Studies for an Exhibition, David Roberts Art Foundation - London 07/04 - 11/06 2011

Opening: 06/04 @ 18.30

curators’ series # 4
Studies for an Exhibition
07.04.2011 -11.06.2011.
please join us for the opening: 06.04. 2011 from 6.30
                                                 
With Elena Bajo, Robert Barry, Emma Bjornesparr, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Gustav Metzger, Roman Opalka, Julia Rometti & Victor Costales, Karin Sander, Yann Sérandour, Cally Spooner, Sue Tompkins, and Niele Toroni.

an exhibition by Mathieu Copeland.

Mathieu Copeland is the fourth guest curator invited by The David Roberts Art Foundation to be part of the Curators’ Series. Studies for an Exhibition, explores how exhibitions are to be envisaged in regard to transient thoughts – an art that reveals itself through time, as movements of transitions, as possible studies giving the feeling of what is, and what can be.

Following a desire to not fix in form an exhibition to be, Studies for an Exhibition brings together practices that explore the possibilities of immateriality and the temporal nature of an art object. The question of time and accumulation is adamant to an exhibition that considers a recycling of our current reality as the means to generate transitory new forms.

Moments of history are revisited, as with the recreation of Gustav Metzger’s 1956 display/appropriation of the posters advertising the seminal show at the Whitechapel Gallery This Is Tomorrow, which he used to cover the entire shop windows of his then second hand shop/exhibition space 30Queens in Kings Lynn. A means to advertise what was tomorrow then, the posters can be read in parallel to the altered exhibition posters by Niele Toroni, who painted over posters advertising his own exhibitions, thereby blurring the moment of the original shows and when these are painted, and shown. Past realities are again revisited and appropriated when confronted with the entire ‘bootleg’ of a 1964 ICA exhibition entitled Study for an exhibition of violence in contemporary art.

In relation to these works of past and present readings, the ‘mailed paintings’ by Karin Sander create in the space of the gallery an unstable hanging as these are being mailed back and forth to the artist in Berlin for the duration of the exhibition. The paintings capture their own reality by acquiring marks as they travel unprotected from one place to the next. As an echo to this reality in motion for an exhibition to be, Emma Bjornesparr addresses the location of the gallery and the habits of consumption. Through a temporary sculpture that frames the entire time of an exhibition in saving the accumulated waste, the artist creates the inversed portrait of the host institution.

Since 1972 Roman Opalka marks time through the progressive inscription of numbers painted from one to infinity. The constant evolution of these paintings is accompanied by a tape recording of his own voice saying the numbers out loud as he writes them. By disseminating these recordings in the space of the gallery we are projected into an ephemeral experience of time.

Accumulation of knowledge is the focus of Julia Rometti and Victor Costales’ work. Exotismo Ordinario Internacional Neotropical is an archive based on their ongoing research into plants from the neotropical region. As part of this continuous study, a series of booklets will be handed out. Elena Bajo’s commission is to be dreamt, forgotten, drawn on a wall or indeed erased. Showing the process of becoming, it is a piece that is all of its studies, changes and potentialities, echoing the exhibition in becoming a study for all that it can and could be.

And as yet another possible study discussing the form of an exhibition, Mathieu Copeland has edited a new publication, the third volume of his series entitled An Exhibition to Hear Read/Une Exposition à être lue. The book will be read out at 2pm every day for the duration of the exhibition. This publication features text based artworks by Robert Barry, Jarrod Fowler, Nicolas Garait, Karl Holmqvist, Bethan Huws, David Medalla, Yann Sérandour, Cally Spooner, and Sue Tompkins. These contributions consider the relation between a text as an art piece to be and its spoken realisation, questioning the ‘performativity’ of the act of reading from a book.

The exhibition is supported by the National Lottery through Arts Council England, the French Institute, London, Swedish Embassy in London and Accion Cultural Espanola, London.

 

the DAVID ROBERTS ART FOUNDATION -FITZROVIA
111 GREAT TITCHFIELD STRET , LONDON W1W 6RY
TEL : +44 20 7637 0868, WWW.DAVIDROBERTSARTFOUNDATION.COM
OPENING HOURS : TUESDAY -FRIDAY 10AM - 6PM , SATURDAYS 11AM - 4PM

Une Chorégraphie Polyphonique & Une exposition à être lue (volume 2), LiveInYourHEAD Genève 13/01/2011 - 19/01/2011

VERNISSAGE: 13/01/2011 @ 18.00

UNE CHOREGRAPHIE POLYPHONIQUE & UNE EXPOSITION A ETRE LUE (VOLUME 2)

Avec Marí Alessandrini, Sacha Béraud, Emma Bjornesparr, Jérémy Chevalier, Chloé Delarue, Kenneth Goldsmith, Anne-Sylvie Henchoz, Jean-Christophe Huguenin, Livia Johann, Tom Johnson, Franck Leibovici, Véronique Portal, Lili Reynaud Dewar, Tatiana Rihs, Daphné Roulin, Cally Spooner, Irena Tomažin, Anne Le Troter et Martina-Sofie Wildberger

Une exposition de Mathieu Copeland

Vernissage le jeudi 13 janvier à 18 heures
Exposition du 14 au 29 janvier 2011
Du jeudi au samedi de 14 à 19 heures

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LiveInYourHead
Institut curatorial de la Head – Genève
Rue du Beulet 4, 1203 Genève

Une Chorégraphie Polyphonique & Une Exposition à Etre Lue (Volume2) est la première d’une série de lab.zones (ateliers) conçues par Mathieu Copeland au sein du programme work.master de la Head – Genève, en collaboration avec un groupe d’étudiant-e-s-artistes et avec les contributions de différentes figures invitées.

L’exposition s’articule autour de la question du mot, des mots imprimés dans un livre à être lu aux mots lus dans un mouvement à trois voix, pour former une Chorégraphie Polyphonique. Le pouvoir évocateur des trois mouvements est interprété par la voix, que ce soit à l’unisson, dans la simultanéité, la répétition, ou encore la succession et le geste. L’exposition est uniquement composée d’oeuvres textuelles, écrites par les artistes et conçues pour être lues à trois voix en permanence durant les horaires d’ouverture de l’espace LiveInYourHead. L’exposition est envisagée comme une forme vivante, minimale, continue, vocale autant que mentale, intellectuelle autant que corporelle.

Sa réalité textuelle, la texture du mot et sa qualité lue posent les questions de la gestuelle de la parole, du mouvement des mots et celle de l’inscription du geste de lire dans l’espace d’exposition lui-même. L’interprétation des oeuvres écrites révèle autant l’architecture sensible de l’espace qu’une réalité abstraite et éphémère, portée par la voix, une polyphonie constructive et destructive du contenu intelligible, dans l’espace et le temps.

Approchant l’oeuvre par sa matérialité, et envisageant par là même la matérialité de l’exposition au travers du mot et de la parole, cette Exposition à être lue se cristallise au sein d’une publication. Celle-ci regroupe des oeuvres – écrites par les étudiant-e-s-artistes et les artistes, musiciens ou encore poètes internationaux invités pour l’occasion – qui constituent autant sa partition que sa mémoire.

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Plus d'information - http://head.hesge.ch/IMG/pdf/LIYH_Mathieu_Copeland-2.pdf

 

An exhibition of the word(s) on UbuWeb - August 2010

AN EXHIBITION OF THE WORD(S)

A. Dziga Vertov Group - Letter to Jane
B. Michael Snow - So this is
C. Franck Leibovici - 9+11 [PDF]
D. Karl Holmqvist - Rockland
E. Meredith Monk - As if it came from an oral tradition from Chicago '82: A Dip in the Lake
F. James Lee Byars - Pronounce perfect until it appears, 1979, 0'03" from Happy New Ear
G. Salvador Dali - La Méthode Paranoïaque Critique from Je Suis Fou De Dalí!
H. Gilbert and George - Ten Commandments for Gilbert and George
I. Keren Cytter - Der Spiegel
J. Bob Cobbing - Performing Concrete Poetry [here] and [here]
K. Erica Baum - Body Language [PDF]
L. Bern Porter - The Last Acts of St. Fuck You [PDF]

An exhibition of the word(s), Featured Resources for August 2010 selected by Mathieu Copeland for UbuWeb

 

 

"... avant il n'y avait rien, après on va pouvoir faire mieux.", une exposition de motifs et desseins à Circuit, Lausanne 18/06 - 04/09 2010

VERNISSAGE: 18/06 @ 18.30

CIRCUIT
Centre d’art contemporain
Av. de Montchoisi 9, accès quai Jurigoz
case postale 303, CH - 1001 Lausanne
+41 21 601 41 70
www.circuit.li

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Une exposition de motifs et desseins d’Alan Vega et Antonin Artaud, Kurt Seligmann, Ad Reinhardt, Paul Sharits, Emma Kunz, Glenn Branca, Gustav Metzger, Wallace Berman, Phoebe Unwin, Claude Parent, Jon Savage, Unica Zürn, Madelon Vriesendrop, Charles Burns, Judy Chicago, Brion Gysin, Amélie Dubois, Savage Pencil, Hans Hartung, Asger Jorn, André Masson, Max Kohler, Henri Michaux, Mel Bochner, Steve Albini, Dinos Chapman, Jake Chapman, Jean Tinguely, Max Ernst, Gerhard Rühm, Tadeusz Kantor, NPA, Bruce Conner, Marty Rev, Bob Cobbing, Linder Sterling, Frank Kozik, George Maciunas, Leonora Carrington, Henry Flint, Henri Chopin, Georges Brecht, Le Freistilmuseum, Loulou Picasso, Yoko Ono, Scott King, Rudolph Grey, A.R. Penck, Michael Snow, J.G. Ballard, Salvador Dali, Paul “Cool P” Liebegott, Wyndham Lewis, Jacques Villeglé, Karl Holmqvist, Jacques Bonnard, Ric Ocasek, Marian Zazeela, Delphine Coindet, Genesis Breyer P-Orridge, Warren Neidich, Hans Bellmer, Natacha Anderes, Peter Fischli, Roland Topor, Virginia Overton, Andrea Merkx, W. C. Westermann, Fabrice Stroun et tant d’autres.

un inventaire partiel de Mathieu Copeland et Circuit

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* Préambule d’Henri Michaux à son film “Images du monde visionnaire” de 1964

Le dessin, dans toute sa complexité et sa diversité, existe peut-être et avant tout par son apparente économie. La simplicité possible d’une feuille et d’une technique, un moment pris, une surface remplie. Envisageant le motif et son dessein, l’exposition offre une ouverture nécessaire sur l’écriture et l’art imprimé au travers du dessin et de ces formes possibles de diffusion.

