized in 1961. for more information please go to: www.kunstmuseenkrefeld.de
"Infinite Mercy", Alan Vega's Retrospective at the Musée d'Art Contemporain de Lyon 15/05 - 02/08 2009 ALAN VEGA
ALAN VEGA, CONNU POUR ÊTRE L’UN DES PIONNIERS DU ROCK ÉLECTRONIQUE MINIMALISTE, COFONDATEUR AVEC MARTIN REV DU GROUPE MYTHIQUE « SUICIDE » AU DÉBUT DES ANNÉES 70, EST AVANT TOUT UN ARTISTE PLASTICIEN ACTIF SUR LA SCÈNE ARTISTIQUE NEW-YORKAISE DÈS LA FIN DES ANNÉES 60. En 1969, Alan Vega (né en 1938 à New York, où il vit et travaille) est l’un des fondateurs du « Projet des Artistes Vivants » (Project of Living Artists), un des premiers lieux alternatifs new-yorkais, tenu par des artistes et ouvert 24h/24. Dédié à toutes les formes d’art, aussi bien à la musique qu’au cinéma, ce lieu devient vite un tremplin pour un grand nombre d’artistes, tels que New York Dolls, Television et Blondie. Dans cet univers saturé, Alan Vega trouve un environnement idéal pour son oeuvre et poursuit simultanément sa carrière musicale et artistique. Il étudie avec Ad Reinhardt au Brooklyn College et se concentredans un premier temps, sur la peinture. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière et il crée ses premières « light sculptures », assemblages d’objets divers composés d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs. / LA PREMIÈRE FOIS QUE J’AI RÉALISÉ UNE « SCULPTURE LUMIÈRE » JE TRAVAILLAIS SUR UNE PEINTURE DE GRAND FORMAT DE COULEUR VIOLETTE. UNE SEULE AMPOULE ÉCLAIRAIT LA PIÈCE, ET COMME J’ALLAIS ET VENAIS, J’AI REMARQUÉ QUE LA PEINTURE PRENAIT DIFFÉRENTS ASPECTS. JE N’ARRIVAIS PAS À OBTENIR L’UNITÉ DE COULEUR QUE JE CHERCHAIS […], J’AI DÉCROCHÉ L’AMPOULE DU PLAFOND, ET JE L’AI LITTÉRALEMENT PLANTÉE SUR MA PEINTURE. CELA M’A OUVERT À L’IDÉE MÊME DE COULEUR, ALORS QUE JE VOULAIS LA CONTRÔLER, J’AI COMMENCÉ À VOIR À QUEL POINT LA LUMIÈRE POUVAIT MODIFIER UNE PEINTURE : C’EST LA LUMIÈRE QUI DÉTERMINE LA PEINTURE […]. DÈS QUE J’AI COMMENCÉ À TRAVAILLER AVEC L’ÉCLAIRAGE, J’AI UTILISÉ DE PLUS EN PLUS D’AMPOULES, À LA PLACE DE PIGMENTS. LES AMPOULES DE COULEUR SONT DEVENUES MA PROPRE PALETTE. / Anti-esthétique, anti-formelle, son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il évolue. Faisant fi de toute préciosité, pour l’une de ses toutes premières expositions à New York en 1972, Alan Vega récupère dans la rue les matériaux qui constitueront des éléments de son oeuvre et les présente dans la galerie. À l’issue de l’exposition, il les rend à leur réalité première, les retournant à la rue. Composée d’un large corpus d’oeuvres créées depuis 1971, cette rétrospective présente un ensemble de sculptures lumineuses, dont les célèbres « crucifix », série initiée au début des années 80. Une version « monumentale » est créée spécifiquement pour l’exposition au Mac LYON.L’exposition présente également un large choix de peintures et plus d’une centaine de dessins exécutés au stylo-bille, totalement inédits : / JE DESSINE EXCLUSIVEMENT DES GENS, LES VISAGES M’INTÉRESSENT PLUS QUE TOUT LE RESTE. JE JETTE LA PLUPART DE MES DESSINS. IL FAUT QUE L’INSPIRATION VIENNE DE FAÇON NATURELLE. ELLE VIENT QUAND J’ÉCRIS DES CHANSONS OU DES POÈMES. IL FAUT JUSTE ESSAYER DE PLONGER AU PLUS PROFOND DE SOI-MÊME. POUR ÊTRE FRANC, JE DÉTESTE ÉCRIRE, ET CURIEUSEMENT, JE NE PEUX M’Y METTRE QU’À CONDITION DE DESSINER UN PORTRAIT. / Dans la logique de son travail de récupération et d’utilisation de matériaux préexistants, l’exposition comme les oeuvres, recycle, réintègre, un grand nombre de « matériaux » des expositions antérieures : verres, murs, structures… / MON ART, C’EST L’ART DE L’OBJET TROUVÉ, ET C’EST AUSSI DE LA RÉCUPÉRATION. / / IL NE S’AGIT PAS D’UN ART LISSÉ ET J’APPRÉCIE LE FAIT QU’ELLES SOIENT COMPOSÉES À PARTIR DE DÉCHETS OU DE REBUTS. / Légendes vivantes de l’histoire du rock et du punk, précurseurs avant-gardistes, avec Suicide, Alan Vega et Martin Rev sont les premiers musiciens rock à introduire systématiquement le beat millimétré de la batterie électronique dans leurs compositions. Alan Vega est cependant beaucoup moins connu comme artiste plasticien, c’est pourquoi, le mac LYON lui consacre ici, sa première grande exposition personnelle rétrospective, présentant plus de 40 ans de création et d’intensité. Mathieu Copeland
ALAN VEGA, KNOWN TO BE ONE OF THE PIONEERS OF MINIMALIST ELECTRONIC ROCK AS THE CO -FOUNDER WITH MARTIN REV OF THE MYTHICAL BAND “SUICIDE”, IS FIRST AND FOREMOST A VISUAL ARTIST ACTIVE ON THE NEW YORK SCENE SINCE THE END OF THE 1960S. In 1969, Alan Vega (born in 1938 in NY, where he still lives & works) was one of the founding members of the “Project of Living Artists”, one of the first alternative artist-run spaces in NY open 24/7. Dedicated to all forms of art, music and cinema, it quickly became a showcase for groups such as the New York Dolls, Television and Blondie. In this saturated universe, Vega found an ideal environment for his work, and pursued his musical and artistic careers in parallel. He studied with Ad Reinhardt at Brooklyn College, initially focusing on painting. Toward the end of the 1960s, his interests shifted toward light as he created his first “light pieces”— assemblages of diverse objects including bulbs, wires, televisions and neon tubes of every shape and colour. / THE FIRST TIME I DID A LIGHT PIECE WAS WHEN I WAS WORKING ON A VERY BIG PURPLE PAINTING. THERE WAS ONE LIGHT BULB IN THE ROOM, AND AS I WALKED AROUND I NOTICED HOW THE PAINTING ACQUIRED DIFFERENT ASPECTS. I WANTED IT TO BE ONE COLOUR, SO […] I TOOK THE LIGHT OUT OF THE CEILING AND REALLY STUCK IT ON THE PAINTING. THAT STARTED ME WITH THE WHOLE IDEA OF LIGHT BECAUSE I WANTED TO CONTROL THE COLOUR, BUT THEN I SUDDENLY BEGAN TO REALIZE JUST HOW MUCH LIGHT AFFECTS A PAINTING — ALL PAINTING IS ABOUT LIGHT. […] AS I STARTED WORKING WITH LIGHT, I STARTED GETTING MORE AND MORE INTO DIFFERENT COLOURS OF LIGHT INSTEAD OF USING PAINT. I STARTED USING LIGHT BULBS OF COLOUR THAT BECAME MY PAINT. / Anti-aesthetic, anti-formal, Vega’s work embraces the contemporary reality in which he is immersed. For one of his first exhibitions in New York in 1972, eschewing all preciosity, he looked to the streets for the materials that would become the elements of his work, and presented them in the gallery. At the end of the exhibition, he gave them back to their primary reality, returning these to the street. This retrospective comprises a large corpus of works created since 1971. Presenting numerous light pieces from all periods, among them the famous series of “crucifixes” which Vega began in the mid-1980s, and a “monumental” version created specifically for the exhibition at the mac LYON.The retrospective also presents a large body of paintings, and more than a hundred ballpoint drawings that have not previously been exhibited : / I DRAW JUST PEOPLE. TO ME A FACE IS EVERYTHING ANYWAY. MOST OF THE DRAWINGS I THROW OUT. IT JUST HAS TO COME OUT WITHOUT THINKING […] WHEN I WRITE LYRICS, OR POETRY, IT COMES FROM MY MIND. IT’S JUST TRYING TO GET DEEP INTO YOURSELF. TO BE HONEST WITH YOU, I HATE WRITING, AND IRONICALLY THE ONLY WAY I CAN SIT DOWN AND WRITE IS IF I DRAW A PORTRAIT. / In the logic of Vega’s work, including the retrieval and re-use of pre-existing objects, it is not just the works, but the exhibition format itself, that recycles and reintegrates various “materials” from previous exhibitions : glass, walls, structures, etc. / MY ART IS AN ART OF THE FOUND OBJECT, AND IT’S ALSO THAT OF SALVAGE. / As living legends of rock and punk history, and avant-garde precursors with Suicide, Alan Vega and Martin Rev were the first rock musicians to systematically introduce electronic drums into their compositions. Alan Vega is however less well known as an artist, this is the reason why mac LYON proposes his first major solo retrospective, representing more than 40 years of creativity and intensity. Mathieu Copeland
Dossier de presse Alan Vega - Infinite Mercy // Service presse Élise Vion-Delphin T +33 (0)4 72 69 17 25 // communication@mac-lyon.com ALAN VEGA - INFINITE MERCY. Toutes les photographies © Céline Bertin, 2009
VIDES, Une rétrospective
Manifestation exceptionnelle, « Vides » est une rétrospective des expositions vides depuis celle d'Yves Klein en 1958. Dans une dizaine de salles du Musée national d'art moderne, elle rassemble, de manière inédite, des expositions qui n'ont rigoureusement rien montré, laissant vide l'espace pour lequel elles étaient pensées.
Comité Curatorial : John Armleder, Mathieu Copeland, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot. VIDES. Une rétrospective. Toutes les photographies © Centre Pompidou, Georges Meguerditchian, 2009
A Spoken Word Exhibition - Baltic, Newcastle Upon Tyne, opening Friday 16/01 A Spoken Word Exhibition A Spoken Word Exhibition is composed of worded artworks (artworks only made of words to be spoken), to be read by BALTIC Crew members to visitors who ask to hear the pieces. Acting as a voice when addressed throughout the building, the Crew repeat the words, sentences or paragraphs, the texts or haikus as written and instructed by the invited artists. Not performing, only using language through the act of reading, the works are available only on demand, initiating an exchange between visitors and BALTIC Crew. The exhibition inhabits the realm of the spoken word, addressing the possibilities of art, memory & exhibition making. The exhibition is constituted of artworks that are to be spoken and exchanged as a verbal gesture from one person to another. Artworks that only last for the time it takes to read them, generating ultimately an exhibition that only lasts for the time it takes to listen. A Spoken Word Exhibition is an exhibition of the same nature & material as that of the artworks that constitutes it, which are words. Contributing artists are Vito Acconci, Fia Backström, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currie (aka Momus), Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomas Vanek, Tris Vonna-Michell, Lawrence Weiner, and Ian Wilson. Please ask to hear the artworks. An exhibition by Mathieu Copeland
Une Exposition Chorégraphiée
Une Exposition Chorégraphiée est une exposition composée exclusivement de mouvements. Pendant un mois et demi, six heures par jour, trois danseurs interprètent les partitions écrites par huit artistes. L’ensemble de ces partitions est orchestré par le commissaire d'exposition qui crée le déroulé général, sorte de mouvement chorégraphique ou musical à plusieurs thèmes.
Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind
Centre d'art de la Ferme du Buisson Horaires Accès depuis Paris Le Centre d'art contemporain de la Ferme du Buisson bénéficie du soutien de la Drac Ile-de-France/Ministère de la Culture et de la Communication, du SAN Val-Maubuée et du Conseil Général de Seine-et-Marne. Il est membre des réseaux tram et d.c.a. ‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).
L'exposition Continue David Cunningham, vernissage le vendredi 3 octobre à 18h
Lausanne, Switzerland www.galerie1m3.com & http://www.circuit.li/
The Saints, and Music & Films by Amy Granat With Fia Backström, Jutta Koether, Amy O’Neill, Mai-Thu Perret, Emily Sundblad, Stefan Tcherepnin, Angel Turner
Opening the 26th of April, at 14.00, with ‘Emotional Music’ a performance with Amy Granat, Emily Sundblad and Stefan Tcherepnin. An exhibition curated by Mathieu Copeland 26 April to 14 June 2008 Sketch Gallery, London
Le Dojo, La Villa Arson et le laboratoire de mémoires présentent
vernissage vendredi 2 mai à 18h Exposition collective de & avec BENJAMIN BICHARD, ANNA BYSKOV, ZORA CAHUSAC, MARION CHARLET, CAMILLE DEBRAY, ALYS DEMEURE, MAILYS D.PERRET, LOUP GANGLOFF, SOPHIE GRANIOU, LAURIE GERARDO, YASMINA HATEM, CINDY LELAURIN, SANDRA LORENZI, AURELIE MENALDO, MARYLINE M'GAIDES, STEPHANIE RAIMONDI, COLINE VECTEN, sur une proposition de MATHIEU COPELAND, avec NOËL DOLLA & PASCAL PINAUD
LE DOJO
A Spoken Word Exhibition / Mluvené slovo - TranzitDisplay Prague 18th of March - 20th of April 2008 A Spoken Word Exhibition - Tranzit/Display - 18th of March - 20th of April 2008 tranzitdisplay
Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currrie, Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomáš Vaněk, Lawrence Weiner, Ian Wilson a Series of Spoken Word Events will take place during the course of the exhibition Spoken Word Events by King Mob (17. 4.), Susan Stenger (18. 4.), Karl Holmqvist (19. 4.) and Fia Backström (20. 4.)
Exhibitions view - far right still of INSTANT EXTRA+, a spoken word event by Fia Backström
A Choreographed Exhibition / Eine Choreographierte Ausstellung
‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition only composed of movements. For over a month and a half, three dancers from the Tanzkompanie Theater St. Gallen are present in the kunsthalle during the opening hours to perform in space the choreography of movements, patterns and choreographed gestures, following the scores and instructions as provided by the invited artists, dancers, and choreographers.
Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind
Kunsthalle St Gallen, Davidstrasse 40, CH-9000 St. Gallen
‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).
A Spoken Word Exhibition & A Series of Spoken Word Retrospectives 1st / 7th of November 2007 A Spoken Word Exhibition, and a Series of Spoken Word Retrospectives Guest curator Mathieu Copeland presents “A Spoken Word Exhibition” at the Swiss Institute - NY. The exhibition consists of artworks repeated by the Institute‘s staff. By leaving the gallery space empty and making works available only on demand, an exchange is initiated between spectators and the gallery staff. An exhibition of the same nature & material as that of the artworks that it is constituted of, which are words. Artworks only spoken, exchanged as a verbal gesture from one person to another, generating ultimately an exhibition that only last the time it takes to hear it. Artists contributing to “A Spoken Words Exhibition” include Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currie (aka Momus), Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomas Vanek, Lawrence Weiner, and Ian Wilson. Through the artist’s voice and words, The Spoken Word Retrospectives present us with the whole of an artist’s career, generating a mental retrospective in the mind of the one who hears it, as said & seen by the artist. A spoken word retrospective begins with everything, and produces nothing more, only everything. Artists contributing to “A Series of Spoken Words Retrospectives” include David Medalla and Gustav Metzger.
Swiss Institute [SI] - 495 Broadway 3rd Floor - New York NY 10012
Biennale d'art contemporain de Lyon, 19 septembre 2007- 6 Janvier 2008- artiste invitée Mai-Thu Perret avec 'An Evening of the Book' www.biennale-de-lyon.org/bac2007/fran/
L’œuvre pensée pour la biennale par Mai-Thu Perret se trame avec en toile de fond ‘An Evening of the Book (une Soirée pour le Livre)’ (1924), une pièce de théâtre agit-prop. Mis en scène par Vitalii Zhemchuzhnyi, cette propagande pour le livre aux décors et costumes conçus par Varvara Stepanova s’organisait comme une expérimentation dans l’agitation artistique pour les masses par le livre avec des étudiants de l’Académie de l’Education Communiste. De plus, il est à noter le parallèle entre cette histoire et le présent livre d’histoire, autant formellement de par l’importance de leurs graphismes que dans cette volonté d’écrire au présent une histoire en cours. Tout comme ‘An Evening of the Book’ présente le conflit entre les héros des livres pré-révolutionnaire et ceux de la nouvelle révolution, les personnages sortant tous au fur et à mesure des pages d’un livre géant présent sur scène ; Cette biennale se matérialise dans un livre ou l’histoire de l’exposition devient l’histoire d’un livre d’histoire (d’histoires ?). Il nous reste à espérer que tout comme dans cette pièce des années vingt, l’écriture en cours voit la victoire revenir aux héros révolutionnaires.
Filmstills "An Evening Of The Book", © Mai-Thu Perret, 2007
Mai-Thu Perret’s installation ‘An Evening of the Book’ finds its origins in the agit-prop theatre piece ‘An Evening of the Book’ from 1924. Directed by Vitalii Zhemchuzhnyi, this propaganda for the book whose costume and set was designed by Varvara Stepanova was organised as an experimentation on mass artistic agitation through the book, with the students from the Communist Education Academy.
An exhibition with Loris Gréaud and Arnaud Michniak, by Mathieu Copeland Hong Kong, Hong Kong City Hall, 14th of May - 27th of May 2007 - Launch : Sunday the 13th of May, 7.15, Agnes b Cinema / Hong Kong Arts Centre - Screening followed by a public discussion
exhibition views / vues d'exposition
The exhibition appears as a moment frozen in time. A place where the viewers constantly celebrate the opening of an exhibition in a gallery whose size is gradually reduced, and that in turn reduces the view over the city. The first movement of the exhibition comes with the present DVD that acts as a catalogue. Widely available, it features two new-commissioned films by Loris Gréaud and Arnaud Michniak both filmed in Hong Kong. The film ‘Celador, un goût d’illusion’ by Loris Gréaud is an advertising for a candy that taste of illusion. The film by Arnaud Michniak “Sound take in a hospital” focuses on arrested moments in the midst of a city in constant movement. The exhibition at the Hong Kong City Hall appears minimal, if not empty. The films realised for the exhibition are shown sporadically throughout the exhibition. Our experience in the gallery is somehow what we are told of these works. There, everything remains, but nothing is left. Nothing seems to happen. The only element that evolves throughout the exhibition is, paradoxically, the space itself. The art is simply everything else.
Film Stills
« Exhibitions’ Ruins / Emotional Landscapes » With / Sýningin er unnin á grunni verka frá eftirfarandi listamönnum An exhibition by / Sýningarstjóri Mathieu Copeland. At the SAFN Collection / Í Safni; samtímalistasafni, Reykjavik, 17/03 – 12/05/2007 « Exhibitions’ ruins / Emotional Landscapes » is a discursive exhibition on the nature of exhibitions, or rather on what remains of exhibitions; Somehow a necrophagous & cannibal exhibition – not only is this exhibition composed of remains, or fragments, of exhibitions, but it feeds itself from these. The artworks are as many autonomous elements that articulate themselves around their past histories, past moments of exhibitions. Assembled, they generate an exhibition constituted of elements that fundamentally belongs to itself, literally creating its support structure. To use a common analogy, as opposed to the idea of a ghost, here we only deal with a shell, the rests of a decomposing corpse. Here the exhibition is constituted of remains, here only the exhibition remains. An exhibition that becomes the shadow of a corpse, the corpse becoming its form. Similar to a constant expectation, this temporary recreation of diverse exhibitions uses bribes of the past as as-many fundamental elements for an exhibition to come. Similarly to decomposition being an active process, the artworks that compose the exhibition are as many invitations to engage with the landscape they contributed, and contribute, to form. These emotional landscapes, these artworks are somehow referent to imaginary (or extinguished) landscapes. These environments emotionally charged refer to the creation of abstract environments, landscapes that reveals themselves as we are presented with them. Illusory as they are personal and mental, these moments characterise all the reactions that we experience when confronted to this temporary grouping of art works (an exhibition) – artworks that constitute an exhibition that embodies itself in the mind of the one who sees it. Each artwork draws a part of the environment of an exhibition, and further more offers an environment in itself.
“The Movement of People Working”
Images © Phill Niblock AN INTERVIEW WITH PHILL NIBLOCK (22/11/2006) The opening on January 20th featured flautist/bassist Susan Stenger (Band Of Susans/Big Bottom) and guitarist Robert Poss (Band Of Susans), long-time performers of Niblock's music, playing 4 pieces (some of which were composed especially for them). Sketch Gallery, London, 20th of January until the 10th of March 2007.
www.showtitles.com
IT IS WITH GREAT PLEASURE THAT WE ANNOUNCE THE LAUNCH OF THE SHOW TITLES WEBSITE. ACCOMPANYING THE EXHIBITION ‘THE TITLE AS THE CURATOR’S ART PIECE’, AN EXHIBITION THAT USES ONE OF THE SHOW TITLES WRITTEN BY MEXICAN BORN, LONDON BASED ARTIST STEFAN BRÜGGEMANN, THIS WEBSITE OFFERS THE POSSIBILITY TO VIEW, AND TO HEAR, ALL 728 SHOW TITLES WRITTEN TO DATE. THE SHOW TITLES IS A WORK IN PROGRESS BY STEFAN BRÛGGEMANN OF TITLES FOR EXHIBITIONS. FREELY AVAILABLE, THESE ARE TO BE USED AS ONE WISH. WITHOUT ANY NEED TO ASK FOR ANY AUTHORISATION, THESE ARE TO BE USED AS THE SHOW TITLE, AND CREDITED AS AN ART PIECE BY STEFAN BRÛGGEMANN (SHOW TITLE, #XXX BY STEFAN BRÜGGEMANN). A COPY OF THE INVITATION CARD, AND ANY PRINTED MATERIAL, IS TO BE SENT TO THE FOLLOWING ADDRESS: SHOWTITLES, FLAT 3, 84 BLACKFRIARS ROAD, SE1 8HA, LONDON, UK.
Online now.
The title as the curator's art piece* A summer Show by Mathieu Copeland A painting exhibition with Jaroslaw Flicinski & Claude Rutault A spoken word exhibition with Douglas Coupland, Nick Currie (aka Momus), Karl Holmqvist, Tomas Vanek, Lawrence Weiner & Ian Wilson *Show title #347, by Stefan Brüggemann Exhibition running from the 21st of June until the 2nd of September Blow de la Barra, 35 Heddon Street, London W1B 4BP Tel + 44 (0) 2077347477 info@blowdelabarra.com
A publication accompanies the exhibition featuring discussions with artist and musician Nick Currie (aka Momus), curator Raimundas Malasauskas, and artist Claude Rutault.