Cette exposition s’offre au regard d’une large sélection d’œuvres dessinées et imprimées d’Alan Vega (né en 1938 à Brooklyn), et accompagnant la sortie de l’ouvrage rétrospectif sur l’œuvre de cette figure mythique de la scène alternative artistique New Yorkaise et pionner du rock électronique minimal en tant que cofondateur avec Martin Rev du groupe culte Suicide. Sur plus de 40 ans de création et d’intensité, Alan Vega s’est affirmé comme l’un des artistes et musiciens les plus influents, faisant du Punk le manifeste d’une raison de vivre.

Cofondateur en 1969 de MUSEUM A Project of Living Artists à New York, un des premiers lieux alternatifs « artist-run spaces » new-yorkais et ouvert 24h/24, MUSEUM était dédié à toutes les formes d’art, aussi bien visuelles que musicales et cinématographiques, devenant rapidement un tremplin pour un grand nombre d’artistes et de musiciens. Vega écrit alors les « Requêtes du Front de Libération du MUSEUM », une série d’injonctions nécessaires et tellement actuelles incluant par exemple ce cri pour que « les systèmes d’exposition, y compris les sélections pour les expositions collectives, soient abolis. » ou encore donnant « le droit à n’importe quel artiste de retirer une œuvre, de modifier une œuvre, de détruire une œuvre de n’importe quel autre artiste présentant son travail dans l’espace » - un texte signé par un Artiste Américain Anonyme du 20e siècle- qui accueille aujourd’hui les visiteurs entrant à CIRCUIT.

À la fin des années 50, Alan Vega étudie notamment avec Ad Reinhardt et Kurt Seligmann au Brooklyn College, et se concentre dans un premier temps sur la peinture, puis le dessin. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière : il crée ses premières « light sculptures », des sculptures lumineuses faites d’assemblage d’objets divers composées d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs. Anti-esthétique, antiforme, le pendant d’un Arte Povera « Made in USA », son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il vit.

L’exposition se concentre principalement autour de son œuvre graphique. Vega insiste comment « pour (lui), le dessin a toujours été un devoir, (et) la peinture une douleur ». Dessinant quasi uniquement des visages, il déclare avoir toujours « aimé dessiner des personnes âgées. Elles ont l’image de la vie gravée sur leur visage ». Activité parallèle et nécessaire à son travail musical, Vega ne peut écrire sans dessiner : « Tout comme l’écriture, dessiner constitue une obsession quotidienne. Comme pour l’écriture, faire un dessin surgit subitement. Avec le dessin, il faut partir ailleurs, quelque part où je n’en ai rien à foutre. Je m’assois, l’esprit absent et en paix (…). C’est une manière de mettre à plat
des idées ».

L’exposition se propose ainsi comme un écho suicidaire au désir d’une exposition qui n’est autre qu’un inventaire morcelé et subjectif.

Son agencement reflète le système d’écriture possible d’une exposition entendue comme le manifeste concrétisé d’une poésie qui se montre. Le chant de mille voix entamant un anthem ou le dessin est l’égale de sa reproduction. Envisageant l’ensemble des œuvres présentes ou suggérées comme un environnement sensible, toutes s’écrivent dans l’espace comme une partition à lire abstraitement.

Oscillation sensée de pièces ultra-figuratives qui (se) composent de nouvelles figures et identités poétiques, au contrepoids composé d’une large sélection d’œuvre abstraite, toutes s’offrent à être lues comme la « carte mentale d’une exposition ». Cette phrase devient à son tour le titre de l’ouvrage photocopié mis à disposition au public, un recueil ou se retrouve mis au même niveau toutes les œuvres constituant cette exposition.

Les rapports, cohésions ou rejections qui s’opèrent entre chacune des parties constituantes de se regroupement temporaire insistent sur la base qui les unies toutes - le dessin, et ses modes possibles de diffusion. D’un médium à l’autre s’affirme une équivalence sur la valeur nécessaire des œuvres présentées.

Hasard arrangé par la géométrie, hors d’une utopie moderne, cet agencement éphémère offre un va-et-vient d’objets référencés, et reproduits… Et si ce qui au départ s’offrait comme un vide premier laissant toutes formes de futures possible, permettons nous de conclure avec une autre phrase d’Henri Michaux, une phrase autant tiré de son magnifique ouvrage de 1948 ‘Meidosems’
qu’extraite – pour l’instant – de l’exposition :

« Ils ont abouti ici. Et il n’y a rien à ajouter ».

 

Mathieu Copeland et Philippe Decrauzat

UNE EXPOSITION (DU) SENSIBLE, La synagogue de Delme 11/06 - 19/09 2010

VERNISSAGE: 11/02 @ 18.30

UNE EXPOSITION (DU) SENSIBLE

Avec/With, par ordre d'apparition/in order of appearance, Gustav Metzger, Cildo Meireles, Dexter & Sinister, Franck Leibovici, Kenneth Goldsmith, Cesare Pietroiusti, Benoit Maire, Goldin + Senneby, Keren Cytter, Amélie Dubois, Charlotte Moth, Cally Spooner, Falke Pisano

Une exposition de/An exhibition by Mathieu Copeland

La synagogue de Delme

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VERNISSAGE LE VENDREDI 11 SEPTEMBRE À 18 H 30

Mathieu Copeland s’est précédemment illustré dans la conception d’expositions renégociant le rapport du spectateur aux œuvres, et des œuvres aux lieux censés les rendre visibles. Vides, une rétrospective, au Centre Pompidou à Paris rassemblait ainsi neuf expositions « vides » de l’histoire de l’art. Une Exposition Chorégraphiée, au Centre d’art de la Ferme du Buisson présentait des œuvres conçues pour être dansées par trois performeurs, selon une partition d’enchaînements écrite par le commissaire. Dans Une Exposition Parlée, elles étaient lues et activées par l’équipe du centre d’art Baltic de Newcastle upon Tyne. Évoquons enfin Soundtrack for an exhibition au Musée d’Art Contemporain de Lyon, immense partition musicale étirée sur plusieurs mois, où la musique devenait l’exposition à proprement parler. D’exposition en exposition, Mathieu Copeland dessine une manière de faire et de pousser la forme artistique tout comme l’institution dans leurs retranchements. Qu’elles soient musicales, parlées, chorégraphiées, les œuvres placent le spectateur en position de jouer à son tour sa partie, tout du moins de dépasser le vide apparent pour écouter, se mouvoir, capter de tous ses sens l’air et la réalité qui l’entoure.
Partant d’une conversation avec l’artiste Gustav Metzger, pionnier de l’Art Autodestructif depuis 1959, Mathieu Copeland réaffirme avec lui qu’il ne s’agit pas d’utiliser l’exposition pour montrer des objets dans un espace physique déterminé, mais de réaliser ces objets, envisageant alors la synagogue de Delme comme le lieu d’où l’on part, et non plus comme une fi n en soi ni un point d’arrivée. Plutôt un passage...
Les œuvres produites s’affranchissent des limites habituelles de l’exposition pour s’insérer dans la vie et l’économie d’un territoire. Les réseaux locaux, qu’il s’agisse de médias, d’évènements ou de services, deviennent tout à la fois le support et le lieu d’apparition des œuvres. C’est le cas du film de Franck Leibovici projeté tout l’été en première partie des films de cinéma itinérant en Lorraine, de la pièce radiophonique de Kenneth Goldsmith diffusée chaque jour via des radios locales, des interventions hebdomadaires de Cesare Pietroiusti dans le journal, sous forme de « pensées non fonctionnelles », ou encore du Bulletin Municipal 2010 de la commune de Delme, revisité par le duo Dexter & Sinister et à partir duquel sont déclinés les supports de communication pour Une exposition (du) sensible. Le titre renvoie à l’ancrage de tout le projet dans une réalité sensible, qu’elle soit entre les quatre murs blancs du centre d’art ou dans les boîtes aux lettres des habitants de Delme, qui ont reçu chez eux le fameux Bulletin.
Si le centre d’art devient la caisse de résonnance d’œuvres qui ont lieu ailleurs, il est aussi une structure vivante, qui rassemble des objets mouvants, activés et activables : l’œuvre que Cildo Meireles a conçu en 1970, intitulée Insertions dans des circuits idéologiques, consiste à « enregistrer des informations et des opinions critiques sur des billets de banque et les remettre en circulation ». L’artiste s’employait alors à tamponner les billets, avec ce titre et cette phrase, assortis de messages militants, avant de les réinjecter dans le flux des échanges bancaires. L’œuvre est ainsi réactivée dans le cadre d’Une exposition (du) sensible. Si le texte, le langage, la lecture et la parole sont conviés au fil des œuvres de multiples manières, le livre édité spécialement pour l’exposition, intitulé Une exposition à être lue, condense tout particulièrement cette dimension. Il rassemble les contributions de Keren Cytter, Amélie Dubois, Goldin+Senneby, Benoît Maire, Charlotte Moth, Falke Pisano et Cally Spooner : narrations, descriptions d’espaces imaginaires, protocoles de lecture, scripts d’œuvres filmiques renvoient à la matière textuelle au cœur du travail de ces artistes, fascinés par le langage et sa puissance d’évocation. La lecture des œuvres écrites révèle autant l’architecture sensible d’un espace, celui de la synagogue, mais pas seulement : une réalité sensible et éphémère, portée par la voix. Une exposition (du) sensible déjoue les cadres spatiaux et temporels dans lesquels on circonscrit les œuvres, ainsi que le fonctionnement lissé des institutions, une sorte de science aigüe du glissement et de la dissémination des formes. Certaines œuvres ont déjà eu lieu, d’autres auront lieu après-coup, comme c’est le cas de l’intervention de Gustav Metzger dans la presse locale en octobre. Le centre d’art se fait articulation, de temps et de lieux, mais aussi de mots et de phrases, qu’elles soient écrites, lues ou parlées.