Soundtrack composed by/composée par Susan Stenger [Band of Susans] with contributions by/avec des contributions de Robert Poss [Band of Susans] , Alan Vega [Suicide], Alexander Hacke [Einstürzende Neubaten], F.M. Einheit [ex Einstürzende Neubaten], Kim Gordon [Sonic Youth], Mika Vainio [Pan Sonic], Bruce Gilbert [Wire], Ulrich Krieger, Warren Ellis [The Dirty Three, The Bad Seeds], Jim White [The Dirty Three], Jennifer Hoyston [Erase Errata], Andria Degens (Pantaleimon), Spider Stacy [Pogues] Paintings by/Peintures par John Armleder, Steven Parrino Feature film by/Film par Kristian Levring An exhibition by/Une exposition de Mathieu Copeland
Exhibition View / Vues d'exposition : Soundtrack for an Exhibition comprises three main elements: a specially commissioned sound The sound piece, composed by Susan Stenger and featuring contributions from a stellar list of During this period a feature film [The King Is Alive, by Danish filmmaker and Dogme95 signatory It is in the confrontation of these exhibition components with the soundtrack and with each soundtrack for an Exhibition (fr - eng) - 8th March until 11th June 2006 - Musée Art Contemporain Lyon
EA C / Expat Art Centre is an ongoing exhibition that takes place when the art centre, the museum... is closed, inserting itself between two exhibitions. With Brian Eno, Pierre Huyghe, Ben Kinmont, Claude Leveque, Didier Marcel, Olivier Mosset, Shimabuku, Dan Walsh, Ian Wilson. An exhibition by Mathieu Copeland Exhibitions Views / Vues d'expositions : Exhibitions Views: ICA London, Musée Art Contemporain Lyon, Muzeum Sztuki Lodz, CAC Contemporary Art Centre Vilnius, Kunstihoone Tallinn. © The Artists & Mathieu Copeland. Expat-art Centre / EA C Expat-Art Centre / EA C is an exhibition that takes place when the galleries of an art institution, i.e. a museum or an art centre are closed. It takes place in the time that follows the closure of an exhibition leading to the installation of the following one, or during those moments of inaction dictated by financial circumstances, refurbishment or other reasons. EA C bears all the constitutive parameters that define an exhibition, yet altering only one when in switching the context of space to non space. This curatorial model simultaneously becomes both an exhibition in a moment of time and an exhibition of a moment of time, situated in the in-between; the in-between of times, of spaces as well as the in-between of exhibitions and venues. Ian Wilson's work, 'There was a discussion' (2004), could literally signify this schism - the interstice between time and exhibition - as a result of passing discussions, encompassing several continuums such as the discussion between two exhibitions within this momentary pause, and the passing discussions throughout Wilson's career who in 1968 hailed discussion as his art form. This inbetween becomes the social and democratic interstice of art production and the reintroduction of a moment of conviviality in a cold economic factor. EA C does not only take the usual and pre-formatted exhibition calendar of an exhibition venue (inward look) into consideration, but the entire system that is created by the multitude of institutions (outward look). EA C is both the negative of the exhibition calendars and schedules as well as the exponential accumulation of previously unused time. 'Exhibition like Moon' (2004), to borrow the title of Shimabuku's contribution to the exhibition, EA C is an exhibition whose path mirrors that of the moon. In the empirical believe that we will see the moon the following night, this exhibition has the potential to simultaneously be everywhere, travelling the globe, becoming an exhibition happening everywhere, at all times, with all people. This in turns echoes beautifully with how Brian Eno envisaged his piece for EA C, 'a self generative art work travelling the globe'. Since EA C is self contained and generative, portraying the model of an exponential exhibition, the outcome is easily identifiable. Since this is an exhibition that happens when the art institution is closed, as such it only exists in this form through the work of the artists, and only the ignition of the process will enable its permanent movement. An exhibition of time with no date, of place with no space. Artist Pierre Huyghe reintroduces the notion of time and locality, characterising the moment in which this exhibition takes shape. In each of the subsequent venues, a local newspaper cover will be stripped bare of its entire contents, with only the dates of the exhibition remaining, and an indication of the idea of the location through the name of the newspaper. While Huyghe models the remaining shred that defines this exhibition (time and location), in his work 'This isn't it' (2004), the artist Ben Kinmont leaves the art institution with only a trace of evidence that an event has taken place. Visitors are then invited to sign up to a subscription of photographs taken of each occurrence of the same event in subsequent venues. Ultimately only the accumulation of Pierre Huyghe's newspaper front covers, and the cumulative publication co-ordinated by Kinmont, will reveal the time and place that constitute the exhibition. In equally considering the monochrome, the sign and the motif, Olivier Mosset considers painting in an environment denying paint. In stacking two model chairs one on top of the other in an environment denying space, Didier Marcel has created both an abstract drawing and a model that reflects the status of the closed art institution. Claude Lévêque, in his piece 'Elise Van Elise' (2004), has conceived the 'unifying factor' of an exhibition. Through an economy of means, Lévêque presents us with the artificial recreation of a space. Dan Walsh's glass panel will gradually crack and break over time though its longevity will be sustained, as through each presentation it will decay and disappear, enabling its permanent existence. This combined with its inherent transparency offers a beautiful parallel to the thinness and fragility of an exhibition simply defined by two moments in time. By Mathieu Copeland
PDF Leaflet of the exhibition ICA London - English Musée d'Art Contemporain Lyon - Francais Muzeum Sztuki - Polish CAC - Lithuanian Kunstihoone - Estonian Bizart - Chinese
David Cunningham / Sebastien Roux
Wall paper music - Sebastien Roux (LOT Bristol)
Exterior - David Cunningham (AA London)
Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans (Centre Point London) "Meanwhile…across town", by Cerith Wyn Evans, permeated the centre of London with a Morse code message transmitted from the neon signs of the landmark Centre Point Tower on Oxford Street. Produced by Forma and curated by Mathieu Copeland, witnessed by hundreds of thousands of people who see the Centre Point Tower from across London every day, Wyn Evans used the letters 'o' and 'i' from Centre Point's signs to transmit an extract from The Visible and the Invisible, an unfinished book by the French existentialist philosopher, Maurice Merleau-Ponty [1908-1961]. The building may be seen as a host organism infected with a virus - the code of a dying language that has taken up temporary residence. The text became buried in the urban landscape, where the pulsating narrative of the Morse code signal might even suggest that every other flashing light might be beaming out its own story. This invasion of the social fabric of the City was at the core of the artist's intentions. "Meanwhile…across town" appeared as an elegant and subtly perverse way of pointing to no more than the communication itself; through the archaic communication tool of Morse code, broadcasted across town, its message became, ultimately, temporarily, an intrinsic part of the cityscape. 14 Feb – 31 Mar 2004 | Centre Point Tower, London, UK An exhibition by Mathieu Copeland
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Phill Niblock – Nothing but working
One of the great experimental composers of our time, Phill Niblock has during his sixty-year career produced minimalist music, structural cinema, dance performance, improvised theatre, systematic art, and ethnographic photography. Since 1985, Niblock has served as director of Experimental Intermedia, a foundation for avant-garde music based in New York, and curator of the foundation’s record label XI. This catalogue is devoted to Niblock’s wide intermedia art, including his masterpieces the Six Films (1966-69), the Environments (1968-72) and The Movement of People Working (1973-91). A thorough publication that includes Charles Mingus, Billy Strayhorn and Duke Ellington, Elaine Summers, Yoko Ono, Sun Ra, The Open Theatre, Muna Tseng and Arthur Russell. www.buchhandlung-walther-koenig.de
--LAUNCH @ CENTRE POMPIDOU, PARIS-- Projection and discussion À l’occasion de la parution du catalogue Phill Niblock. Nothing but working (Walther Koenig, 2023), le compositeur américain rencontre le commissaire d’expositions Mathieu Copeland pour discuter de la place de l’image en mouvement dans son œuvre. Pour chaque événement, Niblock extrait la réalité d'un territoire donné et, avec ses collaborateurs, génère un environnement temporaire dense d'images projetées, de musique et de mouvement à l'intérieur d'un espace de performance ou de musée. Ten Hundred Inch Radii/Environment IV, dont le film est présenté lors de cette séance au Centre Pompidou, pousse à son paroxysme ce format, en y rendant la nature plus abstraite « par la proximité de l’image, par l'exclusion de l’arrière-plan, et surtout par la façon dont [il] utilise la lumière » comme le souligne le compositeur. Présenté pour la première fois les 8 et 9 Avril 1972 au Everson Museum of Art de Syracuse (NY), Ten Hundred Inch Radii/Environment IV (aussi intitulé THIR) a été tourné en utilisant uniquement une lumière directe et naturelle. Elle devient pour Niblock autant le sujet du film que les fleurs et les insectes, les montagnes et les ruisseaux. Programme : La séance se prolonge aux Instants Chavirés, le 21 avril 2023 à 21h, avec un concert de Phill Niblock et Katherine Liberovskaya. NuDaf, sa pièce de 65 minutes pour basson composée pour et interprétée par Dafne Vicente-Sandoval, est présentée en première mondiale accompagnée de Sumatra 1990, une œuvre film/vidéo, nouvellement éditée et encore inédite en Europe Remerciements : Phill Niblock, Mathieu Copeland, Laurent Ligavant et l’association La Fabrique Agitée, ainsi que les équipes de La librairie du Centre Pompidou. Phill Niblock (1933, vit à New York) a produit, au cours de ses soixante ans de carrière,une œuvre musicale minimaliste et son équivalent visuel au travers d’un cinéma structurel, de performances de danse, du théâtre improvisé, d'art systématique et de photographie ethnographique. Depuis 1985, Niblock est directeur d’Experimental Intermedia, une fondation pour la musique d’avant-garde installée à New York, et directeur artistique du label de la fondation XI.
Philippe Decrauzat–DELAY Authors: Jimena Canales, Mathieu Copeland, Philippe Decrauzat, Lydie Delahaye, Genesis Breyer P-Orridge, Michel Gauthier, Peter Kubelka, Tan Lin, Joaquim Moreno, Bob Nickas, Arnauld Pierre, Jonathan Pouthier, Peter Saville
“Decrauzat’s work can be understood as the unique encounter between a form of ‘referential abstraction’ and a ‘self-reflexive optics’. As such, it is necessary to understand the reexamination that it henceforth carries out. When abstract painting referred to itself, as Greenberg desired, or when it referred to vision, as with optical kinetics, it did not look to an external referent; and when it was referential or citational, as with appropriation art, it was neither meta-pictorial nor metascopic. In other words, the juxtaposition that Decrauzat creates in his art is rare and the effects of the two logics at work remain to be evaluated.” “The relationships between catalogue and exhibition, book and artist, monograph and oeuvre, underpin this structuralist, minimalist, repetitive, and systematic study, presented here as a distant echo of an ongoing oeuvre. The Delay posited by Philippe Decrauzat, a recurrent motif in his work, goes hand in hand with the urge to create a monograph that thinks through and extends the origins of the work itself.” This important book is not an ordinary monograph publication but was thought of as a tool allowing both to apprehend the work of Philippe Decrauzat, but also and above all, to deepen the research fields and themes that the Swiss artist summons or evokes. Edited by Mathieu Copeland, author of numerous exhibitions and publications, and published in English and French by König Books, this book is the first major publication devoted to the work of Philippe Decrauzat. It presents a series of original texts by Jimena Canales, Lydie Delahaye, Genesis Breyer P-Orridge, Michel Gauthier, Peter Kubelka, Tan Lin, Joaquim Moreno, Bob Nickas, Arnauld Pierre, Jonathan Pouthier and Peter Saville, as well as an important iconography of the artist’s films, paintings, installations and sculptures from the past fifteen years. www.buchhandlung-walther-koenig.de
Philippe Decrauzat (Lausanne – Switzerland, 1974) is co-founder of the contemporary art centre CIRCUIT in Lausanne. He is a professor at the Ecole Cantonale d'Art de Lausanne (ECAL). His work has been the subject of numerous solo exhibitions including: Portique regional center for contemporary art in Le Havre, 2021–2022; Blueproject Foundation, Barcelona 2019; Le Magasin, Grenoble, 2014; Le Plateau/Frac Ile-de-France, Paris, 2011; Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, 2010; Museum Haus Konstruktiv, Zürich, 2009; Secession, Vienna, 2008; Centre d’art contemporain Genève, 2006; Mamco, Geneva, 2005. It has also been shown in numerous group exhibitions, notably at the Kunsthaus in Zürich, at the Grand Palais in Paris, at MoMA New York and at the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. His works are in numerous public and private collections including the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, Musée d’Art Moderne Centre Georges Pompidou in Paris, MoMA New York, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Kunsthaus Zürich, Kunsthaus Aarau, MAMCO in Geneva and Musée Cantonale des Beaux-Arts de Lausanne. The laureate of numerous prizes including the 2018 Aurélie Nemours Prize, Philippe Decrauzat is nominated for the 2022 Marcel Duchamp Prize.