Marie Cozette

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Engaging with a practice that often considers immateriality, Mathieu Copeland proposes exhibitions that renegotiate the relationship between the spectators and the works, and between the works and the venues supposed to give them visibility. “Voids, a Retrospective” at the Centre Pompidou in Paris brought together nine historical “empty” exhibitions; “A Choreographed Exhibition” at the Ferme du Buisson Contemporary Art Centre presented artworks as gestures and movements that were danced by a trio, written in time by the curator; in “A Spoken Word Exhibition” the works were read aloud by the staff of Baltic, Newcastle upon Tyne’s contemporary art centre; or again with “Soundtrack for an Exhibition”, a seemingly timeless score stretched out over several months at the Museum of Contemporary Art in Lyon, the music actually becoming the exhibition.
From one venture to the next, Mathieu Copeland has outlined a way of working that subjects artistic forms and institutions to radical challenges. May these be of sound, to be spoken or danced, the works place the viewer in the situation of having to play his own part in turn – or at the very least of having to transcend a seeming void so as to listen, move about and tune in sensorially to an atmosphere and its surrounding reality.
Referencing a conversation with Gustav Metzger, the seminal activist and pioneer of auto destructive art, Copeland joins the artist in reaffi rming that the exhibition should serve not to show things in a predefifi ned physical space, but to realise them; the Synagogue de Delme is thus taken as a point of departure, and not as an end in itself nor a destination. More a transient place.
Breaking out of the usual exhibition boundaries, the works inhabits the specifi c life and economy of a given territory. Local networks – media, events, services – become simultaneously the medium and the venue for the works. Such is the case for Franck Leibovici’s fi lm, shown before all the features that will be shown this summer as part of the itinerant cinemas circuit in Lorraine; Kenneth Goldsmith’s daily piece on local radios; Cesare Pietroiusti’s weekly “non-functional thoughts” in the press; and the Municipality of Delme’s Bulletin for 2010, revisited by the duo Dexter & Sinister and serving as the publicity basis accompanying “Une Exposition (du) Sensible”. The title, that could be translated as “A Sensibility Exhibition” or “An Exhibition of the Sensible”, refers us to the project’s roots in a perceptible reality, may this be within the art centre’s four white walls or through the letter boxes of Delme, as every inhabitant of the town received a copy of the Bulletin.
While the art centre thus becomes a resonance chamber for works happening elsewhere, it is also a living structure, an assembly point for mobile objects both activated and activatable: Cildo Meireles’ Insertions into Ideological Circuits from 1970 which involves “recording information and critical opinions on banknotes and reintroducing them into circulation”. At the time the artist stamped the notes with this title, as a call to the addition of political messages, before reintroducing them into the fl ow of the banking system. This work, is, once again, reinserted for the time of the exhibition.
If text, language, reading and speech appear to be the basis of the works composing this exhibition, the book specially published for the exhibition and titled An Exhibition To Hear Read provides a singular condensation in the form of contributions by Keren Cytter, Amélie Dubois, Goldin+Senneby, Benoît Maire, Charlotte Moth, Falke Pisano and Cally Spooner: narratives, descriptions of imaginary spaces, reading protocols and fi lm scripts (...) all reference the textual matter central to the work of these artists fascinated by language and its powers of evocation. A reading of the written works reveals not only the perceptible architecture of any given space – that of the synagogue – but also a perceptible and ephemeral reality channelled through the voice.
“Une Exposition (du) Sensible” thwarts both the circumscribing of works by spatial and temporal frameworks and the bland functioning of art institutions, that highly developed pseudo-science of displacement and dissemination of forms. Some of the works have already taken place, others will happen at a later stage: Gustav Metzger’s contribution via the local press is scheduled for October. The art centre thus functions as a point of articulation for times and places, but also for words and phrases, whether written, read or spoken.

Marie Cozette

www.cac-synagoguedelme.org

AUTOUR DE L’EXPOSITION
Visite commentée avec Mathieu Copeland : dimanche 12 septembre à 16h
Visites commentées avec Laurène Macé, chargée des publics : tous les dimanches à 16h

INFORMATIONS PRATIQUES
Vernissage de l’exposition vendredi 11 juin à partir de 18h30,
en présence des artistes et de Mathieu Copeland.
Exposition ouverte du 11 juin au 19 septembre 2010.
Mercredi-samedi : 14-18h & dimanche : 11-18h. Entrée libre et gratuite.
Le centre d’art sera ouvert le 14 juillet et le 15 août.

POUR SE RENDRE À LA SYNAGOGUE DE DELME
ACCÈS DEPUIS PARIS (1h30):
TGV Est, arrivée Metz ou Nancy
ACCÈS DEPUIS METZ (1/2h):
D955, ancienne route de Strasbourg
ACCÈS DEPUIS NANCY (1/2h):
N74 direction Château-Salins
puis D955 vers Metz

Visuels disponibles sur demande
Contact presse: Agathe Borgne communication@cac-synagoguedelme.org / +33(0)3 87014342

L'EXPOSITION CONTINUE (ECHO), CNEAI 09/02 - 18/04 2010

VERNISSAGE: 07/02 @ 14.00-18.00

L'exposition Continue

Des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault.

Une exposition de Mathieu Copeland.
Du 09/02 au 18/04 2010

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Inauguration dimanche 07/02 de 14h à 18h
Navette gratuite Place du Châtelet 13h30
 
cneai =
tél : 01 39 52 45 35, fax : 01 39 52 43 78,
cneai@cneai.com, île des impressionnistes, 78400 chatou, france

"L’exposition présente des peintures de Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault .
S’offrant comme une réflexion sur ce qu’est la peinture, l’exposition se fragmente en plusieures expositions concomitantes. En premier lieu, une exposition classique de peintures de différents artistes ; peintures qui sont, suivant le principe fondamental de l’œuvre de Claude Rutault initié en 1972, repeintes de la même couleur que le mur, affirmant ainsi une deuxième exposition. En écho s’offre une troisième exposition fantôme, des toiles monochromes de Claude Rutault au format identique aux peintures repeintes insérées au sein même de l’architecture du Cneai. Une exposition en miroir (et en échange), qui s’inscrit ainsi comme un écho vide du présent des œuvres."
Mathieu Copeland

Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse

Paintings painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault.

" The exhibition shows paintings by Birgir Andresson, Francis Baudevin, Jean-Sylvain Bieth, Stefan Brüggemann, Michel Castaignet, John Cornu, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Noël Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Josh Smith, Evi Vingerling, Robert Barry, Ditte Ejlerskov (…) painted over with the same colour of the wall by Claude Rutault.

Thought out as a reflexion on the nature of painting, the exhibition is fragmented in a couple of echoing exhibitions. To begin with, there is a classical exhibition of paintings by different artists ; these paintings are, following the fundamental principle of Claude Rutault's work started in 1972, paintd over with the same colour of the wall on which they are hung, affirming thus a second exhibition. Echoing these, a third, fantomatic exhibition is given constituted by monochrome paintings by Claude Rutault of the same formats than the ones painted over inserted within the cneai's architecture. A mirror exhibition, such as an empty echo of the works' present." Mathieu Copeland

Co-production : Circuit & 1m3 – Lausanne Suisse

www.cneai.com

Voids, Eine Retrospektive, Kunsthalle Bern

13 Septembre / 11 Octobre 2009

Voids, Eine Retrospective

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With VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE the Kunsthalle Bern offers an opportunity to explore a crucial chapter in the history of art. Following Yves Klein’s exhibition at the Iris Clert gallery in 1958, the empty space became a recurrent artistic theme. This chronological retrospective exhibition brings together nine empty exhibitions by Yves Klein, Art & Language, Robert Barry, Robert Irwin, Stanley Brouwn, Bethan Huws, Maria Eichhorn, and Roman Ondák.

Yves Klein’s 1958 emblematic exhibition ‘The Specialization of Sensibility in Raw Material State into Stabilized Pictorial Sensibility’, which was subsequently referred to as The Void, is widely considered as a turning point in modern art history. The empty space exhibited as such thus became, in a way, a classic of radicalism, and would be repeated and remade in other contexts, other places and other times by other artists whose intentions might be similar, different or even opposed to Klein’s.
The principle of the exhibition at the Kunsthalle Bern is to present only exhibitions where the space is left rigorously empty, without the addition or subtraction of anything, thus excluding, for instance, shows or works involving the modification of lighting, the installation of sound, the construction of partitions or the exclusion of the public. And it is no part of its goal to reconstruct the original physical space, as rather than representing the historical void by the artists, the retrospective - working closely with the artist and their estate - considers the void itself, and not the architecture that hosted the void.

Also, all forms of historical documentation or memorabilia related to the original exhibition (such as posters, photos, invitations, photo-documentation, press reviews, original texts) are excluded from the exhibition; all such elements being included in the exhaustive catalogue published alongside the exhibition, edited by the curators John Armleder, Mathieu Copeland, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot, Gustav Metzger, together with Laurent Le Bon and Philippe Pirotte.

Each void offers a different reading of the empty space, representing, perhaps, a claim, a renunciation, or, indeed, a celebration of the museum or gallery’s space. Contemplating emptiness, one confronts nothingness and absence, the invisible and the ineffable, destruction and negation. VOIDS are offered for what they are, and for what they allow. This accumulation of empty spaces, similar in appearance but radically different in reality, has echoes and implications beyond its walls. More than a radical and conceptual exhibition, the retrospective is an invitation to explore and experience, in a very physical manner, the different texture of each different space. The visitor encounters the empty exhibitions now in 2009, exactly 40 years after ‘When Attitude Become Form’ organised by Harald Szeeman when director of the Kunsthalle Bern. It was such exhibition that enabled this retrospective to be, and one could dream that with the voids, the attitudes, literally, are the forms.

This exhibition brings together the work of artists who have attempted this extreme gesture, to exhibit without showing an object, without making any intervention but a single announcement. The exhibition begins with Yves Klein’s 1958 exhibition, and from then on envisages how entirely empty exhibitions have defined different kinds of emptiness, sometimes as a means to signal sensibility as for Klein, sometimes as the peak of a conceptualist or minimalist practice as with Robert Barry’s ‘Some places to which we can come, and for a while “be free to think about what we are going to do (Marcuse)”’ (1970). Sometimes as the desire to explore our understanding of exhibition & exhibition spaces as for Art & Language’s ‘Air Conditioning Show’ (1966-67), or in the case of Robert Irwin’s Experimental Situation’ (1970) as the appraisal of the space, and the affirmation that there is no such thing as nothing. Sometimes as the desire to empty an institution & focus on the experience of walking through it as for Stanley Brouwn, or with Laurie Parsons’ exhibition at the Lorence-Monk Gallery in New York in 1990, announced by a card bearing only an address, with neither dates nor the name of the artist, as a means to announce the artist’s complete withdrawal. Sometimes as the affirmation that there is no need to introduce in a space a work of art as it is already there, as with Bethan Huws‘Haus Esters Piece’ (1993). And again as with Maria Eichhorn’s ‘Money at the Kusnthalle Bern’ who in emptying the Kusnthalle in 2001 worked with the void out of necessity, devoting the exhibition budget to the renovation of the building. And sometimes it is the means to remind us that the most important aspect of any void is the notion of trust and belief, as with Roman Ondak’s ‘More Silent Than Ever (room fitted with eavesdropping devices)’ (2006), a piece that deceives the public in making one believe that there is more when indeed there is nothing.

In this respect, from the search for a renewal of perception, through political or ideological statement, to the deconstruction of the very principle of exhibition, these exhibitions pose a range of crucial questions about the role of the institution, and this unprecedented marshalling of eloquent emptiness within the Kunsthalle Bern represents a true challenge to the institution.

For an unprecedented exhibition, a unique curatorial team. VOIDS, A RETROSPECTIVE, which is both an exhibition in the most traditional sense and an art event in its own right, has been put together by John Armleder, who has always been interested in nothing; Gustav Metzger, a key figure in auto-destructive art, Mai-Thu Perret, a young conceptual artist, Mathieu Copeland, a curator who explores the limits of the exhibition, Clive Phillpot, a writer; together with Philippe Pirotte, director of the Kunsthalle Bern.

 

Accompanying  and  simultaneously  to  the retrospective at the Kunsthalle Bern,  the  Museum  Haus Lange, Krefeld, will be entirely empty and open to the  public for a week (20th - 27th of September) as an invitation to visit Yves Klein’s ‘Raum der Leere’, a permanent void realized in 1961.

Accompanying events will also include an evening of performance by Ben Vautier, a screening of films curated by Stuart Comer, a listening session by Francis Baudevin, and "Absenz - (k)ein konzert" a concert by Ensemble Neue Horizonte. For more information on dates and locations in Bern on all these events, please refer to www.kunsthalle-bern.ch.

 

VOIDS, EINE RETROSPEKTIVE is coproduced by the Centre Pompidou, Paris, and the Kunsthalle Bern.

 

 

"Infinite Mercy", Alan Vega's Retrospective at the Musée d'Art Contemporain de Lyon 15/05 - 02/08 2009

ALAN VEGA
INFINITE MERCY

15.05 > 02.08.09

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ALAN VEGA, CONNU POUR ÊTRE L’UN DES PIONNIERS DU ROCK ÉLECTRONIQUE MINIMALISTE, COFONDATEUR AVEC MARTIN REV DU GROUPE MYTHIQUE « SUICIDE » AU DÉBUT DES ANNÉES 70, EST AVANT TOUT UN ARTISTE PLASTICIEN ACTIF SUR LA SCÈNE ARTISTIQUE NEW-YORKAISE DÈS LA FIN DES ANNÉES 60.

En 1969, Alan Vega (né en 1938 à New York, où il vit et travaille) est l’un des fondateurs du « Projet des Artistes Vivants » (Project of Living Artists), un des premiers lieux alternatifs new-yorkais, tenu par des artistes et ouvert 24h/24. Dédié à toutes les formes d’art, aussi bien à la musique qu’au cinéma, ce lieu devient vite un tremplin pour un grand nombre d’artistes, tels que New York Dolls, Television et Blondie. Dans cet univers saturé, Alan Vega trouve un environnement idéal pour son oeuvre et poursuit simultanément sa carrière musicale et artistique. Il étudie avec Ad Reinhardt au Brooklyn College et se concentredans un premier temps, sur la peinture. À la fin des années 60, son intérêt se porte sur la lumière et il crée ses premières « light sculptures », assemblages d’objets divers composés d’ampoules, de câbles, de télévisions et de néons de toutes formes et couleurs.

/ LA PREMIÈRE FOIS QUE J’AI RÉALISÉ UNE « SCULPTURE LUMIÈRE » JE TRAVAILLAIS SUR UNE PEINTURE DE GRAND FORMAT DE COULEUR VIOLETTE. UNE SEULE AMPOULE ÉCLAIRAIT LA PIÈCE, ET COMME J’ALLAIS ET VENAIS, J’AI REMARQUÉ QUE LA PEINTURE PRENAIT DIFFÉRENTS ASPECTS. JE N’ARRIVAIS PAS À OBTENIR L’UNITÉ DE COULEUR QUE JE CHERCHAIS […], J’AI DÉCROCHÉ L’AMPOULE DU PLAFOND, ET JE L’AI LITTÉRALEMENT PLANTÉE SUR MA PEINTURE. CELA M’A OUVERT À L’IDÉE MÊME DE COULEUR, ALORS QUE JE VOULAIS LA CONTRÔLER, J’AI COMMENCÉ À VOIR À QUEL POINT LA LUMIÈRE POUVAIT MODIFIER UNE PEINTURE : C’EST LA LUMIÈRE QUI DÉTERMINE LA PEINTURE […]. DÈS QUE J’AI COMMENCÉ À TRAVAILLER AVEC L’ÉCLAIRAGE, J’AI UTILISÉ DE PLUS EN PLUS D’AMPOULES, À LA PLACE DE PIGMENTS. LES AMPOULES DE COULEUR SONT DEVENUES MA PROPRE PALETTE. /
Alan Vega

Anti-esthétique, anti-formelle, son œuvre embrasse la réalité contemporaine dans laquelle il évolue. Faisant fi de toute préciosité, pour l’une de ses toutes premières expositions à New York en 1972, Alan Vega récupère dans la rue les matériaux qui constitueront des éléments de son oeuvre et les présente dans la galerie. À l’issue de l’exposition, il les rend à leur réalité première, les retournant à la rue.

Composée d’un large corpus d’oeuvres créées depuis 1971, cette rétrospective présente un ensemble de sculptures lumineuses, dont les célèbres « crucifix », série initiée au début des années 80. Une version « monumentale » est créée spécifiquement pour l’exposition au Mac LYON.L’exposition présente également un large choix de peintures et plus d’une centaine de dessins exécutés au stylo-bille, totalement inédits :

/ JE DESSINE EXCLUSIVEMENT DES GENS, LES VISAGES M’INTÉRESSENT PLUS QUE TOUT LE RESTE. JE JETTE LA PLUPART DE MES DESSINS. IL FAUT QUE L’INSPIRATION VIENNE DE FAÇON NATURELLE. ELLE VIENT QUAND J’ÉCRIS DES CHANSONS OU DES POÈMES. IL FAUT JUSTE ESSAYER DE PLONGER AU PLUS PROFOND DE SOI-MÊME. POUR ÊTRE FRANC, JE DÉTESTE ÉCRIRE, ET CURIEUSEMENT, JE NE PEUX M’Y METTRE QU’À CONDITION DE DESSINER UN PORTRAIT. /
Alan Vega

Dans la logique de son travail de récupération et d’utilisation de matériaux préexistants, l’exposition comme les oeuvres, recycle, réintègre, un grand nombre de « matériaux » des expositions antérieures : verres, murs, structures…

/ MON ART, C’EST L’ART DE L’OBJET TROUVÉ, ET C’EST AUSSI DE LA RÉCUPÉRATION. /

/ IL NE S’AGIT PAS D’UN ART LISSÉ ET J’APPRÉCIE LE FAIT QU’ELLES SOIENT COMPOSÉES À PARTIR DE DÉCHETS OU DE REBUTS. /
Alan Vega

Légendes vivantes de l’histoire du rock et du punk, précurseurs avant-gardistes, avec Suicide, Alan Vega et Martin Rev sont les premiers musiciens rock à introduire systématiquement le beat millimétré de la batterie électronique dans leurs compositions. Alan Vega est cependant beaucoup moins connu comme artiste plasticien, c’est pourquoi, le mac LYON lui consacre ici, sa première grande exposition personnelle rétrospective, présentant plus de 40 ans de création et d’intensité.

Mathieu Copeland

 

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ALAN VEGA, KNOWN TO BE ONE OF THE PIONEERS OF MINIMALIST ELECTRONIC ROCK AS THE CO -FOUNDER WITH MARTIN REV OF THE MYTHICAL BAND “SUICIDE”, IS FIRST AND FOREMOST A VISUAL ARTIST ACTIVE ON THE NEW YORK SCENE SINCE THE END OF THE 1960S.

In 1969, Alan Vega (born in 1938 in NY, where he still lives & works) was one of the founding members of the “Project of Living Artists”, one of the first alternative artist-run spaces in NY open 24/7. Dedicated to all forms of art, music and cinema, it quickly became a showcase for groups such as the New York Dolls, Television and Blondie. In this saturated universe, Vega found an ideal environment for his work, and pursued his musical and artistic careers in parallel. He studied with Ad Reinhardt at Brooklyn College, initially focusing on painting. Toward the end of the 1960s, his interests shifted toward light as he created his first “light pieces”— assemblages of diverse objects including bulbs, wires, televisions and neon tubes of every shape and colour.

/ THE FIRST TIME I DID A LIGHT PIECE WAS WHEN I WAS WORKING ON A VERY BIG PURPLE PAINTING. THERE WAS ONE LIGHT BULB IN THE ROOM, AND AS I WALKED AROUND I NOTICED HOW THE PAINTING ACQUIRED DIFFERENT ASPECTS. I WANTED IT TO BE ONE COLOUR, SO […] I TOOK THE LIGHT OUT OF THE CEILING AND REALLY STUCK IT ON THE PAINTING. THAT STARTED ME WITH THE WHOLE IDEA OF LIGHT BECAUSE I WANTED TO CONTROL THE COLOUR, BUT THEN I SUDDENLY BEGAN TO REALIZE JUST HOW MUCH LIGHT AFFECTS A PAINTING — ALL PAINTING IS ABOUT LIGHT. […] AS I STARTED WORKING WITH LIGHT, I STARTED GETTING MORE AND MORE INTO DIFFERENT COLOURS OF LIGHT INSTEAD OF USING PAINT. I STARTED USING LIGHT BULBS OF COLOUR THAT BECAME MY PAINT. /
Alan Vega

Anti-aesthetic, anti-formal, Vega’s work embraces the contemporary reality in which he is immersed. For one of his first exhibitions in New York in 1972, eschewing all preciosity, he looked to the streets for the materials that would become the elements of his work, and presented them in the gallery. At the end of the exhibition, he gave them back to their primary reality, returning these to the street.