Philippe Decrauzat - DELAY Auteurs: Jimena Canales, Mathieu Copeland, Philippe Decrauzat, Lydie Delahaye, Genesis Breyer P-Orridge, Michel Gauthier, Peter Kubelka, Tan Lin, Joaquim Moreno, Bob Nickas, Arnauld Pierre, Jonathan Pouthier, Peter Saville « L’oeuvre de Philippe Decrauzat se présente comme la singulière rencontre d’une abstraction référentielle et d’une optique autoréflexive. Il faut prendre la mesure de la redistribution qui ainsi s’opère. Quand la peinture abstraite s’occupait d’elle-même, comme le souhaitait Greenberg, ou quand elle s’intéressait à la vision, comme avec l’optico-cinétisme, elle ne cultivait pas les références externes. Et quand elle était référentielle, citationnelle, comme chez les appropriationnistes, elle n’était ni méta-picturale, ni méta-scopique. En d’autres termes, la conjoncture créée par l’art de Decrauzat n’est pas commune et les effets du croisement des deux logiques à l’œuvre restent à mesurer. » « Le rapport du catalogue à l’exposition, du livre à l’artiste, de la monographie à l’œuvre, est la base de la construction de cet ouvrage structuraliste, minimaliste, répétitif et systématique, qui se présente comme un écho distant d’une œuvre en cours. Ce delay affirmé par Philippe Decrauzat, et qui est en soi un motif récurrent de son travail, va de pair avec la volonté de proposer un outil monographique qui pense et prolonge les origines même de l’œuvre. » Cette importante publication n’est pas un catalogue monographique ordinaire mais a été pensée comme un outil permettant à la fois d’appréhender le travail de Philippe Decrauzat, mais aussi et avant tout, d’approfondir les champs de recherche et les thématiques que l’artiste suisse convoque ou évoque. Dirigé par Mathieu Copeland, auteur de nombreuses expositions et publications, et publié en anglais et français par König Books, ce livre constitue le premier ouvrage d’envergure consacré à l’œuvre de Philippe Decrauzat. Il présente un ensemble de textes inédits de Jimena Canales, Lydie Delahaye, Genesis Breyer P-Orridge, Michel Gauthier, Peter Kubelka, Tan Lin, Joaquim Moreno, Bob Nickas, Arnauld Pierre, Jonathan Pouthier et Peter Saville, ainsi qu’une importante iconographie des films, peintures, installations et sculptures de Philippe Decrauzat des quinze dernières années. www.buchhandlung-walther-koenig.de
Philippe Decrauzat (Lausanne, 1974) est co-fondateur de l’espace d’art contemporain CIRCUIT à Lausanne et professeur à l’École Cantonale d’Art de Lausanne. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans des centres d’art et musées dont : Portique centre régional d’art contemporain du Havre (2021-2022) ; Blueproject Foundation, Barcelone (2019) ; Le Magasin, Grenoble (2014) ; Le Plateau/Frac Île-de-France, Paris (2011) ; Musée Cantonal des Beaux-Arts, Lausanne (2010) ; Museum Haus Konstruktiv, Zürich (2009) ; Secession, Vienne (2008) ; Centre d’art contemporain, Genève (2006) ; Mamco, Genève (2005). Ses œuvres ont également été présentées dans de nombreuses expositions collectives, notamment au Kunsthaus à Zürich, au Grand Palais à Paris, au MoMA à New York et au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, et sont dans de nombreuses collections privées et publiques dont le Albright-Knox Art Gallery à Buffalo, le Musée national d’Art moderne Centre Georges Pompidou à Paris, le MoMA à New York, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Kunsthaus à Zürich, le Kunsthaus à Aarau, ou encore le MAMCO à Genève et le Musée Cantonale des Beaux-Arts à Lausanne. Lauréat de nombreux prix dont le prix Aurélie Nemours (2018), Philippe Decrauzat est nominé pour le prix Marcel Duchamp 2022.
MARIE-HÉLÈNE LEBLANC, JENNIFER LACEY, LÆTITIA SADIER, MATHIEU COPELAND
La collection Digressions accueille son dixième opus à l’occasion de la première de Une exposition mise en scène, samedi 11 septembre au théâtre de La Ferme du Buisson. Mathieu Copeland, commissaire d’exposition, questionne la signification de ce qu’il nomme « chorégraphier l’exposition » au fil de trois conversations avec Marie-Hélène Leblanc, commissaire, Jennifer Lacey, chorégraphe et Lætitia Sadier, musicienne. Envisageant la porosité des frontières entre les arts dits « plastiques » et ceux de la scène, au-delà d’une forme ou d’un vocabulaire dicté par l’espace d’un lieu, Mathieu Copeland poursuit ici sa réflexion sur la nature même de l’exposition qu’il transpose à la scène, le temps d’un spectacle. Se délestant de la réalité physique de l’objet, l’exposition existe uniquement par le prisme de l’expérience vécue par le·la spectateur·rice. Un libretto est également édité par Mathieu Copeland en partenariat avec La Ferme du Buisson et Captures éditions. Il rassemble les retranscriptions des textes des treize artistes invités : Art & Language, Fiona Banner aka The Vanity Press, Robert Barry, Luis Camnitzer, Braco Dimitrijević, Coco Fusco, Giovanna, Joseph Grigely, Swetlana Heger, Florence Jung, Ghislaine Leung, David Medalla and Michael Portnoy dont les œuvres rêvées, réelles ou disparues sont interprétées par Jennifer Lacey et Lætitia Sadier sur un fond de scène de Gaylen Gerber.
MARIE-HÉLÈNE LEBLANC, JENNIFER LACEY, LÆTITIA SADIER, MATHIEU COPELAND
The Digressions series welcomes its tenth opus with A Staged Exhibition, which finds curator Mathieu Copeland delving into “choreographing exhibitions” in conversations with curator Marie-Hélène Leblanc, choreographer Jennifer Lacey and musician Lætitia Sadier. In considering the porosity of the boundaries between the so-called plastic arts and the performing arts, and transcending the forms and vocabularies dictated by the space of an exhibition venue, Mathieu Copeland continues his probing of the very nature of the exhibition….”le temps d’un spectacle”…Dispensing with the physical reality of the object, the exhibition exists solely through the prism of the spectator’s experience. In partnership with La Ferme du Buisson and Captures éditions, Mathieu Copeland is also publishing a booklet containing transcriptions of the texts of the 13 guest artists – Art & Language, Fiona Banner aka The Vanity Press, Robert Barry, Luis Camnitzer, Braco Dimitrijević, Coco Fusco, Giovanna, Joseph Grigely, Swetlana Heger, Florence Jung, Ghislaine Leung, David Medalla and Michael Portnoy – whose dreamed, real or vanished works are interpreted by Jennifer Lacey and Lætitia Sadier against a backdrop by Gaylen Gerber. In partnership with the Galerie UQO – Université du Québec en Outaouais and with the support of Fluxus Art projects
Writings (1953-2016) Bringing together more than 180 texts written between 1953 and 2016, this comprehensive volume establishes artist and activist Gustav Metzger as a towering figure of the 20th century, a long-overdue recognition of the artist's influential vision. Renowned for his use of unstable materials and chemical reactions to create artworks that embody processes of change, destruction, and renewal, Metzger was also a prolific writer, theoretician, and satirist. His interest in technology and science lead him to create such concepts as auto-destructive and auto-creative art—terms he coined with his manifestos on “Auto-Destructive Art” in 1959 and “Auto-Creative Art” in 1961. He put these ideas into action with artworks made to decay, desintegrate, or change following natural processes.
Edited by Mathieu Copeland
-- Writings (1953-2016) Rassemblant plus de 180 textes écrits entre 1953 et 2016, ce volume complet positionne Gustav Metzger comme une figure parmi les plus influentes du XXe siècle, en tant qu'artiste, activiste, mais également écrivain, théoricien et satiriste prolifique.
Edité par Mathieu Copeland ISBN : 978-3-03764-535-2 https://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=7141&menu=0
HYPER-PALIMPSEST This publication reflects upon the exhibition of Stefan Brüggemann's nihilist statements read, sung, and screamed by Punk icon Iggy Pop, sculpting aurally the spaces of a seemingly empty gallery covered in densely painted black paneling paintings.
Edited by Mathieu Copeland. Published with B.C. Press. ISBN : 978-2-37896-091-9
-- HYPER-PALIMPSEST Basée sur l'exposition des « Hyper-Poems » de Stefan Brüggemann, des déclarations nihilistes lues, chantées et hurlées par l'icône punk Iggy Pop, dont la voie emplissait les espaces d'une galerie en apparence vide, seulement recouverts de peintures noires, cette publication oscille entre le souvenir d'une exposition et un livre d'art à lire, proposant au lecteur de faire l'expérience de la matérialité des mots. L'ouvrage contient une conversation entre Stefan Brüggemann, Mathieu Copeland et Iggy Pop, un essai de Norman Rosenthal et Jonathan P. Watts, ainsi que les 69 textes de Brüggemann imprimés à l'encre noire sur papier noir, redoublant le geste de négation du palimpseste.
Edité par Mathieu Copeland. Publié avec B.C. Press. ISBN : 978-2-37896-091-9
A PERSONAL SONIC GEOLOGY Since 2012, Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat produce videos stemming from “a desire to film sound, record places, and dive into the process of a material construction and destruction.” This publication—between artist's book and critical essay—considers all films produced until then by the art critic and the artist, and offers a basis for reflexion and work for those to come. The 488 pages of this book includes over 2200 images from the films and exhibitions views. It includes critical texts as well as original statements by artists and musicians who collaborated with the duo.
Foreword by Charles de Meaux. Graphic design: Nicolas Eigenheer. Published with Mousse Publishing. ISBN : 978-8-867493-43-2
-- A PERSONAL SONIC GEOLOGY Depuis 2012, Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat réalisent des vidéos nées du désir de « filmer le son, d'enregistrer des lieux et de plonger dans la matière des processus de fabrication et de destruction ». Cette publication – entre livre d'artiste et ouvrage critique – envisage l'ensemble des films produits à ce jour par le critique d'art et par l'artiste et s'offre telle une base de réflexion et de travail pour ceux à venir. Les 488 pages de l'ouvrage regroupent plus de 3000 images issues des vidéos et des vues d'exposition. Il comprend également une série de textes critiques et d'écrits d'artistes et de musiciens qui ont collaboré avec le duo par le passé.
Avant-propos de Charles de Meaux. Conception graphique: Nicolas Eigenheer. Publié avec Mousse Publishing. ISBN : 978-8-867493-43-2
THE ANTI-MUSEUM The Anti-museum book addresses the idea of anti-art in a broad sense, evoking attempts to disrupt rules and customs in diverse artistic disciplines. One must not forget that the notion of anti-art is set against the one that "everything is art"; they are conjoined. Both contradictory and provocative, they translate an artist’s desire to challenge art with its own means. Mathieu Copeland and Balthazar Lovay, together with a stellar list of contributors, present the first extensive exploration of the radical and paradoxical concept that is ‘the anti-museum’ – a term so present in art history and yet that has never been the object of a detailed investigation and definition. Artists surveyed include: John Armleder / Robert Barry / Andrea Branzi / Marcel Broodthaers / Daniel Buren / Graciela Carnevale / Maurizio Cattelan / Maria Eichhorn / Hanatarash & Yamatsuka Eye / Henry Flynt / Yona Friedman / Piero Gilardi / Swetlana Heger & Plamen Dejanov / Hi Red Center / Ishiko Junzo / GX Jupitter Larsen / Lefevre Jean Claude / Lydia Lunch / Sasaki Maki / Alessandro Mendini / Cady Noland / Lorraine O’Grady / Robin Page / Steven Parrino / Santiago Sierra / Robert Smithon / Ettore Sottsass / Takis / Jean Tinguely / Rirkrit Tiravanija / Ben Vautier / Matsuzawa Yutaka Authors: Guillaume Apollinaire / Andrea Bellini / Zach Blas / Andrea Branzi / Erik Bullot / Billy Childish / Johannes Cladders / Iris Clert / Beatriz Colomina / Mathieu Copeland / Branislav Dimitrijevic / Jim Drobnick / Stanley Fisher / Véronique Follet / Yona Friedman / Michel Gauthier / Akasegawa Genpei / Michel Giroud / Kenneth Goldsmith / Richard Goldstein / Krist Gruijthuijsen / Katie Guggenheim / Storm van Helsing / Jon Hendricks / Hans Hollein / Ryan Holmberg / Stewart Home / Arnaud Labelle-Rojoux / Roberto Jacoby / Jakob Jakobsen / Gareth James / Déborah Laks / Balthazar Lovay / Boris Lurie / George Maciunas / Robert Morris / Achille Mbembe / Bob Nickas / Nicolas de Oliveira / Nicola Oxley / Mai-Thu Perret / Lil Picard / Yvonne Rainer / Georges Ribemont-Dessaignes / Matthieu Saladin / Fanny Schulmann / Sören Schmeling / Olivier Suter / Charles Thomson / Jean Toche / Reiko Tomii / Paulo Pires do Vale / Dora Vallier / Alan Wallach / Thibault Walter / Peter Weibel A publication by Mathieu Copeland, together with Balthazar Lovay
Graphic Design: Schaffter Sahli, Geneva Order: books@fri-art.ch 40 CHF / 38 €
L'exposition d'un rêve / The Exhibition of a dream L’exposition telle qu’elle se propose s’inspire littéralement des rêves de cinéastes et de dramaturges, de poètes et d’écrivains. Leurs rêves ont été mis en musique par le musicien allemand F. M. Einheit puis enregistrés à la Fondation et dans son jardin, grâce à la contribution de nombreux musiciens et du Chœur Gulbenkian tout au long de 2017. Un intéressant dialogue s’offre ici : le rêve et l’immatérialité d’une exposition et la matérialité très concrète d’une institution comme la Fondation Gulbenkian. L’architecture, l’institution, le jardin, selon les mots du commissaire Mathieu Copeland viennent « renseigner l’exposition et, en retour, l’exposition utilise l’institution ». Le rêve – en tant que manifestation des désirs et des peurs (dans une lecture freudienne), support des voix de l’inconscient (parfois de voix de l’autre monde), mais aussi outil de création, le rêve comme élément constitutif de mythologies – est le fil conducteur de cette exposition. Parallèlement, les abstractions géométriques (cf. Almada Negreiros) ou mystiques (les mandalas, des diagrammes symboliques qui jouent un rôle dans de nombreuses traditions religieuses ou même dans l’école jungienne de psychologie) tiennent ici une place importante. Ce projet donne lieu à ce que le commissaire appelle polyphonie, conçue par un « auteur-multiple », explorant les dimensions de l’immatérialité d’une exposition. Textes: Les textes de Mathieu Copeland, Jean-Michel Goutier, Dan Graham, Ana Hatherly, Henri Michaux, Paulo Pires do Vale. Les conversations avec Françoise Bonardel, FM Einheit, Myriam Gourfink, Warren Neidich, Eduardo Terrazas. Les rêves de Apichatpong Weerasethakul, Lee Ranaldo, Emilie Pitoiset, Susan Stenger, Susie Green, David Link, Pierre Paulin, Alexandre Estrela, Tim Etchells, Gabriel Abrantes, FM Einheit et Genesis Breyer P-Orridge Pour commander / to purchase : calouste@gulbenkian-paris.org
Coreografiar exposiciones Más allá de la experiencia única que es Una exposición coreografiada, una multitud de preguntas surgidas de la exposición se han abierto camino hasta el libro Coreografiar exposiciones (2017, CA2M). El libro, a la vez un manifiesto y una antología, reúne a más de treinta artistas plásticos, coreógrafos, músicos, realizadores, teóricos y comisarios internacionales. Ahora se está traduciendo al español por primera vez, complementado con un nuevo prólogo de Mathieu Copeland y un ensayo de Manuel Segade. En Coreografiar exposiciones, se ofrece una notable perspectiva general de la relación existente entre la coreografía y las exposiciones y se analiza la organización de estas exposiciones a través del prisma de la coreografía, partiendo de los términos que la componen: partitura, cuerpo, espacio, tiempo y memoria. Con la participación de: Kenneth Anger, Jérôme Bel, Julien Bismuth, Giovanni Carmine, Boris Charmatz, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Barbara Formis, Maite Garbayo Maeztu, Kenneth Goldsmith, Amy Greenfield, Abbie Hoffman, Karl Holmqvist, Pierre Huyghe, Myriam van Imschoot, Jennifer Lacey, Leclubdes5, Franck Leibovici, Pablo León de la Barra, André Lepecki, Alan Licht, Raimundas Malašauskas, Loreto Martínez Troncoso, Malcolm McLaren, Gustav Metzger, Lilo Nein, Phill Niblock, Hans Ulrich Obrist, Michael Parsons, Julie Pellegrin, Mickaël Phelippeau, Claude Rutault, Manuel Segade, Irena Tomažin, Catherine Wood. available at: ca2m@madrid.org
L'exposition d'un Film / The Exhibition of a film L'ouvrage L'Exposition d'un film fait suite à une exposition éponyme réunissant quarante-six artistes internationaux autour d'une même interrogation : que serait une exposition qui, au lieu de prendre place dans un musée ou dans une galerie, prendrait place au cinéma ? Une exposition prenant la forme d'un film présenté en salle de cinéma et contrainte par les propriétés intrinsèques de cet espace social, L'Exposition d'un film s'affirme à la fois comme un film exposé, le film d'une exposition ou encore comme une exposition filmée. -- The book, The Exhibition of a Film, follows an eponymous exhibition that includes the work by forty-six international artists, and begun with a question: What would an exhibition be like if we changed the environment from the gallery, museum, or Kunsthalle, to that of the cinema? “The Exhibition of a Film”, an exhibition for a context, namely a film screened in a cinema and constrained by the properties particular to that social environment, is, at one and the same time, a film exhibited, a film of an exhibition and a filmed exhibition.
Graphic design: Nicolas Eigenheer and Jeremy Schorderet. Pour commander / to purchase : http://lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=4399&menu=
Chorégraphier l’exposition / Choreographing Exhibitions
Un panorama des relations entre chorégraphie et exposition, à travers les contributions d'une trentaine d'artistes, chorégraphes, musiciens, cinéastes, théoriciens et commissaires d'exposition internationaux. En 2008, le centre d'art contemporain La Ferme du Buisson accueillait le commissaire d'exposition Mathieu Copeland pour la présentation remarquée d'Une Exposition Chorégraphiée. Composée exclusivement de mouvements interprétés par trois danseurs pendant deux mois, l'exposition fit date dans l'histoire des relations entre danse et arts plastiques. Au-delà de l'expérience unique qu'elle a constituée pour ceux qui l'ont vécue, Une Exposition Chorégraphiée a nourri une multitude de questions qui ont fait leur chemin pour donner naissance à un ouvrage intitulé Chorégraphier l'exposition. Le livre réunit plus d'une trentaine d'artistes plasticiens, chorégraphes, musiciens, cinéastes, théoriciens et commissaires d'exposition internationaux. Formidable panorama des relations entre chorégraphie et exposition, il orchestre une polyphonie de points de vue à partir de cinq prismes : la partition, l'espace, le temps, le corps et la mémoire. Contributions de Kenneth Anger, Fia Backström, Jérôme Bel, Julien Bismuth, Giovanni Carmine, Boris Charmatz, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Barbara Formis, Maite Garbayo Maeztu, Kenneth Goldsmith, Amy Greenfield, Abbie Hoffman, Karl Holmqvist, Pierre Huyghe, Myriam Van Imschoot, Jennifer Lacey, LeClubdes5, Franck Leibovici, Pablo León de la Barra, André Lepecki, Alan Licht, Raimundas Malašauskas, Loreto Martínez Troncoso, Malcolm McLaren, Gustav Metzger, Lilo Nein, Phill Niblock, Hans Ulrich Obrist, Michael Parsons, Julie Pellegrin, Mickaël Phelippeau, Michael Portnoy, Claude Rutault, Irena Tomažin, Catherine Wood. Publié avec Mathieu Copeland éditions, la Ferme du Buisson et la Kunst Halle de Saint-Gall. Disponible au Presses du Réel -- Choreographing Exhibitions An overview of the relation between choreography and exhibition, through the contributions of over thirty international visual artists, choreographers, musicians, filmmakers, theorists, and curators. In 2008, the Contemporary art centre La Ferme du Buisson, invited the curator Mathieu Copeland to present his work, Choregraphed Exhibition, composed of movements executed by three dancers over two months. This exhibition nourished a multitude of questions that gave birth to a book, Choreograping Exhibitions, overview of the relation between choreography and exhibition. It brings together over thirty international visual artists, choreographers, musicians, filmmakers, theorists, and curators. Contributions by Kenneth Anger, Fia Backström, Jérôme Bel, Julien Bismuth, Giovanni Carmine, Boris Charmatz, Mathieu Copeland, Tim Etchells, Barbara Formis, Maite Garbayo Maeztu, Kenneth Goldsmith, Amy Greenfield, Abbie Hoffman, Karl Holmqvist, Pierre Huyghe, Myriam Van Imschoot, Jennifer Lacey, LeClubdes5, Franck Leibovici, Pablo León de la Barra, André Lepecki, Alan Licht, Raimundas Malašauskas, Loreto Martínez Troncoso, Malcolm McLaren, Gustav Metzger, Lilo Nein, Phill Niblock, Hans Ulrich Obrist, Michael Parsons, Julie Pellegrin, Mickaël Phelippeau, Michael Portnoy, Claude Rutault, Irena Tomažin, Catherine Wood. Published with Mathieu Copeland editions, la Ferme du Buisson and Kunst Halle Sankt Gallen. Published in December 2013 Available via Les presses du réel
Genesis Breyer P-Orridge : 'Life as a Cheap Suitcase'
Genesis Breyer P-Orridge
Available / Disponible via
Douglas Coupland : 'L'age des seismes. Guide de l'extreme présent'
Douglas Coupland
Available / Disponible via
franck leibovici : 'filibuster (une lecture)'
Franck leibovici
Available / Disponible via
Kenneth Goldsmith : 'Je ne me tourne vers la théorie qu'apres avoir réalisé que quelqu'un a consacré toute sa vie à une question qui m'avait à peine traversé l'esprit jusqu'alors'
Kenneth Goldsmith I Look to Theory Only When I Realize That Somebody Has Dedicated Their Entire Life to a Question I Have Only Fleetingly Considered, 2012.
Available / Disponible via
A Mandala Mental - Catalogue
A Mental Mandala With texts by Luigi Amara, Mathieu Copeland, and Amanda de la Garza.