This retrospective comprises a large corpus of works created since 1971. Presenting numerous light pieces from all periods, among them the famous series of “crucifixes” which Vega began in the mid-1980s, and a “monumental” version created specifically for the exhibition at the mac LYON.The retrospective also presents a large body of paintings, and more than a hundred ballpoint drawings that have not previously been exhibited :

/ I DRAW JUST PEOPLE. TO ME A FACE IS EVERYTHING ANYWAY. MOST OF THE DRAWINGS I THROW OUT. IT JUST HAS TO COME OUT WITHOUT THINKING […] WHEN I WRITE LYRICS, OR POETRY, IT COMES FROM MY MIND. IT’S JUST TRYING TO GET DEEP INTO YOURSELF. TO BE HONEST WITH YOU, I HATE WRITING, AND IRONICALLY THE ONLY WAY I CAN SIT DOWN AND WRITE IS IF I DRAW A PORTRAIT. /
Alan Vega

In the logic of Vega’s work, including the retrieval and re-use of pre-existing objects, it is not just the works, but the exhibition format itself, that recycles and reintegrates various “materials” from previous exhibitions : glass, walls, structures, etc.

/ MY ART IS AN ART OF THE FOUND OBJECT, AND IT’S ALSO THAT OF SALVAGE. /
/ IT’S NOT SMOOTHED-OUT ART, AND I APPRECIATE THE FACT THAT IT’S COMPOSED OF GARBAGE AND DISCARDED OBJECTS. /
Alan Vega

As living legends of rock and punk history, and avant-garde precursors with Suicide, Alan Vega and Martin Rev were the first rock musicians to systematically introduce electronic drums into their compositions. Alan Vega is however less well known as an artist, this is the reason why mac LYON proposes his first major solo retrospective, representing more than 40 years of creativity and intensity.

Mathieu Copeland

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Dossier de presse Alan Vega - Infinite Mercy // Service presse Élise Vion-Delphin T +33 (0)4 72 69 17 25 // communication@mac-lyon.com

ALAN VEGA - INFINITE MERCY. Toutes les photographies ©Céline Bertin, 2009

VIDES, Une Rétrospective, Centre Pompidou, Paris - 25 Février / 23 Mars 2009

VIDES, Une rétrospective

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Manifestation exceptionnelle, « Vides » est une rétrospective des expositions vides depuis celle d'Yves Klein en 1958. Dans une dizaine de salles du Musée national d'art moderne, elle rassemble, de manière inédite, des expositions qui n'ont rigoureusement rien montré, laissant vide l'espace pour lequel elles étaient pensées.

L'idée d'exposer le vide est récurrente dans l'histoire de l'art de ces cinquante dernières années, au point d'être presque devenue un cliché dans la pratique artistique contemporaine. Depuis l'exposition d'Yves Klein La spécialisation de la sensibilité à l'état matière première en sensibilité picturale stabilisée à la galerie Iris Clert, à Paris, en 1958, les expositions entièrement vides affirment différentes conceptions du vide.

S'il est pour Yves Klein un moyen de signaler l'état sensible, il représente en revanche l'apogée de l'art conceptuel et minimal pour Robert Barry avec Some places to which we can come, and for a while "be free to think about what we are going to do." (Marcuse), [« Des lieux où nous pouvons venir, et pour un moment, ' être libre de penser à ce que nous allons faire '. (Marcuse) »], œuvre initiée en 1970. Il peut aussi résulter du désir de brouiller la compréhension des espaces d'expositions, comme dans l'œuvre The Air-Conditioning Show d'Art & Language (1966-1967), ou de vider une institution pour modifier notre expérience comme dans l'oeuvre de Stanley Brouwn.

Il traduit également la volonté de faire l'expérience des qualités d'un lieu d'exposition, comme pour Robert Irwin et son exposition réalisée à la ACE Gallery en 1970, ou pour Maria Nordman lors de son exposition à Krefeld en 1984. Le vide représente aussi une forme de radicalité, comme celui créé par Laurie Parsons en 1990 à la galerie Lorence-Monk, qui annonce son renoncement à toute pratique artistique. Pour Bethan Huws et son œuvre Haus Esters Piece (1993), le vide permet de célébrer l'architecture du musée, signifiant que l'art y est déjà présent et qu'il n'est pas nécessaire d'y ajouter des œuvres d'art. Le vide revêt presque le sens d'une revendication économique pour Maria Eichhorn qui, laissant son exposition vide à la Kunsthalle Bern en 2001, permet d'en consacrer le budget à la rénovation du bâtiment. Avec More Silent than Ever (2006), Roman Ondak, quant à lui, laisse croire au spectateur qu'il y a plus que ce qui est laissé à voir.

 

Comité Curatorial : John Armleder, Mathieu Copeland, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot.
Commissaire au Centre Pompidou: Laurent Le Bon

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VIDES. Une rétrospective. Toutes les photographies © Centre Pompidou, Georges Meguerditchian, 2009

VIDES

VIDES
Edité par JRP-Ringier

Vides. Une rétrospective est une exposition paradoxale : à travers la réactualisation de neuf «expositions vides», elle apparaît simultanément comme un projet expérimental qui refuse les règles classiques des arts visuels et comme un objet historique qui confronte les réalisations de Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák et Laurie Parsons.

Support et prolongement de la manifestation, cet ouvrage dessine les contours du concept de «vide» dans l'art, l'esthétique, la philosophie, la religion, les sciences, la culture populaire, l'architecture et la musique, en abordant les problématiques du rien, de la vacuité, de l'invisible et de l'ineffable, du rejet et de la destruction. S'ouvrant sur un catalogue qui documente les neuf expositions historiques et contemporaines retenues, le livre comporte également une anthologie d'une quarantaine de textes, souvent inédits, ainsi que des contributions d'artistes spécialement réalisées pour l'ouvrage. Les essais de Benjamin Buchloh, Jean- François Chevrier, Henry Flynt, Lucy Lippard, Bernard Marcadé, Anne Moeglin-Delcroix, Brian O'Doherty, Sadie Plant, Didier Semin, David Toop ou Sarah Wilson s'entrecroisent ainsi avec des entretiens réalisés avec Robert Barry, Ben, Morgan Fisher, Claude Parent ou Jacques Villeglé, et les propositions de Peter Downsbrough, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Hans Haacke, Sherrie Levine, Malcolm McLaren, Olivier Mosset, Sturtevant ou Lawrence Weiner.
À travers la riche documentation et les textes de spécialistes réunis, cet ensemble se propose d'évaluer les origines, les dispositifs et les résonances de ce geste artistique capital, consistant à vider l'espace d'exposition plutôt qu'à le remplir

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Edité par Mathieu Copeland avec John Armleder, Laurent Le Bon, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot.

Publié avec le Centre Pompidou, Paris, et la Kunsthalle Bern.

2009
édition française et anglaise
21,5 x 28 cm (broché)
448 pages (96 ill. coul. et 267 ill. n&b)
39 €ISBN : 978-3-03764-017-3EAN : 9783037640173

 

VIDES, Le Symposium

Vides. Le symposium.

En lien avec l'exposition « Vides. Une Rétrospective »

Avec, entre autres invités : Robert Barry, Françoise Bonardel, Bethan Huws, Roman Ondák ; et les commissaires de l'exposition John Armleder, Laurent Le Bon, Mathieu Copeland, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret et Clive Phillpot.

Manifestation exceptionnelle, « Vides » est une rétrospective des expositions vides depuis celle d'Yves Klein en 1958. Dans une dizaine de salles du Musée national d'art moderne, elle rassemble de manière inédite des expositions qui n'ont rigoureusement rien montré, laissant vide l'espace pour lequel elles étaient pensées.

Si toutes ces expositions dont il est fait la rétrospective ont en commun d'avoir fait le choix du vide, elles se différencient par la signification qu'elles lui attribuent. D'Yves Klein à Roman Ondák, en passant par Robert Barry, Art & Language ou encore Maria Eichhorn, chacun des artistes présentés illustre, de différentes manières, souvent complémentaires, le désir de travailler le vide.

De la recherche de sensibilité ou de perceptions inédites à la mise en abyme du principe même d'exposition, de la prise de position politique ou idéologique à la réflexion philosophique, cet ensemble d'expositions, d'apparence similaire, propose une constellation radicale de questionnements et de contestations sous forme de défis à l'institution sacralisante.

Cette rencontre est donc le pendant nécessaire de cette étonnante rétrospective puisqu'elle permettra à ces questionnements de s'expliciter et de se confronter grâce aux interventions et aux discussions menées tout à la fois par des artistes de la rétrospective et par les commissaires.

 

25 février 2009 - 19h30

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
75004 Paris

 

UNE EXPOSITION CHOREGRAPHIEE - LA FERME DU BUISSON, 8/11 - 21/12 2008

Une Exposition Chorégraphiée
Avec Jonah Bokaer, Philipp Egli, Karl Holmqvist, Jennifer Lacey, Roman Ondak, Michael Parsons, and Fia Backstrom & Michael Portnoy. Interprétée par Le Clubdes5. An exhibition by Mathieu Copeland.

 

Une Exposition Chorégraphiée est une exposition composée exclusivement de mouvements. Pendant un mois et demi, six heures par jour, trois danseurs interprètent les partitions écrites par huit artistes. L’ensemble de ces partitions est orchestré par le commissaire d'exposition qui crée le déroulé général, sorte de mouvement chorégraphique ou musical à plusieurs thèmes.
En l’absence de décor, de lumière dramatique ou de musique, les gestes résonnent dans la galerie déserte. S’enchaînant dans un continuum sans fin, ils se déploient dans l’espace et dans le temps.
Les danseurs, tels des sculptures vivantes, concentrent toute l'attention, bouleversant le rapport au spectateur. La proximité troublante avec les interprètes, et leurs déplacements souvent imprévisibles, obligent à se mettre soi-même en mouvement, à se repositionner en permanence. Une exposition chorégraphiée invite à une expérience inédite de l'espace et de la durée. Elle se forme et se déforme sous nos yeux. Elle ne se fixe jamais sinon dans la mémoire.

 

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Photographies by T Caron

 

Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind

 

Centre d'art de la Ferme du Buisson
Scène nationale de Marne-la-Vallée
Allée de la Ferme – Noisiel
77448 Marne-la-Vallée Cedex 2
tél : 01 64 62 77 00 / fax : 01 64 62 77 99
contact@lafermedubuisson.com
www.lafermedubuisson.com

Horaires
Vendredi, samedi, dimanche 14h-20h

Accès depuis Paris
RER A, dir. Chessy / Marne-la-Vallée, arrêt Noisiel (20 min)
Porte de Bercy, A4 dir. Marne-la-Vallée, sortie Noisiel-Torcy puis Noisiel-Luzard (15 min)

Le Centre d'art contemporain de la Ferme du Buisson bénéficie du soutien de la Drac Ile-de-France/Ministère de la Culture et de la Communication, du SAN Val-Maubuée et du Conseil Général de Seine-et-Marne. Il est membre des réseaux tram et d.c.a.

‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).

L'exposition Continue

L'exposition Continue
Une exposition de Mathieu Copeland pour 2 centres d’art (Circuit & 1m3) avec

David Cunningham,
On Kawara,
Charlemagne Palestine,
et des peintures de Birgir Andresson, Jean-Sylvain Bieth, Francis Baudevin, Michel Castaignet,
John Cornu, Philippe Decrauzat, Noel Dolla, Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Evi Vingerling,
repeintes de la même couleur que le mur par Claude Rutault.

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vernissage le vendredi 3 octobre à 18h
du 4 octobre au 22 novembre 2008
je-ve-sa de 14h à 18h et sur rendez-vous


Concert de Charlemagne Palestine
mercredi 1er octobre à 20h30, Eglise St-François, Lausanne


Concert de David Cunningham et Mika Vainio
samedi 4 octobre à 22h, Le Bourg, rue de Bourg 51, Lausanne


Lecture de One Million Years, On Kawara
chaque samedi à 16h durant l’exposition, Circuit, Lausanne

 

Lausanne, Switzerland

WALKING IN THE CITY, by MICHAEL PARSONS on Sunday October 12th 2008 at 11.00am

WALKING IN THE CITY


Friday October 10th 2008 at 8pm, live discussion between Iain Sinclair, Michael Parsons and Mathieu Copeland on Resonance FM

http://resonancefm.com/archives/352

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Photographs courtesy Deborah Bullen

 

Sunday October 12th 2008 at 11.00am

Finsbury Avenue Square London EC2 (west side of Liverpool Street station)

Michael Parsons Walking Piece***
Philip Corner One Note Once

Michael Parsons will create a new version of his experimental classic Walk, originally written for the Scratch Orchestra in 1969. The performance will take place between 11.00am and 12 o’clock. To participate, meet in the Octagon next to the Richard Serra sculpture at the west entrance to Liverpool Street station at 10.30am. The work by Philip Corner will be performed inside the Richard Serra sculpture at exactly 12 o’clock.

«The architecture geometrically defined by urban planning is transformed into a space by walkers. Space is articulated by the operations that take place within it. It is composed of intersections of mobile elements; it exists when one takes into account vectors of direction, velocities and time variables».
(Michel de Certeau)

A Culture House commission curated by Mathieu Copeland, media partners Resonnance FM

 

The Saint, and Music & Films by Amy Granat - Sketch Gallery London 26/04 - 14/06 2008

 

With Fia Backström

Jutta Koether

Amy O’Neill

Mai-Thu Perret

Emily Sundblad

Stefan Tcherepnin

Angel Turner

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Opening the 26th of April, at 14.00, with ‘Emotional Music’ a performance with Amy Granat, Emily Sundblad and Stefan Tcherepnin.
The exhibition runs until the 14th of June 2008, 10am – 5pm

An exhibition curated by Mathieu Copeland

26 April to 14 June 2008

AN INTERVIEW WITH AMY GRANAT

Sketch Gallery, London
9 Conduit Street
London, W1S 2XG, UK

Une exposition de mémoires / Une discothèque silencieuse - 3 mai au 9 mai 2008 (DOJO NICE)

Le Dojo, La Villa Arson et le laboratoire de mémoires présentent


Une exposition de mémoires
Une discothèque silencieuse

vernissage vendredi 2 mai à 18h
exposition du 3 mai au 9 mai 2008

Exposition collective de & avec BENJAMIN BICHARD, ANNA BYSKOV, ZORA CAHUSAC, MARION CHARLET, CAMILLE DEBRAY, ALYS DEMEURE, MAILYS D.PERRET, LOUP GANGLOFF, SOPHIE GRANIOU, LAURIE GERARDO, YASMINA HATEM, CINDY LELAURIN, SANDRA LORENZI, AURELIE MENALDO, MARYLINE M'GAIDES, STEPHANIE RAIMONDI, COLINE VECTEN, sur une proposition de MATHIEU COPELAND, avec NOËL DOLLA & PASCAL PINAUD

 

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Cette réflexion est née d'une collaboration entre les étudiants de la Villa Arson et Mathieu Copeland, curateur d'exposition.
"Une exposition de mémoire"... s’ouvre sur un paradoxe et propose de penser d'après cette notion générique, comment poser des termes précis pour entrevoir et exposerl’impossible réalité de cette substance.

Penser une exposition comme on écrit une partition, ou la polyphonie des œuvres génère une création homogène et globale... "Une exposition de mémoire" met en place un mouvement auto générateur qui repense la realite d’un centre d’art alternatif niçois, le Dojo.


Les œuvres d'artistes, les archives du lieu et les espaces de travail sont utilisés et réactualisés, générant ainsi de nouvelles productions. "Une discothèque silencieuse" est mise en place et le souvenir de ce lieu unique se fond dans l'installation. Les résidus, les déplacements, les citations éclatent le sens et activent le processus de mémoire.
L'enjeu dépasse ainsi l'idée de représentation, s’offrant la mémoire d’un lieu et l’accumulation de mémoires fictives. S'insérant dans le cadre d'une exposition, cet environnement met en valeur les modes de productions inhérents à chaque engagement artistique : les contextes spatio-temporels, la médiation effective entre l'œuvre et le spectateur, et finalement les traces produites.


Les cartels de toutes les œuvres exposées depuis les débuts du Dojo, enveloppent l’idée de mémoire et invitent les spectateurs à déambuler à travers le lieu.
L’espace du Dojo est fractionné en deux axes symétriques, comme un espace bipolaire se réfléchissant. Le rocher, fil conducteur de toutes les expositions, s’offre comme la mémoire d’une idée, idée énoncée, projet évoqué puis abandonné, dont le souvenir est incarné par une plaque. Un second rocher en sucre conserve le souvenir du premier comme une réminiscence de neige en mai. Des interventions au cours de l'exposition invitent les spectateurs à questionner leur mémoire immédiate de l’œuvre.

LE DOJO

22 bis bd Stalingrad
F-06300 Nice
Tel 04 97 08 28 14
Fax 04 97 08 28 19


www.le-dojo.org
info@le-dojo.org

Le Dojo est ouvert
du lundi au vendredi
de 9h à 18h,
le samedi sur rendez-vous

Entrée libre

 

A Spoken Word Exhibition / Mluvené slovo - TranzitDisplay Prague 18th of March - 20th of April 2008

A Spoken Word Exhibition - Tranzit/Display - 18th of March - 20th of April 2008

tranzitdisplay
resource centre of contemporary art / zázemí současného umění
cordially invite you / vás srdečně zve na


A Spoken Word Exhibition / Mluvvené Slovo

Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currrie, Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomáš Vaněk, Lawrence Weiner, Ian Wilson

a Series of Spoken Word Events will take place during the course of the exhibition

Spoken Word Events by King Mob (17. 4.), Susan Stenger (18. 4.), Karl Holmqvist (19. 4.) and Fia Backström (20. 4.)


please contact the gallery or visit the gallery website for more information / součástí výstavy je program živých vystoupení zúčastněných umělců mimo jiné vystoupí Nick Currie aka Momus (18. 3.), Tomáš Vaněk (19. 3.), Boris Ondreička (10.4.), King Mob (17. 4.), Susan Stenger (18. 4.), Karl Holmqvist (19. 4.) and Fia Backström (20. 4.)
pro bližší informace prosím sledujte web www.tranzitdisplay.cz

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Exhibitions view - far right still of INSTANT EXTRA+, a spoken word event by Fia Backström

A CHOREOGRAPHED EXHIBITION - KUNSTHALLE ST GALLEN 1/12/07 - 13/01/08

A Choreographed Exhibition / Eine Choreographierte Ausstellung
With Jonah Bokaer, Philipp Egli, Karl Holmqvist, Jennifer Lacey, Roman Ondak, Michael Parsons, and Fia Backstrom & Michael Portnoy. An exhibition by Mathieu Copeland.

 

A Choreographed Exhibition’ is an exhibition only composed of movements. For over a month and a half, three dancers from the Tanzkompanie Theater St. Gallen are present in the kunsthalle during the opening hours to perform in space the choreography of movements, patterns and choreographed gestures, following the scores and instructions as provided by the invited artists, dancers, and choreographers.

In a space where nothing is present but the dancers, in a the gallery left empty, only the opening hours of the gallery (2pm – 6pm expect Saturdays & Sundays from 1pm – 5pm) and the length of the exhibition (each days between Wednesday and Sunday included from the 1st of December 2007 until the 13th January 2008) gives the time (the rhythm?) to all the pieces. ‘A Choreographed Exhibition’ considers choreography and dance, movements in space and in time, as the gestures become an abstraction of forms choreographed in the space of the Kunsthalle. A succession of movements, where ultimately only the memory of these gestures remain.

Roman Ondak (*1966, lives in Bratislava) with his contribution „Insiders“ begins & closes each day of the exhibition, as the dancers are invited to reverse what is expected of them and not perform, asked to ignore their surrounding reality & any spectators whilst wearing their clothes inside-out. The director/conductor of the Tanzkompanie St. Gallen, Philipp Egli (*1966, lives in St. Gallen) creates for the exhibition a piece where the texture of the body echoes the quality of the space, where the dancers begin the piece by choosing randomly a sealed envelop and discover a set of instruction to be performed in space, a piece where the immediate memory of tasks to be realised in space echoes their own memory as they are often invited to remember each others choreography and subsequently perform these. Composer Michael Parsons (*1938, lives in London) re-actualises his seminal ‘Walking Pieces’ first realised on the 2nd of August 1969, and instructs the three dancers with a series of scores written for the exhibition on how to walk straight lines within the spaces of the Kunst Halle, thus generating an open piece of visual music. In a choreography somehow reminiscent of a 1960s experimental theatre, Fia Backstrom (*4th of March 1957, in Stocksund, Sweden) & Michael Portnoy (*1971, both living in New York) in this unique collaboration create a piece about exchange systems, as two dancers perform intelligible primitive tribal moves and bargain for their lives, engaging several times during the day a series of 5 morphemes deriving from the daily updated live stock market report as read by a third dancers who evolves in space similarly to any share evolve in the stock exchange. Karl Holmqvist (*1964, lives in Berlin) creates a polyphony of voices in asking the dancers to repeat, perform, sometime sing lyrics from Songs, creating a medley between Tomorrow from Bugsy Malone, & Who Killed Bambi from The Great Rock’nRoll Swindle, entwined with lyrics of their own liking whilst evolving randomnly in the space of the Kunsthalle. The choreography generated by Jonah Bokaer (*1981, lives in New York) with ‘Three Cases of Amnesia’ writes three movements for any three dancers each realised at different moment during the course of the day, inviting the dancers to play on their memories and movements as they mediate & reveal the space of the Kunsthale, and their bodies and expressions echoes and engages with the space and generates so many germs as movements to come and ultimately disseminate & spread. Creating the transitions between all the pieces, Jennifer Lacey, who lives & works in Paris, developed a large series of instructions linking all the pieces together, inviting the dancers to choose each day the transitions to be realised between all of the pieces, all taken from a large series of choreographed gestures that can either be a humming in space whilst performing their own essential personal & private activities, or at other time an instructions to do nothing or rest, or again as an instruction to engage for a time in a classical & iconic dance move to be performed with closed eyes (…), altogether creating a choreographed piece that intervenes in-between all the pieces, and therefore within the core of the exhibition.