A Mental Mandala seeks to deepen the relationship between works of art and the spectator’s experience. The exhibition includes work by Luigi Amara, Philippe Decrauzat, Myriam Gourfink, and the partitions of F.M. Einheit, Ulrich Krieger, Alan Licht, Gustav Metzger, Robert Poss and Alan Vega. Artists of very different origins, who work in disparate media and formats. Mathieu Copeland’s project aims to produce a non-linear reading through different artistic strategies, such as film, music, painting, dance and literature, where the experience of the work and the exhibition occur in the mind of the spectator, who is capable of constructing it, living it, and recreating it.
Available at the MUAC /Museo Universitario Arte Contemporáneo
PROCURATION SUBORDONNÉE À UNE CONDITION SUSPENSIVE
Mathieu Copeland Presents
Procuration subordonnée à une condition suspensive vise non seulement à documenter les expositions organisées de septembre 2011 à juillet 2012 par Lionnel Gras à Darse, espace d'art dirigé par Fabrice Gygi à Genève, mais également à prolonger les enjeux artistiques et théoriques soulevés lors des diverses collaborations développées au cours ce projet. Chaque artiste ou partenaire est activement impliqué dans la conception de l'ouvrage qui s'offre comme un prolongement de l'espace d'exposition. Plusieurs auteurs ont également été conviés à proposer des approches complémentaires sur les œuvres exposées. Plus qu'un catalogue d'exposition, l'édition est augmentée par des pièces inédites qui se présentent comme autant de nouvelles et ultimes procurations. Œuvres de François Curlet, Gilles Furtwängler, Fabrice Gygi, Lamya Moussa, Simon Nicaise, Emilie Parendeau, Stéphane Vigny. Textes de Paul Bernard, Mathieu Copeland, Lionnel Gras, Rebecca Lamarche-Vadel, Emmanuelle Maillard. Edité par Lionnel Gras. -- Procuration subordonnée à une condition suspensive is not only meant to document the cycle of exhibitions organised by Lionnel Gras from September 2011 to July 2012 at Darse, the art space run by Fabrice Gygi in Geneva, but also to extend the artistic and theoretical issues which came up with the numerous collaborations that were developed for this project. Each artist and partner was actively involved in the design of an edition which is to be seen as an extension of the exhibition space. Several authors have also been invited to provide further discussions about the exhibited works. More than just another exhibition catalogue, this edition is also enhanced by a series of original pieces that are to be seen as further and ultimate procurations. Works by François Curlet, Gilles Furtwängler, Fabrice Gygi, Lamya Moussa, Simon Nicaise, Emilie Parendeau, Stéphane Vigny. Texts by Paul Bernard, Mathieu Copeland, Lionnel Gras, Rebecca Lamarche-Vadel, Emmanuelle Maillard. Edited by Lionnel Gras. Available via Les presses du réel
Mathieu Copeland Presents
L'art auto-créatif est indissolublement lié à ce qui fut son corollaire, l'art auto-destructif, que Gustav Metzger définit dès novembre 1959 dans son premier manifeste auto-publié. Si son œuvre est souvent envisagé à travers le prisme prépondérant de l'auto-destruction, il nous apparaît aujourd'hui nécessaire de considérer l'envers de toute destruction : l'auto-création. Metzger associe dès ses débuts le développement d'une pensée théorique et philosophique radicale à une expérimentation artistique constante. Ce sont ces deux dimensions que l'exposition met en œuvre. S'y trouvent réunis pour la première fois, les cinq manifestes « historiques » publiés par l'artiste entre 1959 et 1964, ainsi qu'un ensemble de documents reflétant sa pensée et son engagement pour un art auto-créatif. Gustav Metzger le définit ainsi en 1962 : « Avec cette forme d'art comme avec l'art auto-destructif, le temps, l'espace, le mouvement, la métamorphose et le son jouent un rôle à la fois différent et beaucoup plus important dans la conception, la construction et l'appréciation de l'œuvre […] ». Ces documents inédits sont présentés avec Supportive, 1966-2011, une œuvre récemment acquise par le musée. Cet environnement monumental fait de cristaux liquides incarne l'auto-création, principe élaboré dès 1959, dans sa plus vaste mise en œuvre réalisée à ce jour. Publié à l'occasion de l'exposition de Gustav Metzger « Supportive, 1966-2011 » au Musée d'art contemporain de Lyon, de février à avril 2013. Textes de Gustav Metzger, Thierry Raspail, Mathieu Copeland, Franck Popper. -- Auto-creative art is inseparably linked to its corollary, auto-destructive art, which Gustav Metzger defined in November 1959 in his first self-published manifesto. His work is mainly considered through the prism of auto-destruction, yet it appears as necessary to now envisage the opposite of destruction, auto-creation. From the very beginning, Metzger combined the development of theoretical thought and radical philosophy with constant artistic experiment. These two dimensions are the core of the exhibition, which, for the first time, brings together the five “historic” manifestoes published by the artist between 1959 and 1964, as well as a set of documents reflecting his ideas and his commitment to auto-creative art, which he described as follows in 1962: “In this art form, as in Auto-Destructive Art, time, space, motion, metamorphosis and sound have a different far more important role in the conception, construction and appreciation of the work […].” Never previously exhibited, these documents are presented alongside Supportive, 1966-2011, a work recently acquired by the Museum. This monumental environment made of liquid crystals is the embodiment of auto-creation, as it was elaborated by Metzger from 1959 onwards. It is the most immersive implementation of these principles to date. Published on the occasion of Gustav Metzger's exhibition “Supportive, 1966-2011” at the Lyon Museum of Contemporary Art, from February to April 2013. With texts by Gustav Metzger, Thierry Raspail, Mathieu Copeland, Franck Popper. Available via Les presses du réel
ON KAWARA : ONE MILLION YEARS [PAST AND FUTURE] No. 69 & 70 It is with great proud that Mathieu Copeland Presents the release of On Kawara : One Million Years [Past and Future] No. 69 & 70. This edition of 4 audio CDs in a wooden case, realised at 250 copies, comprise of the reading of On Kawara’s One Million Years [Past and Future] covering 969 611 BC to 967 811 BC & 33 411 AD to 34 450 AD. For more information please consult the press release or email info@mathieucopeland.net
Partons de Zéro (EMPECEMOS DE CERO) A publication curated by Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat as the score for a future exhibition.
Available / Disponible via Parra & Romero
Reprise #1 - Studies for a catalogue / a study for an exhibition on violence in contemporary art (reprise 1964/2011)
Reprise #1 Studies for a Catalogue: a Study for an Exhibition of Violence in Contemporary Art (Reprise 1964/2011) The exhibition at Flat Time House of curator Mathieu Copeland’s ‘bootleg’ of the ICA show, and the very lack of an extensive catalogue of the original show, prompted this publication, Study for a Catalogue. It is an imagined version of what that catalogue might have been; and also of what the exhibition might be, if curated anew in 2011. It comprises photocopied reproductions of all the works from the show (with some free replacements where works were not identifiable from the original catalogue, or have not been readily available in reproduction); a text on the violence of curation by artist Warren Neidich; a downloadable screening programme, again liberally expanded from events that took place in 1964; and pages specially produced for the catalogue in the summer of 2011 by artists including Elena Bajo, Neal White, Davide Ballula, Erica Baum, Tom Benson, Emma Bjornesparr, Stefan Brüggemann, Philippe Decrauzat, Peter Fillingham & Charlotte Moth, Mark McGowan, Anne-Sylvie Henchoz, Camille Henrot, Pablo Leon de la Barra, Warren Neidich, Philomene Pirecki, and Giorgio Sadotti. The catalogue, in B&W and A4 format, can be downloaded from http://www.flattimeho.org.uk or http://www.reprise.me ready to be printed. A page template will be freely available so that new pages and chapters can be added with the intention that these Studies for both an Exhibition and a Catalogue of Violence in Contemporary Art can extend the debate, begun in 1964, about the good and bad in violence and about the very image of violence itself. Elisa Kay
UNE CARTE MENTALE POUR UNE EXPOSITION Edited to accompany the exhibition "...avant il n'y avait rien, après on va pouvoir faire mieux (…before there was nothing, after we can only do better…)", co-curated by Mathieu Copeland & Philippe Decrauzat for Circuit - Lausanne, Switzerland, “a mental map for an exhibition (une carte mentale pour une exposition)” is both the catalogue for an exhibition and a statement on the ad-equation between the original and its copy, and their inherent equality. This ‘photocopy book’ (another Xerox book so to say) reproduces all the artefacts featured in the exhibition, cataloguing these quite literally as all are photocopied and reproduced at scale 1: by Nicolas Eigenheer. A mental map for an exhibition is akin to laying out a territory of thoughts, a cosmology of connections, attractions, or and again repulsions. Equally to how an exhibition ultimately exists through knowledge, in a mental space, a mental territory is thus to be mapped out. This publication includes art works, drawing or again printed matters by artists including Alan Vega and Antonin Artaud, Kurt Seligmann, Ad Reinhardt, Paul Sharits, Emma Kunz, Glenn Branca, Gustav Metzger, Wallace Berman, Phoebe Unwin, Claude Parent, Jon Savage, Unica Zürn, Madelon Vriesendrop, Charles Burns, Judy Chicago, Brion Gysin, Amélie Dubois, Savage Pencil, Hans Hartung, Asger Jorn, André Masson, Max Kohler, Henri Michaux, Mel Bochner, Steve Albini, Dinos Chapman, Jake Chapman, Jean Tinguely, Max Ernst, Gerhard Rühm, Tadeusz Kantor, NPA, Bruce Conner, Marty Rev, Bob Cobbing, Linder Sterling, Frank Kozik, George Maciunas, Leonora Carrington, Henry Flint, Henri Chopin, Georges Brecht, Le Freistilmuseum, Loulou Picasso, Yoko Ono, Scott King, Rudolph Grey, A.R. Penck, Michael Snow, J.G. Ballard, Salvador Dali, Paul “Cool P” Liebegott, Wyndham Lewis, Jacques Villeglé, Karl Holmqvist, Jacques Bonnard, Ric Ocasek, Marian Zazeela, Delphine Coindet, Genesis Breyer P-Orridge, Warren Neidich, Hans Bellmer, Natacha Anderes, Peter Fischli, Roland Topor, Virginia Overton, Andrea Merkx, W. C. Westermann, Fabrice Stroun (…).
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 3) Avec/With, Robert Barry, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Yann Sérandour, Cally Spooner, et/and Sue Tompkins. Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland
Available / Disponible via the DAVID ROBERTS ART FOUNDATION -FITZROVIA General information: info@davidrobertsartfoundation.com
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 2) Avec Marí Alessandrini, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Chloé Delarue, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Jean-Christophe Huguenin, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Cally Spooner, Irena Tomažin, Anne Le Troter et Martina-Sofie Wildberger Une exposition de Mathieu Copeland
Available / Disponible via LiveInYourHead
UNE EXPOSITION A ETRE LUE/AN EXHIBITION TO HEAR READ (VOLUME 1) Avec/With, Benoit Maire, Goldin + Senneby, Keren Cytter, Amélie Dubois, Charlotte Moth, Cally Spooner, Falke Pisano Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland
Available / Disponible via Contact : communication@cac-synagoguedelme.org / +33(0)3 8701434
ALAN SUICIDE VEGA - INFINITE MERCY Cette première monographie consacrée à l'œuvre plastique d'Alan Vega retrace, à travers une riche iconographie, un parcours artistique radical et sans compromis sur quarante ans. Le livre s'ouvre par la reproduction dans son intégralité en fac-similé du célèbre magazine Art Rite #13 élaboré par l'artiste en 1977, et se conclut par une nouvelle œuvre inédite de 16 pages réalisée spécialement pour le projet. L'ouvrage s'articule autour d'un long entretien réalisé avec Alan Vega et de contributions et discussions avec, entre autres, Edit Deak, Martin Rev, Ric Ocasek, Marc Hurtado, Philippe Grandrieux ou Henry Rollins. Figure mythique de la scène alternative artistique new-yorkaise, pionnier du rock électronique minimal et cofondateur, avec Martin Rev, du groupe culte Suicide, Alan Vega (né en 1938 à Brooklyn) fut également l'un des fondateurs, à la fin des années 1960, du Project of Living Artists à New York, lieu pluridisciplinaire tenu par des artistes et ouvert en continu qui accueillera les New York Dolls, Television ou Blondie. Depuis, Alan Vega développe, parallèlement à ses activités musicales qu'il poursuit en solo avec une vingtaine d'albums réalisés depuis les années 1980, une œuvre plastique anti-esthétique et anti-formaliste, assemblage d'objets divers récupérés dans la rue (ampoules, câbles, télévisions, néons...) qui embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il évolue.
A seminal figure of the New York alternative art scene and a pioneer of minimalist electronic rock as the cofounder of the mythical band Suicide, Alan Vega has been since the late 60’s one of the most influential artist and musician, turning Punk into the manifesto of a reason to live. Anti-aesthetic, anti-formalist, his work embraces the contemporary reality in which he is immersed. Published on the occasion of Alan Vega’s retrospective exhibition at the Musée d’art contemporain de Lyon, this publication offers, through a rich iconography, a unique look on his artistic life from 1969 to 2009. This book opens on the complete reproduction as a facsimile of the iconic magazine ArtRite #13 created by the artist in 1977, and is concluded with a new 16 pages piece created exclusively for this publication. Edited by Mathieu Copeland, this first monograph consists of a long interview with Alan Vega and discussions and contributions with among others Edit DeAk, Marty Rev, Ric Ocasek, Marc Hurtado, Philippe Grandrieux or again Henry Rollins. These 144 pages offer the rare opportunity to envisage a radical and uncompromising commitment, envisaging more than 40 years of creation and intensity.
Sountrack for an Exhibition A full colour, hardback publication that includes essays and discussions with participating artists and guest contributors. The catalogue reproduces the entire score of the soundtrack, includes film stills, installation shots and includes an audio DVD of excerpts of the soundtrack. Texts include an essay by Mathieu Copeland, curator of the exhibition; a discussion with Susan Stenger and Tony Conrad (composer, filmmaker and musician, co-founder of The Dream Syndicate with John Cale and La Monte Young); a discussion with Gustav Metzger (influential artist born in 1936 in Germany, lives and works in London, leading figure of Auto-Destructive-Art), John Armleder (painter born in 1948, influential Swiss artist and founder of Ecart, associated with Neo–Geo movement in the ’80s), and Mathieu Copeland; and a discussion with the filmmaker, Kristian Levring. (to order: www.forma.org.uk)
Soundtrack for an Exhibition - links to the exhibition information (eng) - Musée Art Contemporain Lyon L'exposition Soundtrack for an Exhibition s'articule autour de trois éléments principaux : une bande-son, une exposition de peintures et un film. La bande-son est diffusée dans l'espace d'exposition ainsi qu'en différents endroits du musée et se poursuit un mois après la fermeture de l'exposition. Changeant de nature en fonction de l'environnent qu'elle qualifie, elle devient tour à tour la bande-son de peintures, d'un film ou d'un espace vide. Soundtrack composed by/composée par Susan Stenger with contributions by/avec des contributions de Robert Poss, Alan Vega, Alexander Hacke, F.M. Einheit, Kim Gordon, Mika Vainio, Bruce Gilbert, Ulrich Krieger, Warren Ellis, Jim White, Jennifer Hoyston, Andria Degens, Spider Stacy Paintings by/Peintures par John Armleder, Steven Parrino Feature film by/Film par Kristian Levring An exhibition by/Une exposition de Mathieu Copeland
VIDES Vides. Une rétrospective est une exposition paradoxale : à travers la réactualisation de neuf «expositions vides», elle apparaît simultanément comme un projet expérimental qui refuse les règles classiques des arts visuels et comme un objet historique qui confronte les réalisations de Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák et Laurie Parsons. Support et prolongement de la manifestation, cet ouvrage dessine les contours du concept de «vide» dans l'art, l'esthétique, la philosophie, la religion, les sciences, la culture populaire, l'architecture et la musique, en abordant les problématiques du rien, de la vacuité, de l'invisible et de l'ineffable, du rejet et de la destruction. S'ouvrant sur un catalogue qui documente les neuf expositions historiques et contemporaines retenues, le livre comporte également une anthologie d'une quarantaine de textes, souvent inédits, ainsi que des contributions d'artistes spécialement réalisées pour l'ouvrage. Les essais de Benjamin Buchloh, Jean- François Chevrier, Henry Flynt, Lucy Lippard, Bernard Marcadé, Anne Moeglin-Delcroix, Brian O'Doherty, Sadie Plant, Didier Semin, David Toop ou Sarah Wilson s'entrecroisent ainsi avec des entretiens réalisés avec Robert Barry, Ben, Morgan Fisher, Claude Parent ou Jacques Villeglé, et les propositions de Peter Downsbrough, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Hans Haacke, Sherrie Levine, Malcolm McLaren, Olivier Mosset, Sturtevant ou Lawrence Weiner. Edité par Mathieu Copeland avec John Armleder, Laurent Le Bon, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot. Publié avec le Centre Pompidou, Paris, et la Kunsthalle Bern.
Voids. A Retrospective Voids. A Retrospective is a paradoxical exhibition: by re-actualizing nine “empty exhibitions,” it is simultaneously an experimental project that refuses the classic rules of the visual arts and an historical object which confronts the projects of Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák, and Laurie Parsons. At once the support and an extension of the event, this publication outlines the concept of the void in art, aesthetics, philosophy, religion, science, popular culture, architecture, and music, and broaches the subject of nothing, of vacuity, of the invisible and the ineffable, of rejection and destruction. Edited by Mathieu Copeland with John Armleder, Laurent Le Bon, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot and Philippe Pirotte. Publié avec le Centre Pompidou, Paris, et la Kunsthalle Bern. 2009
Michael Parsons, "Piano Music 1993 - 2007", played by John Tilbury, audio CD - released on the 7th of December 2008 // Launch from 1pm, at the Warehouse, 13 Theed Street - London
Michael Parsons: Piano Music 1993 – 2007 Michael Parsons (b. 1938 - Happy 70th!) has been active as a composer, performer, writer and lecturer since the 1960s. He belongs to the generation of English experimentalists who have explored a wide range of radical alternatives to prevailing traditional and mainstream tendencies in new music. In 1969 he was co-founder with Cornelius Cardew and Howard Skempton of the Scratch Orchestra, and during the 1970s he was closely associated with visual artists of the Systems group. In common with the work of other English and American experimentalists, his music exemplifies an economical use of material, clarity of structure and an objective and exploratory approach to the actualities of sound and performance. Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland with support by Culture House
LAUNCH PRICE : 15£ / 18€ (shipping included) to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
The Saints, 6 Films by Amy Granat MATHIEU COPELAND PRESENTS The Saints, 6 films by Amy Granat on DVD, Launch at the Swiss Institute NY on Wednesday 29th of October 2008 THE SAINTS
ST LUCIA ST AGATHA ST TERESA DE AVILA ST CECILIA ST TWEETY ST LOUISE THE SAINTS Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland
LAUNCH PRICE : 30€ / 45$ (shipping included) to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
It is with great proud that we announce the release of the DVD 'AN EVENING OF THE BOOK', featuring 3 films by Mai-Thu Perret. Originally produced for The Lyon Biennale of Contemporary Art and filmed on location at the Kitchen NY, Evening was conceived as a ‘remake’ of the 1924 agit prop play of the same title that was conceived as an experiment in mass artistic agitation for the book, and dramatized the conflict between old pre-revolutionary and new revolutionary books. Using actors from the academy of communist education, in a set & with costumes designed by Varvara Stepanova, it was a pantomime that culminated in the victory of the revolutionary heroes and a parade of libraries and new editions. This performance, in which books and letters are actors in their own right, seemed a suitable starting point for the artist’s first array into moving images. Using props sometimes inspired by those of the original evenings, such as the books or the sports costume, sometimes unrelated such as the fluorescent tubes, the cut out from the banner, or the commas, Mai-Thu Perret devised the outline of a choreography which was performed for the camera by a team composed of artist friends such as Amy Granat or Fia Backström, and professional dancers.
LAUNCH PRICE : 30€ / 45$ (shipping included) to purchase - pour commander, please either use PAYPAL or email info@mathieucopeland.net
A signed limited edition of 30 copies comes with samples of two signed & numbered wall papers cuts screenprinted for the exhibitions. For more information please visit the webpage or contact info@mathieucopeland.net Produced, designed and published in 2008 by Mathieu Copeland
APPEL çA COMME TU VEUX
Un film d'Arnaud Michniak - DVD Disponible maintenant (communiqué de presse)
“Appelle ça comme tu veux” est le premier long métrage d’Arnaud Michniak. Un film sans appel dont la violence sociale est d’une rare actualité. Sans ménagement que ce soit pour les sujets filmés ou l’objet film, “Appelle ça comme tu veux” est direct comme un slam et efficace comme de la télé réalité. “Appelle ça comme tu veux” utilise la caméra comme un esclave. Tout débute avec le vol d’une caméra. Tout s’articule autour de l’outil qui permet sa réalisation et de ceux qui en croisent la cellule, qu’il s’agisse d’inconnus, de manutentionnaires, de paumés, d’acteurs dont Jean-Pierre Mocky, de proches comme Nonstop, ou plus généralement de tous ceux qui font notre réalité, qui créent notre paysage. “Appelle ça comme tu veux” ça veut dire : on se fout de ce que tu penses, non pas parce qu’on se fout de toi, ni parce que ce que tu penses est nul, mais simplement parce que ça ne change rien, c’est déjà trop tard, c’est déjà fini. Comme annonçant un programme, on retiendra cette phrase entendue au court du film, “On est historien, on filme la fin du monde”.
APPEL çA COMME TU VEUX, un film d’Arnaud Michniak
Produced, designed and published in 2007 by Mathieu Copeland
Anna Sanders Films - The In Between The In-Between – Anna Sanders Films The In-Between, the key book about French production company Anna Sanders Films, is now available. This company has blazed a trail for a new breed of cinema – one that is made by visual artists and shown most often in galleries, but increasingly is finding its way into cinemas and film festivals. Anna Sanders - Films The In-Between
Perfect Magazine is a magazine printed with white ink on white paper, the pages of this first and last issue are curated and published by Mathieu Copeland. Perfect Magazine features exclusive contributions by Gilbert and George - Yoko Ono - Cerith Wyn Evans - Lawrence Weiner - Liam Gillick - Martin Creed - Eva & Adele - Christian Boltanski - Hans Ulrich Obrist - Niele Toroni - Art & Language – Simon Patterson - Graham Gussin - Vuk Cosic - Lev Manovich - Sam Samore - Polly Staple - Matthew Higgs - 360 corp - Nick Crowe - Mike Dawson - Steven Parrino - Phoebe Unwin - Jemima Stehli - bank - Guy Brett - Susie Green - Helianthe Bourdeaux Maurin - Christophe Kirsch - Erna Rijsdijk - Emilie Renard - Mark Borthwick - The Wrong Gallery - Tom Morton - Elena Filipovic - Swetlana Heger - Didier Marcel - Eric Troncy – M/M (Paris) - Carine Boyadjan - Tim Albertsen - David Medalla - Angela Bulloch - Daniel Buren – Roman Opalka - Michael Craig-Martin Available at the ICA in London, or via in les presses du réel in France To order via the website: Selling price: £8 (€13) + £2 (€3)
Produced, designed and published in 2003 by Mathieu Copeland
L’EXPOSITION D’UN FILM CENTRE POMPIDOU Le cinéma comme l’exposition est le lieu de la synthèse des arts : il partage avec elle la capacité d’agencer des ensembles hétérogènes au sein de temporalités et d’espaces discursifs. Conçu autour de rencontres et de projections « L’Exposition d’un film » propose de penser les rapports complémentaires et contradictoires qu’entretiennent le film et l’exposition à travers un panorama à la fois historique et prospectif. Traversée par l’influence grandissante des images en mouvement dans le champ de la culture visuelle et patrimoniale du XXème siècle, la pratique de l’exposition a peu à peu assimilé certaines propriétés du film – mouvement, montage, projection, défilement, etc… – dont elle aura su intégrer les potentialités pour se réfléchir et s’inventer de nouveaux modèles. « L’Exposition d’un film » formule l’hypothèse du film exposé autant que celle de l’exposition filmée. Explorant aussi bien le registre documentaire que des formes filmiques hybrides employées par certains artistes et cinéastes comme des espaces d’exposition singuliers et autonomes, cette programmation est l’occasion d’approfondir une réflexion sur le devenir de ces deux médiums à l’ère d’une dématérialisation accélérée des supports. Rencontres et projections en présence de Pierre Bismuth, Enrico Camporesi, Mathieu Copeland, Clément Delépine, Bethan Huws, Philippe-Alain Michaud, Charles de Meaux, Olivier Mosset, Jonathan Pouthier, Xavier Veilhan et les oeuvres de Gabriel Abrantes, Charles Atlas, Serge Bard, Pierre Bismuth, Constantin Brancusi, Marcel Duchamp, Bethan Huws, Man Ray, Robert Morris, Ed Ruscha, Stan Vanderbeek, Xavier Veilhan, Hannah Wilke.