All pieces are performed as the day evolves, yet at any given time the viewers are only confronted to a succession of solo shows, one piece by one artist, as only in the entire time of the day and solely throughout its whole duration is the group exhibition revealed. Similarly to dance & performance, ‘A choreographed exhibition’ is a mode of production that produces no objects, and as such affirms its political standpoint in an oversaturated world. The exhibition considers movements as the means to produce ephemeral art pieces, as the works only exists for the time it takes for the dancers to inscribe them in space. Through their execution in time these pieces generate an exhibition of movements, and thus structure the movements of the exhibition as an ephemeral environment, or in other words, as a choreographed exhibition.

 

 

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Photographies by Anna-Tina Eberhard

 

Le geste est notre état d’esprit / A gesture is our state of mind

 

Kunsthalle St Gallen, Davidstrasse 40, CH-9000 St. Gallen
Open from Wednesday until Sunday: Wed/Thur/Fri: 14-18 ; Sat & Sun: 13-17

 

‘A Choreographed Exhibition’ is an exhibition curated by Mathieu Copeland and co produced by the Kunsthalle St Gallen (http://www.k9000.ch/) and La Ferme du Buisson (http://www.lafermedubuisson.com/).

 

A Spoken Word Exhibition & A Series of Spoken Word Retrospectives - 1st / 7th of November 2007

A Spoken Word Exhibition, and a Series of Spoken Word Retrospectives

Guest curator Mathieu Copeland presents “A Spoken Word Exhibition” at the Swiss Institute - NY. The exhibition consists of artworks repeated by the Institute‘s staff. By leaving the gallery space empty and making works available only on demand, an exchange is initiated between spectators and the gallery staff. An exhibition of the same nature & material as that of the artworks that it is constituted of, which are words. Artworks only spoken, exchanged as a verbal gesture from one person to another, generating ultimately an exhibition that only last the time it takes to hear it.

Artists contributing to “A Spoken Words Exhibition” include Vito Acconci, Robert Barry, James Lee Byars, Nick Currie (aka Momus), Douglas Coupland, Karl Holmqvist, Maurizio Nannucci, Yoko Ono, Mai-Thu Perret, Emilio Prini, Tomas Vanek, Lawrence Weiner, and Ian Wilson.

Through the artist’s voice and words, The Spoken Word Retrospectives present us with the whole of an artist’s career, generating a mental retrospective in the mind of the one who hears it, as said & seen by the artist. A spoken word retrospective begins with everything, and produces nothing more, only everything.

Artists contributing to “A Series of Spoken Words Retrospectives” include David Medalla and Gustav Metzger.

 

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SCHEDULE FOR LIVE EVENTS, EVERY DAY AT 6PM, 495 BROADWAY 3FL, FREE ENTRANCE:

For more information on the live events, please click here

 OPENING : Nov 1 Karl Holmqvist

 Nov 2 Michael Portnoy - A Seminar in Sublingual Carnage.

 Nov 3 An evening of the book(s)
18.00 : A Reading from Mai-Thu Perret’s the Crystal Frontier
18.30 : 2 or 3 things I know about books, an event by Raimundas Malasauskas with Michael Portnoy & Fia Backström

 Nov 4 Robert Barry

 Nov 5 Genesis Breyer P Orridge

 Nov 6 David Medalla - "Four Aces: Towards a nano theatre of Utter Meaninglessness"
       

 Nov 7 Vito Acconci

Swiss Institute [SI] - 495 Broadway 3rd Floor - New York NY 10012

 

 

 

Biennale de Lyon, invited artist Mai-Thu Perret

Biennale d'art contemporain de Lyon, 19 septembre 2007- 6 Janvier 2008- artiste invitée Mai-Thu Perret avec 'An Evening of the Book'

www.biennale-de-lyon.org/bac2007/fran/

 

L’œuvre pensée pour la biennale par Mai-Thu Perret se trame avec en toile de fond ‘An Evening of the Book (une Soirée pour le Livre)’ (1924), une pièce de théâtre agit-prop. Mis en scène par Vitalii Zhemchuzhnyi, cette propagande pour le livre aux décors et costumes conçus par Varvara Stepanova s’organisait comme  une expérimentation dans l’agitation artistique pour les masses par le livre avec des étudiants de l’Académie de l’Education Communiste. De plus, il est à noter le parallèle entre cette histoire et le présent livre d’histoire, autant formellement de par l’importance de leurs graphismes que dans cette volonté d’écrire au présent une histoire en cours. Tout comme ‘An Evening of the Book’ présente le conflit entre les héros des livres pré-révolutionnaire et ceux de la nouvelle révolution, les personnages sortant tous au fur et à mesure des pages d’un livre géant présent sur scène ; Cette biennale se matérialise dans un livre ou l’histoire de l’exposition devient l’histoire d’un livre d’histoire (d’histoires ?). Il nous reste à espérer que tout comme dans cette pièce des années vingt, l’écriture en cours voit la victoire revenir aux héros révolutionnaires.

L’installation ainsi réalisée s’articule autour de trois écrans, trois films de répétitions incessantes de mouvements, un groupe de danseuses reprenant sans cesse des gestes & postures chorégraphiés. Poursuivant une recherche optique et systématique, ces films sont projetés dans un espace tapissé de papier peint réalisé par l’artiste dont les motifs rappellent l’œuvre de Stepanova, un motif qui littéralement se trame jusque sous les films, et leur imprime un léger moiré, comme un flottement.

En opposition à la dictature du présent et la conception de néo, et insistant que nous sommes actuellement dans une époque baroque et rococo, cette pièce s’offre comme une chorégraphie de mouvements. Le signe et le motif sont les leitmotivs dont le mouvement structurent ces films. En échos aux formes géométriques de l’abstraction constructiviste et son actualisation au travers d’une série de films, le présent présent dans ces films est rejoué jusque dans les relations réelles qu’entretiennent les actrices entre elles, dessinant une boucle que celles-ci habitent

 

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Filmstills "An Evening Of The Book", © Mai-Thu Perret, 2007

Mai-Thu Perret’s installation ‘An Evening of the Book’ finds its origins in the agit-prop theatre piece ‘An Evening of the Book’ from 1924. Directed by Vitalii Zhemchuzhnyi, this propaganda for the book whose costume and set was designed by Varvara Stepanova was organised as an experimentation on mass artistic agitation through the book, with the students from the Communist Education Academy.

The installation entitled ‘An Evening of the Book’ is composed of a room featuring three screens, and on each are projected a different film of unceasing repetitions of movements; a group of dancers repeating unremittingly gestures & choreographed postures. Following upon an optical and systematic research, these films are projected in a space covered with a wallpaper designed by the artist, whose motif are reminiscent of Stepanova’s art, a pattern that is also weft literally into the films as a silvery white pattern on white is reproduced on the surface of each screen, giving them a moiré (or shimmering) effect, as if they were floating.

As opposed to the dictatorship of the present and its conception of néo, and insisting that we are currently in a baroque & rococo period, this piece is offered as a choreography of movements. The signs and the patterns are the leitmotivs whose movements structure the films. As an echo to the constructivists’ abstraction of geometrical forms and their actualisation through a series of films, the present present in the film is replayed all the way to the relationship that bound the actress together, drawing a circle that they do inhabit.

 

An exhibition with Loris Gréaud and Arnaud Michniak, by Mathieu Copeland

An exhibition with Loris Gréaud and Arnaud Michniak, by Mathieu Copeland

Hong Kong, Hong Kong City Hall, 14th of May - 27th of May 2007 - Launch : Sunday the 13th of May, 7.15, Agnes b Cinema / Hong Kong Arts Centre - Screening followed by a public discussion

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exhibition views / vues d'exposition

 

The exhibition appears as a moment frozen in time. A place where the viewers constantly celebrate the opening of an exhibition in a gallery whose size is gradually reduced, and that in turn reduces the view over the city.

The first movement of the exhibition comes with the present DVD that acts as a catalogue. Widely available, it features two new-commissioned films by Loris Gréaud and Arnaud Michniak both filmed in Hong Kong. The film ‘Celador, un goût d’illusion’ by Loris Gréaud is an advertising for a candy that taste of illusion. The film by Arnaud Michniak “Sound take in a hospital” focuses on arrested moments in the midst of a city in constant movement.

The exhibition at the Hong Kong City Hall appears minimal, if not empty. The films realised for the exhibition are shown sporadically throughout the exhibition. Our experience in the gallery is somehow what we are told of these works. There, everything remains, but nothing is left. Nothing seems to happen. The only element that evolves throughout the exhibition is, paradoxically, the space itself. The art is simply everything else.

 

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Film Stills

Une exposition avec Loris Gréaud et Arnaud Michniak, de Mathieu Copeland

L’exposition apparaît comme un moment gelé dans le temps. Un lieu où les spectateurs célèbrent constamment le vernissage d’une exposition dans une galerie dont la taille se réduit graduellement, et qui en retour réduit la vue sur la ville.

Le premier mouvement de l’exposition a lieu avec le présent DVD, qui en devient son catalogue. Largement diffusé, celui-ci présente deux films commissionnés à Loris Gréaud et Arnaud Michniak, tous deux filmés à Hong Kong. Le film ‘Celador, a taste of illusion’ de Loris Gréaud est une publicité pour un bonbon au goût d'illusion. Le film d’Arnaud Michniak ‘Prise de son dans un hôpital’ se concentre sur des mouvements arrêtés au sein d’une ville en mouvement constant.