L’EXPOSITION D’UN FILM Le cinéma comme l’exposition est le lieu de la synthèse des arts : il partage avec elle la capacité d’agencer des ensembles hétérogènes au sein de temporalités et d’espaces discursifs. Conçu autour de rencontres et de projections « L’Exposition d’un film » propose de penser les rapports complémentaires et contradictoires qu’entretiennent le film et l’exposition à travers un panorama à la fois historique et prospectif. Traversée par l’influence grandissante des images en mouvement dans le champ de la culture visuelle et patrimoniale du XXème siècle, la pratique de l’exposition a peu à peu assimilé certaines propriétés du film – mouvement, montage, projection, défilement, etc… – dont elle aura su intégrer les potentialités pour se réfléchir et s’inventer de nouveaux modèles. Empruntant son titre au film éponyme de Mathieu Copeland, « L’Exposition d’un film» formule l’hypothèse du film exposé autant que celle de l’exposition filmée. Explorant aussi bien le registre documentaire que des formes filmiques hybrides employées par certains artistes et cinéastes comme des espaces d’expositions singuliers et autonomes, cette programmation est l’occasion d’approfondir une réflexion sur le devenir de ces deux médiums à l’ère d’une dématérialisation accélérée des supports. Rencontres et projections en présence de Mathieu Copeland, Rosa Barba, Pierre Leguillon, Jeremy Millar, Philippe-Alain Michaud, Lydie Delahaye, Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier ; avec les oeuvres de Jean-Pierre Bertrand, Michael Snow, Hollis Frampton, Paul Sietsema, Richard Hamilton, James Scott, Liam Gillick, Karin Schneider & Nicolas Guagnini, Marcel Broodthaers, Elizabeth Price, Storm de Hirsh, David Sylvester, Harry Holtzman, Runa Islam, Willard Maas, Warren Sonbert, Charles Henri Ford, Gerry Schum…
BEGINNING AGAIN Une programmation d’événements proposée par Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat dans les espaces vides du Plateau. 2e session: Il s’agit de commencer. L’espace vide, décroché dans l’attente d’une prochaine exposition. Un interstice comme espace et temporalité. L’image projetée, percutée, comme le croisement de programmes aux durées divisées pour la création d’un environnement. En écho est présentée une sélection d’oeuvres projetées qui considèrent un périmètre donné (Niblock), l’archive d’une architecture pavillonnaire (Hafif), la réalité d’un évènement (Moth), une plongée dans un intérieur (Wyn Evans), une réflexion structurelle sur la projection (Lamelas) ou encore la projection d’un logo (Baudevin).
-- BEGINNING AGAIN A retrospective of Ben Van Meter’s films in dialogue with works by Francis Baudevin, Marcia Hafif, David Lamelas, Charlotte Moth, Phill Niblock, Karin Sander and Cerith Wyn Evans. A programme of events conceived by Mathieu Copeland and Philippe Decrauzat for the empty spaces of Le Plateau. 2nd session:Thursday 15 & Friday 16 May 2014
Let’s start. Empty spaces, as suspended during a break, waiting for the next exhibition. A space and time in-between. As a prelude, the image projected and collided with, like an overlap of multiple programmes and divided durations, permitting the creation of an environment. As a point of departure, a “retrospective” of Ben Van Meter’s films. Developing his vocabulary through syncopated editing with de-synchronized and discordant sound, an informal blurring of the image with unnatural colours, he records a generation, goes to the San Francisco Trips Festival (1966), and re-creates all its astringent aroma in psychedelic mode. At the centre of Le Plateau’s exhibition space, Me, Bruce and Art (1966) appears to us like a mechanical piece with two meanings. Recording a journey, from start to finish, in a time-frame provided by the televised interview between Bruce Conner and Ben Van Meter. Here, experimental film appears to be the subject in its relation to television and time. The mode of production and the TV studio set’s backstage are revealed, like a dialectics of deconstruction. “A documentary of the event from the point of view of a goldfish in the Kool-Aid bowl.” (Ben Van Meter on his film SF Trips Festival). A selection of screened works is presented in relation to Van Meter’s films. Light sources are multiplied, like a muffled, rhythmic ballet, with differentiated and continuous loops. Amplification of matter within a given perimeter, Grand Street (Phill Niblock), an inventory and archive of a suburban architectural development (Marcia Hafif), the reality of an event made to be photographed (Charlotte Moth), a plunge into an interior (Cerith Wyn Evans), structural reflection about projection, and the remake of a logo projected onto the floor (Francis Baudevin). These works, like bachelor constructions, assert their autonomy and function here as myriad notices, which augment, appropriate and complicate our reading.
THE BEATING (FROM THE MICROTONES) IS BEATING ME DOWN 1re session:
The Boyle Family – Elemental Study for the Skarberget Site, Norway 1972 World Series – pièce sonore diffusée en continu FM Einheit – Blech No.316 to 324 Fritz Hauser – SCHRAFFUR POUR GONG SOLO interprété par Serge Vuille Bruce McClure – IN AN UNDIVIDED REALITY YOU MUST DRAW THE LINE SOMEWHERE – Projector performances Karin Sander – Gebrauchsbilder (Patina Paintings) – installation / intervention en extérieur Phill Niblock – manifeste Il s’agit de commencer. L’espace vide, décroché, dans l’attente d’une prochaine exposition. Un interstice comme espace et temporalité. En préambule, le son, dans toute sa matérialité, dans toutes ses variations d’intensités. The beating (from the microtones) is beating me down, manifeste écrit par Phill Niblock, envisage le son dans sa minutie et annonce l’explosion du sens. Le son prend forme, et sa forme se construit là où elle se détruit – entre accumulations d’enregistrements confrontés à un temps réel (Hauser) – fragments d’un temps passé rediffusé (Boyle Family), projections de lumières sonores (McClure), réceptacle sensible d’une destruction active (Einheit), et annonce d’une exposition à venir (Sander).
-- THE BEATING (FROM THE MICROTONES) IS BEATING ME DOWN Avec The Boyle Family, FM Einheit, Fritz Hauser (interprété par Serge Vuille), Bruce McClure, Karin Sander
1st session: The beating (from the microtones) is beating me down Wednesday 5 and Thursday 6 March 2014 Doors open at 6.30 pm and the concerts start at 7 pm (no access after 7.30 pm)
The Boyle Family – Elemental Study for the Skarberget Site, Norway 1972 World Series - Recorded piece played on repeat FM Einheit – Blech No.316 to 324 Fritz Hauser – SCHRAFFUR POUR GONG SOLO interpreted by Serge Vuille Bruce McClure – IN AN UNDIVIDED REALITY YOU MUST DRAW THE LINE SOMEWHERE – Projector performances Karin Sander – Gebrauchsbilder (Patina Paintings) – Outdoor installation Phill Niblock – Statement
Let’s start. Empty spaces, as suspended during a break, waiting for the next exhibition. A space and time in-between. Here the sound as a foreword, in its materiality, in all its intensity variations. The beating (from the microtones) is beating me down, a statement written by Phill Niblock, considers the sound in all its infinite forms, and announces meaning’s explosion.
Chorégraphier l'Exposition, un festival de Mathieu Copeland, Samedi 30 Novembre 2014, de midi à minuit
Chorégraphier l'exposition À l’occasion de la publication du livre Chorégraphier l’exposition, la Ferme du Buisson invite Mathieu Copeland à investir ses espaces (théâtre, cinéma et centre d’art) pour un événement exceptionnel. En écho au livre Chorégraphier l’exposition, le festival croise danse contemporaine, arts plastiques, musique et cinéma pour célébrer les auteurs invités au travers de propositions inédites écrites pour trois interprètes. Sans en être l’illustration, au travers des termes qui structurent l’ouvrage – partition, corps, espace, temps et mémoire – cette journée continue s’articule non seulement sur l’occupation d’espaces fragmentés, mais surtout sur une célébration de la durée – 12 heures – pour créer un festival qui se compose, en parallèle et en alterné, de trois volets. Chorégraphier l'exposition : le festival
1/ Des œuvres du temps, au Théâtre 2/ Une programmation de films, au Cinéma et au Studio 3/ Des tables rondes, au Centre d’art
ECHO PIECE (CANARY WARHF), by MICHAEL PARSONS // Saturday 20th of June 2009
ECHO PIECE (CANARY WHARF) 2009 by Michael Parsons Saturday 20th June 2009 A one hour walk through Canary Wharf with live brass accompaniment of a sound composition written by Michael Parsons and site specific to Canary Wharf. Echo Piece is an environmental sound work to be performed by a number of musicians, moving around and exploring the acoustic properties of an open-air space. Players with trumpets, horns and trombones will play short single notes, interspersed with silences, evoking echoes from reflective surfaces, in a variable, open-form, sparse and pointillistic texture of discrete sounds. Echo Piece creates a spatial polyphony of multiple echoes, activating the sound-reflecting surfaces of buildings at different distances, revealing the elasticity of the surrounding medium. Canary Wharf is an ideal urban location for this event, having a series of open spaces surrounded by sound-reflecting surfaces, and being relatively free of traffic noise. Echo Piece will change the way these spaces are perceived and experienced, by exposing their latent acoustic potential.
“The space between buildings is also part of their architecture. Volumes, masses and voids ‘transmit’ and ‘receive’ messages from one another.”
Curated by Mathieu Copeland Commissioned by Culture House at Arts and Business
WALKING IN THE CITY, by MICHAEL PARSONS on Sunday October 12th 2008 at 11.00am
WALKING IN THE CITY
http://resonancefm.com/archives/352 Photographs courtesy Deborah Bullen
Sunday October 12th 2008 at 11.00am Finsbury Avenue Square London EC2 (west side of Liverpool Street station) Michael Parsons Walking Piece*** Michael Parsons will create a new version of his experimental classic Walk, originally written for the Scratch Orchestra in 1969. The performance will take place between 11.00am and 12 o’clock. To participate, meet in the Octagon next to the Richard Serra sculpture at the west entrance to Liverpool Street station at 10.30am. The work by Philip Corner will be performed inside the Richard Serra sculpture at exactly 12 o’clock. «The architecture geometrically defined by urban planning is transformed into a space by walkers. Space is articulated by the operations that take place within it. It is composed of intersections of mobile elements; it exists when one takes into account vectors of direction, velocities and time variables». A Culture House commission curated by Mathieu Copeland, media partners Resonnance FM |