L’exposition au Hong Kong City Hall apparaît comme minimale, sinon vide. Les films réalisés pour l’exposition sont présentés de manière sporadique dans l’exposition. Notre expérience dans la galerie n’est finalement que ce que l’on nous dit de ces œuvres. Ici, tout demeure, mais rien ne reste. Le seul élément de l’exposition qui évolue est, de manière paradoxale, l’espace lui-même. L’art est simplement tout ce qui est autre.

 

 

DVD / Publication ‘Une exposition avec Loris Gréaud & Arnaud Michniak, de Mathieu Copeland’. Un DVD contenant le film de Loris Gréaud ‘Celador, un goût d’illusion’ ; et le film d’Arnaud Michniak ‘Prise de son dans un hôpital’. DVD Toutes Zones (PAL), Couleurs, Son, 4/3, tout public, 15min. Livret 36 pages, couleurs, contenant une sélection de film stills, ainsi qu’une discussion entre Mathieu Copeland, Loris Gréaud, Karl Holmqvist et Arnaud Michniak, Anglais & Français.

Release of the DVD / Publication ‘An exhibition with Loris Gréaud & Arnaud Michniak, by Mathieu Copeland’. A DVD featuring the film by Loris Gréaud ‘Celador, a taste of illudion’ ; and the film by Arnaud Michniak ‘Soundtake in a hospital’. DVD All zones (PAL), Colour, Sound, 4/3, all public, 15min. Booklet 36 pages, colour, featuring  a selection of film stills, and a discussion between Mathieu Copeland, Loris Gréaud, Karl Holmqvist and Arnaud Michniak, English & French.

Please contact info@mathieucopeland.net

 

" Exhibitions' Ruins / Emotional Landscapes" - "Tilfinningalandslag (rotnandi syning)"

« Exhibitions’ Ruins / Emotional Landscapes »
« Tilfinningalandslag (rotnandi sýning) »

With / Sýningin er unnin á grunni verka frá eftirfarandi listamönnum
Birgir Andrésson, Stefan Brüggemann, Nicolas Garait, Loris Gréaud, Elin Hansdottir, M/M (Paris) & Gabriela Fridriksdottir, Gustav Metzger, Jeremy Millar, Francois Morellet, Olivier Mosset, & Claude Rutault.

An exhibition by / Sýningarstjóri Mathieu Copeland.

At the SAFN Collection / Í Safni; samtímalistasafni, Reykjavik, 17/03/2007 – 12/05/2007

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Texts (ENG - FR - ISK)

Exhibition's poster (pdf)

www.safn.is

 

Phill Niblock - The Movement of People Working

“The Movement of People Working”
An exhibition of the films by Phill Niblock,
Curated by Mathieu Copeland

 

“In film, I am interested in eliminating film time (editing time) and montage, sequencing, narrative line, development, plot, all of the things usually relevant to film, and concentrating on stasis, reiteration on a single idea”.
Phill Niblock

The series of films The Movement of People Working by intermedia artist, minimalist composer, filmmaker and photographer Phill Niblock (who was born in 1933 and lives and works in New York and Ghent, Belgium) portray human labour in its most elementary form. Filmed on 16mm stock in locations including Peru, Mexico, Hungary, Hong Kong, Brazil, Lesotho, Portugal, Sumatra, China (video) and Japan (video), The Movement of People Working focuses on work as a choreography of movements and gestures, dignifying the mechanical yet natural repetition of labourer’s actions.

A wide selection of Niblock's slowly evolving, harmonically minimalist music, realised between 1968 and 2006, are played back in the gallery during the projections, the sound level of these compositions allowing a visceral experience of the long drones and inhabit the ringing, beating overtones. The layering of tones echoes the repetitions of the workers' actions; the evolution of the films on each screen (changing throughout the day), combined with a program that randomly plays back different music pieces, results in a constant renewal of forms, continuously offering the exhibition of new juxtapositions of sound and image.

 

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Images © Phill Niblock

AN INTERVIEW WITH PHILL NIBLOCK (22/11/2006)

The opening on January 20th featured flautist/bassist Susan Stenger (Band Of Susans/Big Bottom) and guitarist Robert Poss (Band Of Susans), long-time performers of Niblock's music, playing 4 pieces (some of which were composed especially for them).  

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Sketch Gallery, London, 20th of January until the 10th of March 2007.

 

www.showtitles.com

www.showtitles.com

IT IS WITH GREAT PLEASURE THAT WE ANNOUNCE THE LAUNCH OF THE SHOW TITLES WEBSITE. ACCOMPANYING THE EXHIBITION ‘THE TITLE AS THE CURATOR’S ART PIECE’, AN EXHIBITION THAT USES ONE OF THE SHOW TITLES WRITTEN BY MEXICAN BORN, LONDON BASED ARTIST STEFAN BRÜGGEMANN, THIS WEBSITE OFFERS THE POSSIBILITY TO VIEW, AND TO HEAR, ALL 728 SHOW TITLES WRITTEN TO DATE.

THE SHOW TITLES IS A WORK IN PROGRESS BY STEFAN BRÛGGEMANN OF TITLES FOR EXHIBITIONS. FREELY AVAILABLE, THESE ARE TO BE USED AS ONE WISH. WITHOUT ANY NEED TO ASK FOR ANY AUTHORISATION, THESE ARE TO BE USED AS THE SHOW TITLE, AND CREDITED AS AN ART PIECE BY STEFAN BRÛGGEMANN (SHOW TITLE, #XXX BY STEFAN BRÜGGEMANN). A COPY OF THE INVITATION CARD, AND ANY PRINTED MATERIAL, IS TO BE SENT TO THE FOLLOWING ADDRESS: BLOW DE LA BARRA, 35 HEDDON STREET, W1B 4BP, LONDON, UK.

 

Online now.


The title as the curator's art piece*, A summer Show by Mathieu Copeland

 

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The title as the curator's art piece* A summer Show by Mathieu Copeland

A painting exhibition with Jaroslaw Flicinski & Claude Rutault

A spoken word exhibition with Douglas Coupland, Nick Currie (aka Momus), Karl Holmqvist, Tomas Vanek, Lawrence Weiner & Ian Wilson

*Show title #347, by Stefan Brüggemann

 

Exhibition running from the 21st of June until the 2nd of September

Blow de la Barra, 35 Heddon Street, London W1B 4BP

Tel + 44 (0) 2077347477 info@blowdelabarra.com

 

A publication accompanies the exhibition featuring discussions with artist and musician Nick Currie (aka Momus), curator Raimundas Malasauskas, and artist Claude Rutault.

The audio extracts featured on the wesite were repeated (not performed) by gallerist Pablo Leon de la Barra to curator Raimundas Malasauskas at Blow de la Barra on the 25th of Jully 2006.

 

SOUNDTRACK FOR AN EXHIBITION

Soundtrack composed by/composée par Susan Stenger [Band of Susans] with contributions by/avec des contributions de Robert Poss [Band of Susans] , Alan Vega [Suicide], Alexander Hacke [Einstürzende Neubaten], F.M. Einheit [ex Einstürzende Neubaten], Will Oldham [Palace Music, Bonny Prince Billy], Kim Gordon [Sonic Youth], Mika Vainio [Pan Sonic], Bruce Gilbert [Wire], Ulrich Krieger, Warren Ellis [The Dirty Three, The Bad Seeds], Jim White [The Dirty Three], Jennifer Hoyston [Erase Errata], Andria Degens (Pantaleimon), Spider Stacy [Pogues]

Paintings by/Peintures par John Armleder, Steven Parrino

Feature film by/Film par Kristian Levring

An exhibition by/Une exposition de Mathieu Copeland


Audio excerpt from Soundtrack for an Exhibition :

A 5-minute excerpt from Soundtrack Days 37 and 38, which are Verse 2 Days 9 and 10. These were heard on April 12th and 13th 2006. The vocalist in this excerpt is Alan Vega of Suicide.

A 1-minute excerpt from Soundtrack Days 10 and 18, which are Verse 1 Days 6 and 14. These were heard on March 16th and 24th 2006. The vocalist in this excerpt is Jennifer Hoyston of Erase Errata.

A 30-second excerpt from Soundtrack Days 29 and 30, which are Verse 2 Days 1 and 2. These were heard on April 4th and 5th 2006.

 


Exhibition View / Vues d'exposition
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soundtrack for an Exhibition (fr - eng) - 8th March until 11th June 2006 - Musée Art Contemporain Lyon

EA C / Expat Art Centre

EA C / Expat Art Centre is an ongoing exhibition that takes place when the art centre, the museum... is closed, inserting itself between two exhibitions. With Brian Eno, Pierre Huyghe, Ben Kinmont, Claude Leveque, Didier Marcel, Olivier Mosset, Shimabuku, Dan Walsh, Ian Wilson. An exhibition by Mathieu Copeland. PDF Leaflet of the exhibition (English - Francais - Polish - Lithuanian - Estonian - Chinese)


Exhibitions Views / Vues d'expositions :

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Exhibitions Views: ICA London, Musée Art Contemporain Lyon, Muzeum Sztuki Lodz, CAC Contemporary Art Centre Vilnius, Kunstihoone Tallinn. © The Artists & Mathieu Copeland.

 

David Cunningham / Sebastien Roux

 

Wall paper music - Sebastien Roux (LOT Bristol)

 

Exterior - David Cunningham (AA London)

 

Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans

Meanwhile... across town - Cerith Wyn Evans (Centre Point London)

"Meanwhile…across town", by Cerith Wyn Evans, permeated the centre of London with a Morse code message transmitted from the neon signs of the landmark Centre Point Tower on Oxford Street. Produced by Forma and curated by Mathieu Copeland, witnessed by hundreds of thousands of people who see the Centre Point Tower from across London every day, Wyn Evans used the letters 'o' and 'i' from Centre Point's signs to transmit an extract from The Visible and the Invisible, an unfinished book by the French existentialist philosopher, Maurice Merleau-Ponty [1908-1961]. The building may be seen as a host organism infected with a virus - the code of a dying language that has taken up temporary residence. The text became buried in the urban landscape, where the pulsating narrative of the Morse code signal might even suggest that every other flashing light might be beaming out its own story.

This invasion of the social fabric of the City was at the core of the artist's intentions. "Meanwhile…across town" appeared as an elegant and subtly perverse way of pointing to no more than the communication itself; through the archaic communication tool of Morse code, broadcasted across town, its message became, ultimately, temporarily, an intrinsic part of the cityscape.

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